Zafreth

THE EARTH EXPLORER y sus grandiosas expresiones prog-sinfónicas

2012-01-19T05:13:00.000-08:00

HOLA A ZAFRETH Y A TODOS LOS AMIGOS, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Comenzamos muy bien el año progresivo 2012 con la banda japonesa THE EARTH EXPLORER, dedicada a esto de revitalizar la vertiente sinfónica del progresivo vivo de nuestros tiempos. Formado en 2005 bajo el nombre de EUROPE EXPRESS, no se dedicó a cultivar un kraut electrónico a lo KRAFTWERK como podría pensarse en un primer instante, sino a hacer covers de PFM y AREA, entre otras bandas de la tradición progresiva europea. Cuando el grupo empezó a crear su propio material, se focalizó en la vertiente sinfónica del género, aunque sin cerrarse a la riqueza sónica que puede proveer alguna ocasional incorporación de cadencias jazzeras: el resultado que se generó fue una sonoridad muy rica y vitalista. Habiendo grabado un homónimo disco debut generalmente ignorado en 2009, ahora a inicios de 2012 es hora de prestarle atención con su segundo lanzamiento “Trans Europe Expression”. El título de este segundo disco es alusivo a la prehistoria de la banda, conformada por Kenji Imai (flauta), Ryuji Yonekura (teclados), Takayuki Asada (batería), Yukio Iigahama (bajo) y Katsumi Yoneda (guitarras). Pasamos a reseñar el disco de inmediato.

El disco abre con ‘Stromboli’, un tema muy tirado hacia las líneas de PFM y CAMEL, conjugando el colorido prístino de las estructuras melódicas con la vivacidad bien manejada de la estructura rítmica en 7/8. La flauta se siente solventemente asentada en su locación preferencial dentro del bloque instrumental, lo cual no impide que la guitarra asuma a veces un rol protagónico en algunos momentos estratégicos. El aura extrovertida de este tema de entrada halla su complemento con la espiritualidad reflexiva que se impone en el segundo, ‘Rhodanus (River To The Ocean)’: la pieza de por sí no es lánguida, pues contiene varios pasajes cargados de fuerza expresiva, y de hecho, la guitarra dispone de una presencia más crucial, pero es evidente que el tenor de los motivos centrales es meditativo. El estilo esencial se mantiene intocable, apelando frontalmente a un lirismo conmovedor que ya practicaron antaño otras bandas japonesas como MR. SIRIUS, PAGEANT y MUGEN: el pasaje final de piano y flauta parece prácticamente
un tributo a esos antecedentes. ‘Intersection’, el tercer tema, ahonda en los matices más extrovertidos de la banda, haciendo que el colorido ya manifiesto anteriormente en ‘Stromboli’ llegue a niveles más entusiastas, incluso valiéndose de cadencias jazz-rockeras en la base rítmica, con lo cual se logra un sólido hermanamiento de sinfonismo y jazz-prog, nada distante del estándar de los heroicos veteranos de KENSO (etapa de los discos “II” y “III”). Cabe notar la
breve presencia de tarareos femeninos en uno de los pasajes intermedios. ‘Flying Roses’ puede muy bien describirse como una mirada sintética de todo lo que ha venido sucediendo en el disco hasta ahora: comienza con un motivo medidamente melancólico en 5/4, luego pasa a una sección pastoral naturalmente liderada por los dibujos y florituras de la flauta, y posteriormente se complace en explorar, una vez más, aureolas de expresividad extrovertida. La pieza se remata perfectamente con una exhibición de calidez al más puro estilo Cameliano con algunos ribetes Focusianos: es en este sentido que el grupo establece confluencias con otras bandas sinfónicas de reciente activación como CICCADA y SANHEDRIN. ‘Gordes’, el tema más largo del disco con sus 11 minutos y medio de duración, comienza con un preludio que ostenta una actitud solemne y
ceremoniosa sostenida principalmente por las bases del piano, mientras que la flauta y la guitarra van organizando sus propios espacios dentro de la arquitectura sónica en curso. Mientras avanza la instauración del ambicioso cuerpo central, la vibración ceremoniosa va en aumento, pasando a niveles épicos inspirados en UK y YES. Los últimos 6 minutos del álbum están ocupados por ‘Endeavour’, pieza que se pone a cargo de mantener el momentum de
ceremoniosa fastuosidad. Incorporando algo de vigor en algunos pasajes intermedios, la pieza garantiza algo de necesaria energía en medio de la solemnidad reinante, logrando así completar un auténtico broche de oro para el álbum.

“Trans Europe Expression” es un disco realmente fabuloso, un ejemplo de cómo los viejos estándares del prog sinfónico todavía pueden confiar su nostálgica supervivencia a las manos y
mentes de músicos adueñados de tremendas dosis de creatividad compositiva y energía. THE EARTH EXPLORER (TEE para los amigos) es una banda a descubrir, una tarea pendiente e ineludible para los acérrimos e irreductibles amantes del género progresivo.

Muestra de “Trans Europe Expression”.-
Stromboli: http://www.youtube.com/watch?v=WOxmoANGBEM

En contra de la Ley SOPA/PIPA

2012-01-18T12:00:00.000-08:00

Update 21/05/2010

2010-05-21T06:59:00.000-07:00

Estimados amigos de zafreth, (Si es que todavia leen este blog), lamentablemente, he dejado caer mi blog hasta los bajos fondos de la inmovilidad, he tenido la intención de escribir en él pero las ocupaciones de mi vida no me lo han permitido.

A veces quisiera más tiempo para poder escribir y poder dedicar ese tiempo a esto de la música;este es un mundo apasionante y que a veces requiere demasiado tiempo, es una afición que es muy celosa y demandante, tan es así que no puedes sacartela de la cabeza.

Bueno ojala y algun dia pueda hacer lo que estoy diciendo, estoy muy cansado, en fin,

Saludos.

Yes - Symphonic Live - 2002

2010-03-29T22:00:00.000-07:00

(CDs + covers = 147MB)

Live, record in 2002, released in 2009

Songs / Tracks Listing
CD 1
1. Overture (2:30)
2. Close To The Edge (20:30)
3. Long Distance Runaround (5:28)

4. Don't Go (4:29)
5. In The Presence Of (11:03)
6. The Gates Of Delirium (23:30)
7. Steve Howe Guitar Solo (6:25)

Total Time 73:00

CD 2
1. Starship Trooper (12:18)
2. Magnification (7:23)
3. And You And I (11:15)
4. Ritual (28:21)
5. I've Seen All Good People (7:20)
6. Owner Of A Lonely Heart (5:48)
7. Roundabout (6:28)

Total Time 78:00

LINK:

http://rapidshare.com/files/369793909/Y2002SymL_byLFS.rar

ENJOY!!!

Só Filmaços: Coupling_Série completa (2000)

2010-03-12T16:56:00.000-08:00

Só Filmaços: Coupling_Série completa (2000)

Los 20 años de un ensueño: "When Day and Dream Unite" de DREAM THEATER.

2009-09-01T17:50:00.000-07:00

HOLA AMIGOS DE ZAFRETH, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

El presente año 2009 significa el vigésimo aniversario del debut fonográfico de DREAM THEATER, banda no pionera pero sí impulsora del género prog-metal. Precisamente fue este disco veinteañero titulado “When Dream and Day Unite” el que ayudó a gestar todo un parámetro para la susodicha vertiente musical, parámetro basado en la sólida confluencia entre la faceta estilizada del rock pesado y metalero (IRON MAIDEN, METALLICA, DEEP PURPLE) y la pomposidad más notable del progresivo (YES, ELP, RUSH, KANSAS): de este modo, la brecha abierta por FATES WARNING y QUEENSRŸCHE empezaba a desembocar finalmente en un mar de posibilidades sonoras que por aquel entonces resultaron particularmente inspiradoras, no solo por su ya patente complejidad performativa, sino también por el tipo de osadía que implicaba el generar una propuesta de tales ambiciones en un ámbito comercial que cada vez más se resistía a dar plena cabida a géneros rockeros que demandaran escuchas atentas y pacientes.

Después de iniciarse como un ensamble instrumental denominado MAJESTY y ver transitar un par de veces a vocalistas que no lograban encajar dentro de su tortuoso mundo musical, “When Dream and Day Unite” mostraba a un DREAM THEATER conformado por Charlie Dominici (voz), Kevin Moore (teclados), John Myung (bajo), John Petrucci (guitarras) y Mike Portnoy (batería y percusión). Una característica llamativa de Dominici es su rango de tenor altísimo, hallándose a medio camino entre Geddy Lee (RUSH) y John Arch (FATES WARNING), aunque con un estilo un tanto meloso que lo ubica más cerca del estándar del AOR. El disco empieza con un poderoso ‘A Fortune In Lies’, llamativo por su patente reciclamiento del estilo METALLICA con la adición de atmósferas y orquestaciones de teclado que apelan tanto a Geddy Lee como a Rick Wakeman. Otro tema con gancho es el instrumental 'Ytse Jam', en el que se mezclan la magia de RUSH y la fuerza de IRON MAIDEN, recicladas por el sello personal de DT – bien merecido tiene este tema su sitial como símbolo de lo mejor de DT en esta primera etapa, un tema muy querido por los fans y conocedores. Los mayores atractivos de este disco se suelen encontrar en los temas más extensos, que es donde DT encuentra espacio suficiente para desarrollar múltiples ideas y conjugarlas en una unidad complicada y bien integrada, y los casos más emblemáticos de ello son 'The Killing Hand', ‘Light Fuse and Get Away’ y 'The Ones Who Help to Set the Sun'. La primera y última son sendas mini-suites que tienen en común un cierto carácter trágico tanto en su lírica como en su ambiente musical, mientras que la de en medio explota lo metalero con un boato tan exigente como bien ejecutado a través de sus intrincadas (y a veces un tanto abruptas) variantes de ambiente y motivo. Por su parte, 'Fortune Seeker' y 'Afterlife' apelan a sonoridades un poco menos tortuosas, acercándose más a los estándares del rock duro de tendencia AOR y al heavy metal “convencional”. En mi opinión, la canción de cierre ‘Only a Matter of Time’ supone el cénit de este disco: aquí encontramos un sólido realce del aspecto sinfónico de DT en conjunción con una ingeniosa recapitulación de los recursos metaleros que abundaron en todo el repertorio, amén de una muy inspirada letra a cargo de Kevin Moore.

Ya con su segundo disco “Images and Words”, el cual mostraba a James LaBrie como nuevo (y definitivo) vocalista del grupo, DREAM THEATER instalaba su sendero de robustecimiento y madurez, siendo así que todavía son muchos los que piensan que se trata de la obra definitiva de DT. Pero este disco será motivo de otro aniversario posterior: en el momento presente, brindamos por los 20 años de “When Dream and Day Unite”.

Las evocaciones sonoras de SENOGUL - una gema metaprogresiva del año 2009

2009-07-28T19:16:00.000-07:00

HOLA AMIGOS DE ZAFRETH, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Ahora que se va acabando julio, regreso a este blog para hablarles de “Concierto De Evocación Sonora Para Conjunto Instrumental”, segunda obra fonográfica de SENOGUL, banda española que encarna una de las propuestas más sólidas de progresivo contemporáneo. Después de ofrecernos con su homónimo disco debut de 2007 un catálogo de exquisito eclecticismo donde convivían el sinfonismo, la fusión y la psicodelia, “Concierto De Evocación Sonora Para Conjunto Instrumental” surge en 2009 como todo un deleite de magnífica envergadura; un disco portador de una magia peculiar donde el grupo luce tanto su lucidez perceptiva de las raíces sónicas más íntimas como su sapiencia arquitectónica sobre la articulación musical.

El hecho de que el quinteto haya contado con una cantidad enorme de colaboradores y que no haya seguido una pauta estructural común en todos los temas de repertorio sirve para dar forma definitiva al rico viaje sonoro que el grupo había proyectado para este segundo disco. Elementos de World-music, fusión y ambient son los más recurrentes en esta magistral ejercitación de evocaciones sonoras que ora se muestran envolventes, ora se tornan sugerentes, ora se explayan en recursos oníricos y surreales. ‘Itamaracá’ abre el disco con una cálida candidez apoyada en el acordeón y el saxo barítono, siendo así que un reprise del mismo tema con solo de acordeón habrá de cerrarlo. En el ínterin, nos encontramos con estupendos despliegues multicolores. Hay temas de talante predominantemente percusivo en los que se exploran inquietudes ritualísticas y celebratorias, como en ‘Siete Lunas (La Canción del Nómada)’ y ‘Terra–Terreiro’. También tenemos un tema como ‘Swaranjali (Sangama Mantra)’, cuyo prólogo y epílogo se focalizan en un motivo de cítara, mientras que buena parte de su cuerpo central está ocupada por un lento motivo psicodélico en el que unas guitarras sutilmente crimsonianas aportan un eficaz aire de grisácea densidad, nada chocante. 'De Nooijer' comienza con un ambiente etéreo, portador de una melancolía espacial que finalmente aterriza en un clímax sinfónico calmo y envolvente. ‘En Permanente Estado de Vigilia’ y ‘Lughnassad’ prácticamente son encarnaciones puras de lo ensoñador, la suave y misteriosa liviandad del flujo pensante humano al servicio del sonido, recursos musicales vanguardistas dispuestos como telas de sábanas que arropan nuestras mentes en ese inescrutable limbo que llamamos mundo.

“Concierto De Evocación Sonora Para Conjunto Instrumental” es un disco hermoso y misterioso, una exhibición sónica frente a la que las palabras son vanas, y con eso incluyo a esta misma reseña que escribe un servidor. Como sea, espero a lo sumo haber llamado un poco la atención de los lectores para así manifestar mi total aprecio por SENOGUL y su obra. ¡¡Totalmente recomendado!!

"Part the Second" - gran aporte progresivo de maudlin of the Well para el año 2009

2009-07-16T10:58:00.000-07:00

HOLA AMIGOS DE ZAFRETH, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

MAUDLIN OF THE WELL, así se llama un ensamble estadounidense de progresivo vanguardista que, en realidad, es uno de tantos proyectos dirigidos por el multi-instrumentista (principalmente guitarrista) Toby Driver. Habiendo gestado una obra preciosa dentro de KAYO DOT el año pasado con “Blue Lambency Downward”, ahora como parte del quinteto MAUDLIN OF THE WELL nos entrega “Part the Second” a fin de aportar una etérea y multicolor prestancia al rock artístico del 2009. Como al grupo le gusta poner en minúscula la letra inicial de la primera palabra, a veces se usa el diminutivo mofW para designar a este ensamble en cuestión. El espectro sonoro nuclear de este grupo apunta a mantener siempre altas dosis de exquisitez, no tendiendo realmente a boatos magnificentes ni pomposidades patentes sino más bien a ingeniosas texturas y atmósferas de corte otoñal, casi surreal.Con una carrera fonográfica iniciada en 1996 y tras pasar un hiato producto del desbande ocurrido en 2003, “Part the Second” resulta el cuarto disco oficial del grupo (que también ha editado varios demos anteriormente), y se puede descargar directamente de la página web de motW en varios formatos – para más detalles, sírvanse consultar el enlace http://www.maudlinofthewell.net/downloads.html

‘Excerpt from 6, 000, 000, 000, 000 Miles Before the First (Revisitation of the Blue Ghost)’ abre el disco con casi 11 minutos de deleite etéreo donde la luminosidad opaca del atardecer inicial y la bruma inapelable que precede al latente anochecer se alternan y/o combinan de manera totalmente fluida. El ambiente intimista queda debidamente reforzado por los arreglos de cuerdas y el hermoso solo de guitarra acústica, haciendo así al adusto canto susurrante que emerge en varios pasajes. Al llegar al quinto minuto y medio, los instrumentistas se engarzan en un crescendo bien sostenido cuyo clímax no dura demasiado, en verdad, pero que abre la puerta para la retoma del motivo central con un toque extra de psicodelia lisérgica, muy a lo "indie". ‘Another Excerpt – Keep Light Near You, Even When Dying’ comienza como un ensueño distante llevado conjurado por la arquitectura de violín saxo barítono y caja musical sintetizada, antes de que el arribo de la batería haga que el ensamble entero ofrezca una cadencia jazz-rock para el desarrollo de un motivo mayestático, casi sinfónico. El solo de guitarra es poderoso, logrando lucirse debidamente antes de la emergencia de una alternancia entre motivos sincopados y otros más constreñidos. La coda resulta en un despliegue de melancolía mística. 'Rose Quartz Turning to Glass' suena como una combinación de chamber-rock y fusión, explotando inteligentemente el lado más amable del R.I.O. A pesar de ser solo una invitada, Mia Mtsumiya se prodiga mucho en sus intervenciones al violín. Las partes finales se focalizan en una exhibición no demasiado compleja pero sí patentemente ágil de rock progresivo alimentado de vibraciones modernas. Aunque pueda no parecer obvio al comienzo, el siguiente tema ‘Clover Garland Island’ aplica bastante espacio para mantener el momentum heredado del tema precedente. La presencia de un interludio basado en espartanos acordes de guitarra y flotantes cuerdas aporta un importante espacio introspectivo, antes de que la batería ingrese para intensificar las cosas por un rato, aunque el núcleo conclusivo de la pieza permanezca sólidamente nostálgico. En fin, los últimos 11 minutos y pico del álbum están ocupados por ‘Laboratories of the Invisible World’, tema fácilmente designable como el pináculo indudable del mismo. Comenzando bajo parámetros rítmicos lentos, la pieza no tarda mucho en expandirse en un giro hacia atmósferas explícitas y desarrollos rítmicos versátiles. La densidad bombástica logra expresar una suerte de rabia mística, que se siente tan cósmica como robusta. La coda se resuelve al modo de un MOGWAI o un TORTOISE enfrascado en una banda sonora para un filme de David Lynch, pero ciertamente se nota que estamos disfrutando del estilo propio de motW. Los hermosos pasajes de piano de cola con que culminan este tema y el álbum nos despiden con un aura de inmaculada distinción.

Escuchar “Part the Second” es una experiencia totalmente recomendable para cualquier melómano exigente, y especialmente para todo melómano progresivamente obsesivo como quien esto escribe. MAUDLIN OF THE WELL es una banda a descubrir, si es que no se ha hecho eso todavía.

Gentle Giant - Under Construction

2009-07-13T07:27:00.000-07:00

Boxset/Compilation, released in 1997Songs / Tracks Listing
Disc 1 - Entirely Unreleased Material 1. Radio Bit (0:13) 2. Freedoms Child (3:57)3. Hometown Special (4:24) 4. Weekend Cowboy (3:46) 5. Bringing Me Down (5:50) 6. Nothing At All (8:23) 7. RONDO: Playing the Game (1:33) 8. DVS Guitars (6:28) 9. Robin Hood (1:40) 10. Interview Whispers (1:04) 11. Interview - Live (7:00) 12. Timing - Live (9:49) 13. Unreleased Civilian track (4:59) 14. You Haven't a Chance (4:12) 15. Sample Archive - freely usable (9:18) Disc 2 - Demos and Out-takes 1. The House The Street (1:50) 2. Prologue (0:40) 3. Schooldays (2:54) 4. Peel The Paint Demo (0:22) 5. Peel The Paint Studio (4:22) 6. Mr Class & Quality (3:02) 7. Advent of Panurge (0:56) 8. "SHH" (0:15) 9. An Inmates Lullaby (3:37) 10. Way of Life (7:07) 11. Experience (6:51) 12. So Sincere - Demo (3:30) 13. So Sincere - Studio (3:28) 14. Intro 74 (2:29) 15. Cogs In Cogs (1:43) 16. Intro 76 (1:44) 17. Just The Same (1:34) 18. Free Hand (2:58) 19. Time to Kill (3:32) 20. Interview Demo (2:02) 21. Give It Back (2:23) 22. Design (0:46) 23. Another Show (2:24) 24. Empty City (3:36) 25. I Lost My Head - Demo (2:31) 26. I Lost My Head - Studio (1:41) 27. Convenience (1:03) 28. Freedoms Child - Demo (3:18) 29. Kerry (0:01)

Total Time: All this on two CDs packed with nearly 150 minutes of music.

Line-up / Musicians
- Gary Green / all guitars

- Kerry Minnear / keyboards, vocals

- Derek Shulman / vocals

- Ray Shulman / bass, acoustic guitars, backing vocals

- John Weathers / drums, backing vocals

An excellent collection of rare Gentle Giant material spanning over their career, with stuff like unreleased songs and live tracks, demo's and out-takes and other stuff that should be of interest to any Gentle Giant fan. It's interesting to hear how they "constructed" the songs here (hence the title "Under Construction") and in total, you get nearly 150 minutes of GG rarities that is definetely worth the price you pay for it if you are interested to hear how this band constructed their songs and other rare material from them. Many songs here, notably the unreleased songs from their debut LP days, have excellent sound quality as well, though not always. Defenetely a must for fans! (review by BJ1 from progarchives.com)

Link.:

http://rapidshare.com/files/255138884/GG1998UC_byJack.rar

PETER GABRIEL en Lima - 20 de marzo

2009-03-27T17:16:00.000-07:00

HOLA AMIGOS DE ZAFRETH, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Tengo ahora el enorme agrado de reseñar para todos ustedes el extraordinario concierto que PETER GABRIEL ofreció, acompañado de su banda de apoyo, la noche del 20 de marzo en Lima, más precisamente, en la Explanada del Estadio Monumental (distrito de Ate). Este evento resultó una tremenda ocasión de música espectacular, excelentes despliegues visuales, vigor y emotividad conjugados en un ambiente de comunión entre artista y público. El aura de GABRIEL es de por sí algo innegable, y él sabe valerse de su carisma y sensibilidad tan propia para crear puentes de conexión con su público, siendo así que además su propio repertorio histórico tiene grandes niveles de eclecticismo e ingenio como para cautivar a cualquier público que tenga ante sí: esa noche del 20 de marzo el público peruano pudo constatar empíricamente que la reputación de GABRIEL como creador e intérprete estaba justificada con creces. En esto de tender puentes con el respetable también ayudó su manejo de textos en nuestro idioma para exponer los significados de varias canciones, textos que él pudo leer con aceptable soltura.

Encargado no solo de cantar su material, sino también de los teclados en varios pasajes del concierto, el héroe de la noche estuvo acompañado de un sexteto de apoyo compuesto por Tony Levin (bajo, stick, contrabajo eléctrico y coros), David Rhodes (guitarra eléctrica, efectos, percusión y coros), Richard Evans (guitarras eléctrica y acústica, mandolina, percusión y gaita eléctrica), Melanie Gabriel (coros, percusión y samplers), Angie Pollock (teclados y coros) y Ged Lynch (batería y percusión). Rhodes y Levin son colaboradores de larga data – Levin llega tan lejos en el tiempo como el mismísimo disco debut del Maestro, y dando muestras de que es un público conocedor, el respetable limeño le proveyó de los más intensos y largos aplausos a la hora de presentar a la banda. También es verdad que GABRIEL no puede con su orgullo de padre y artista ante su hija Melanie (quien incluso se hizo cargo del canto principal en la balada acústica ‘Mother of Violence’, gema olvidada del “2”), presentándola en más de una ocasión. Pero más allá de la ágil solvencia de Levin y la fineza de Rhodes, también cabe destacar la firmeza con que Pollock cumplía con su relevante labor en las teclas y la robustez pletórica que Lynch generaba desde su asiento tras los tambores de su batería. Cada componente del ensamble instrumental estaba en su sitio adecuado, sin por ello dejar de hacerse notar a fin de que el colorido del repertorio saliera a relucir tanto en los pasajes más texturiales como en los más enérgicos.

Y bueno, el ambiente estuvo servido desde el inicio, anunciado con una pista de “Passion” (esa estupenda banda sonora que GABRIEL ideó para la película de Martin Scorsese “La Última Tentación de Cristo”), para luego engarzarse con la secuencia sintetizada de ‘Rhythm of the Heat’. Es un rescate de gran altura retomar esta pieza para iniciar un concierto, pues su pulsación neurótica y su intensidad telúrica dan la sensación de que hay algo misterioso que está dejando de ocultarse para mostrarse en toda su magia. La fuerza del clímax de esta canción fue debidamente seguida por ‘On the Air’, pura exhibición de polenta donde lo exquisito y lo potente se conjugan en una sola fuente sonora: primeros lucimientos de Levin haciendo un breve solo de bajo con un sonido distorsionado. ‘Intruder’ aumenta la sensación de inquietud y neurosis instalada por las dos primeras piezas: no es tan frenética pero sin duda es capaz de motivar auténtica excitación melómana con esos ambientes tan oscuros plasmados sobre el esquema rítmico tribal instalado por el baterista. No me esperaba que la última línea “I am intruder” fuera gritada de esa manera, pero ciertamente GABRIEL logró con ese sencillo gesto redondear la idea. La excitación sigue pero esta vez en una clave más amable y pegadiza: ‘Steam’ nos trae parte de lo mejor de GABRIEL en su faceta popera, siendo como es amante del funky y del R’n’B, y gustando como gusta de revestir a su faceta más ligera con ornamentos preciosistas. Es fácil para muchos críticos especializados describir a este tema como ‘Sledgehammer no. 2’, pero en lo personal me parece una canción mejor armada, pues la labor de las guitarras y los arreglos de metales tienen una mayor dosis de expresividad. Siguiendo con el álbum “Us”, GABRIEL ofreció a continuación una de las canciones más sentimentales del mismo – ‘Blood of Eden’, canción auténticamente arquetípica del GABRIEL intimista post-“4”, la cual fue ejecutada con nervio y buen gusto. Menciones especiales van para los llamativos despliegues visuales relativos a estas dos canciones.

El filo rockero regresa con dos canciones del “3”: ‘Games Without Frontiers’ y ‘No Self Control’, ambos beneficiándose de la sonoridad llena aportada por el ensamble instrumental. En su momento, estos temas encarnaron (junto con ‘Intruder’ y ‘Biko’) el surgimiento de la marca musical PETER GABRIEL, y ahora cuentan con armazones particularmente coloridos que les permiten envejecer bien en el nuevo milenio, 28 años después de sus primeros registros. Tal como señalé anteriormente, Melanie Gabriel asumió el rol de cantante solista para ‘Mother of Violence’, canción que supuso un momento de respiro en medio del implacable despliegue de energía que estaba teniendo lugar. Y vaya si no era necesario este momento de respiro, pues cuando el Maestro volvió al escenario, fue el turno de ‘Darkness’. Esta canción volvió a explotar las potencialidades más neuróticas del evento, y justamente su esquema, donde se contrastan abiertamente los pasajes extrovertidos e introvertidos, le permitía transmitir el desasosiego e inquietud inherentes al terror a la oscuridad. El juego de luces arreglado para esta canción estaba milimétricamente ajustado al ambiente de esta canción. ‘The Tower That Ate People’ enfatizó el nivel de energía que el evento había alcanzado en ese momento, claro que esta gema de “Ovo” tiene menos de la grisácea densidad de ‘Darkness’ y tiene raíces más fuertes en el pop-rock étnico que GABRIEL casi ha patentado desde mediados de los 80s. ‘San Jacinto’… bueno, ¡¡‘San Jacinto’ fue el cénit de la noche!! La integración tan fluida entre canción, imagen y atmósfera fue brutal, creando un ensueño viviente sobre el escenario que me hipnotizó hasta el punto de casi hacerme creer que estaba soñando lo que estaba viendo. El ensamble elaboró magistralmente el contenido crescendo que conforma el cuerpo central de la pieza, con un GABRIEL que logró una de sus mejores actuaciones de la velada. La coda redondeó la idea con una magia inapelable: el público reaccionó bien al juego de luces dirigido por el Maestro.

‘Down to Earth’ y ‘Solsbury Hill’, cada uno a su manera, trajo un poco de calidez al asunto: ‘Down to Earth’, canción muy popular por lo de la película “Wall-E”, aportó ese candor pop-fusionesco en compás de 6/4 que lo hace contagioso sin mayores aspavientos; ‘Solsbury Hill’ es ya todo un himno a la vida rural y a empezar de nuevo, una canción que nunca envejece. ‘Secret World’ y ‘Sledgehammer’ se pusieron sobre los hombros el entusiasmo que ‘Solsbury Hill’ había encendido en el público. ‘Secret World’ es una canción típica del GABRIEL que se consagró en la escena pop de la segunda mitad de los 80s y primera de los 90s: esta canción portadora de un romanticismo optimista cala hondo como manifestación especial del sonido GABRIEL. Justamente la marchosa y señera ‘Sledgehammer’ fue la pieza que inició el ascenso por la escalera de la fama, y fue recibido por el público como todo hit lo merece: el tarareo de las armonías iniciales de metales al compás de Levin y Lynch auguraba un nuevo momento de fiesta en el respetable. Pero aún quedaban más momentos de intensidad emocional en reserva: ‘Signal to Noise’ encarna un pico de conmoción espiritual dentro de “Up”, e hizo lo propio en su aparición dentro del repertorio de la noche. A través del sencillo esquema armónico que completa el esquema compositivo de ‘Signal to Noise’, el mayor punche de la pieza está en las densas atmósferas que se van desarrollando en el camino, entre celebratorias y nostálgicas. El espíritu del difunto genial cantante paquistaní Nusrat Fateh Ali Khan fue reavivado a través del recurso del sampleo, mezclado con el canto afanoso de Melanie (aunque ciertamente no fue su mejor momento en la noche, pues ella se vio fácilmente sobrepasada por el canto inmortal de Nusrat). La fuga paulatina de cada miembro del ensamble a medida que se aproximaba la conclusión del tema era un anuncio de que el fin ya se estaba sintiendo en el aire, tras 2 horas de concierto – el primer verdadero conato de despedida llega con ese hermoso himno romántico que es ‘In Your Eyes’, todo un canto de redención y rendición al amor. Esta canción tiene suficiente “personalidad propia” como para hechizar de entrada con esa cadencia rítmica tan típicamente afro-latina y esos acordes básicos de piano. El breve solo de teclado a cargo de Pollock estuvo espectacular, aportando salero a la extensión improvisada. Siguiendo con los climas cálidos de “So”, ‘Red Rain’, otro clásico infaltable de GABRIEL, siguió aportando en esta atmósfera de despedida un motivo para seguir gozando con esos ritmos contagiosos y esas texturas envolventes tan bien dadas a transmitir melancolía en un clima de buena onda. Tras la despedida de rigor (chiste incluido con el septeto haciendo la reverencia de espaldas al público), GABRIEL retornó con Levin (al contrabajo) para tocar la intimista ‘Father, Son’, posiblemente el momento más inmediatamente vulnerable de la noche. Una vez terminada esta mirada hacia el ámbito interior del amor familiar, el grupo completo regresó al escenario para que GABRIEL abordara una mirada final hacia el entorno mundial. ‘Biko’, canción emblemática del mejor rock comprometido, cerró la noche con un esplendor bien llevado: los colores de la gaita eléctrica y el esquema percusivo armaron la excelsa arquitectura global de la pieza, mientras parte del público fervientemente acompañaba al Maestro en su canto. Teniendo en cuenta que el Perú es un país particularmente sensible a la cuestión de los derechos humanos, la inestabilidad institucional, el terrorismo y el abuso de poder, ‘Biko’ es una canción que se presta mucho a ser significativa más allá de su temática específicamente sudafricana.

El repertorio del concierto fue como sigue.-
1) Rhythm of the Heat

2) On the Air

3) Intruder

4) Steam

5) Blood of Eden

6) Games Without Frontiers

7) No Self Control

8) Mother of Violence

9) Darkness

10) The Tower That Ate People

11) San Jacinto

12) Down to Earth

13) Solsbury Hill

14) Secret World

15) Sledgehammer

16) Signal to Noise

17) In Your Eyes

18) Red Rain

19) Father, Son

20) Biko

Bueno, como nota anecdótica, señalo la actuación del grupo telonero THE BLACK SWAN EFFECT, presentado por el mismo GABRIEL antes de su propia actuación. No era un grupo muy llamativo ni tampoco muy original, patentemente enmarcado en la onda “Indie” y sin asumir demasiados riesgos dentro de sus bien definidos parámetros,… mejor lo dejamos ahí.

Siguiendo con PETER GABRIEL, cabe señalar que él hizo algunas variantes en el repertorio durante su periplo sudamericano: por ejemplo, ‘Father, Son’ no fue ejecutado en Caracas pero fue introducido en Lima; en Argentina, GABRIEL añadió ‘Big Time’; en Chile, GABRIEL disfrutó del apoyo musical de parte del ensamble Inti Illimani para interpretar ‘Wallflower’. Fue un gusto ver a PETER GABRIEL, uno de mis máximos héroes musicales, tan cercano a la sesentena y en tan buena forma, tanto creativa como performativamente. Este repertorio que incluye tantos temas de sus primeros cuatro álbumes (presencia decreciente para sus giras de “Us” y “Up”) tuvo algo de nostalgia, pero mucho más de revitalización. Fue uno de los mejores espectáculos musicales jamás dados en el ambiente limeño.

Me despido con los siguientes tubitos tomados de este evento que acabo de reseñar.-

Steam: http://www.youtube.com/watch?v=VoICWjhW-yA

Solsbury Hill: http://www.youtube.com/watch?v=S1cgijlf7xM

Sledgehammer: http://www.youtube.com/watch?v=bUXkIu5LLMM

In Your Eyes: http://www.youtube.com/watch?v=nTErXgE5rE4

Red Rain: http://www.youtube.com/watch?v=vIafpYi1IBM

Biko: http://www.youtube.com/watch?v=vwZ2dgeLiXY

Remodelación de Zafreth Muy pronto

2009-03-23T11:36:00.000-07:00

Amigos del blog, tengo el placer de anunciarles la proxima remodelación del blog.

Ahora cada entrada del blog aparecera el disco con una reseña escrita por mi en español y en ingles.

Voy a eliminar todos los albumes que no tengan reseñas, se que se pueden encontrar en otros magnificos blogs.

Esten pendientes y muchas gracias por su atención y lectura.

Friends of the Zafreth blog i have the pleasure to announce you the reborn of this blog.

From now on each post will be the album and a review of english and spanish.

I´m going to eliminate all the previous entrances that have no review, i´m sure that you can find in other stupendous blogs those discs.

Please be aware and thank you for your kindness

All the Best.

Zafreth Muñoz.

1870: Mito y resurrección del chamber-rock para nuestros tiempos

2008-12-24T08:45:00.000-08:00

HOLA AMIGOS DE ZAFRETH, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Antes que nada, vayan mis bendiciones para todos ustedes con miras hacia unas Felices Fiestas Navideñas 2008.

Ya que el año está de salida, permítanme hablarles del grupo mexicano 1870 8MIL OCHOCIENTOS SETENTA), una de las más recientes sorpresas agradables para la música de vanguardia. Con le disco debut “Mitos de una Resurrección” editado en los últimos meses de 2008 por Luna Negra, la música chamber-rock de 1870 tiene una clara ligazón con las obras primeras de ART ZOYD y UNIVERS ZERO, y también con el osado legado musical de sus compatriotas pioneros de NAZCA. 1870 le aporta una frescura especial a este legado mediante el énfasis de recursos propios de la musique concrete y ambientaciones inescrutables electrónicas que nos remiten a otros visionarios compatriotas como ALQUIMIA y OXOMAXOMA, así como al krautrock minimalista de los legendarios KLUSTER. Los miembros de la banda son Gustavo Albarrán (corno francés, voz, platillo, tambor), Alfonso Cosme (corno francés procesado, percusión, teclado), Karel Gómez (oboe, corno inglés, theremin) y Hugo Luque (efectos electrónicos y procesamiento de datos en tiempo real), siend oasí que el primero de ellos es el compositor de todas las piezas del álbum. “Mitos de uan Resurrección” es un concept-disc inspirad oen la poesía del Conde Lautreamont. – justamente el nombre de la banda proviene del año del prematuro fallecimiento del susodicho poeta francés, precursor de formas modernistas del género literario que habría de alumbrar diversas expresiones vanguardistas en las primera décadas del siglo XX.

El repertorio alterna atmósferas flotantes e inquietantes con fanfarrias elegantemente enarboladas, pasando por momentos de tensión electrónica abiertamente tenebrosa y otros más inclinados a reflejar una calma otoñal, engañosa en su inmenso misterio. Se puede escuchar parte de su material en su blog de Myspace http://www.myspace.com/1870rio - ¡¡a disfrutar!!

Honduras Libregrupo

2008-05-17T08:13:00.000-07:00

HOLA AMIGOS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

En este último mes de mayo me he sentido fascinado con un reciente (y tardío) descubrimiento sudamericano: se trata de la banda argentina HONDURAS LIBREGRUPO. Su reciente oferta discográfica “La Única Posición es la Oposición” está editada por el sello vanguardista argentino Azione Artigianale (http://www.azioneartigianale.com.ar/catalogo.htm#mnpsse). Ahora el grupo es un quinteto con la incorporación de un saxofonista, pero hasta hace poco era un cuarteto de guitarra, bajo, batería y teclado.

Antes de eso, en 2006, cuando el grupo llevaba poco más de un año de formado, HONDURAS LIBREGRUPO editó su trabajo debut “Volumen 1” en formato artesanal, distribuido gratuitamente entre los asistentes a los conciertos. Se trata de un repertorio enérgico, recuperador de las tradiciones del space-rock, RIO y psicodelia progresiva a lo krautrock. Las perturbadoras atmósferas cósmicas que predominan en el disco tienen un claro aire retro, aunque el vigor de los músicos se siente muy moderno (sobre todo en esos momentos en los cuales se acercan a los estándares del post-rock). ‘Botox’ y los dos últimos temas, ‘Segunda Mitad del Día’ y ‘Monocromático para Flora’, conforman los que en mi opinión son los picos absolutos de “Volumen 1”.

Poco después, a fines de 2006, el grupo hizo un cover de la canción ‘Sea Song’ de ROBERT WYATT con letras en nuestro idioma – el título de este cover es ‘Canción del Océano’. Aquí notamos una evolución de registro en el estilo de HONDURAS LIBREGRUPO, tendiendo a sonoridades más llenas y coloridas.

Tanto el CD debut como el single están disponibles para bajarse desde el enlace de la banda: http://www.honduraslibregrupo.com.ar/discografia.html

¡¡Altamente recomendable!!

La "Memoria Selectiva" de TÉMPANO

2008-04-04T20:12:00.000-07:00

"Memoria Selectiva" o "Selective Memory" es el título del nuevo disco del veterano grupo venezolano TÉMPANO, el cual consiste mayormente en composiciones viejas que se aglomeraron en las suites que la banda aportó a un par de discos conceptuales multi-grupales, “Odyssey” y “The 7 Samurai”. Este disco nos devuelve a estas composiciones en los formatos en los que fueron originalmente compuestos. También hay un tema que data de la época del “The Agony & the Ecstasy” y otro nuevo compuesto exclusivamente para este disco: son 11 temas en total.

La gracia del disco es que está a disposición del público internauta para su descarga - el link eshttp://www.tempano.com/site/esp/enlaces.php

También se pueden escuchar estos nuevos temas a través del blog http://www.myspace.com/tempano, donde se informa al detalle sobre este nuevo disco descargable.

A mí me parece un trabajo musical estupendo, muy en la línea de "Childhood's End", reflejando así el estilo multicolor y ecléctico que este veterano ensamble venezolano aporta al géneroprogresivo. También se notan afinidades con los proyectos solistas que brotaron momentáneamente de TÉMPANO (iX y ODRAREG); esto indica la gran compenetración que existe entre la ideología del grupo y las propuestas de sus individuos componentes. Aunque el grupo anuncia que el disco fue grabado con técnicas propias de los años 70s (y de hecho el departamento de teclados está lleno de artilugios añejos como sintetizadores Moog, órganos Hammond y Farfisa, mellotron, etc.), se nota una vibración moderna en la producción de sonido. TÉMPANO me parece, sin lugar a dudas, uno de los nombres más notables entre los que aun se mantienen vigentes y productivos dentro de la escena progresiva mundial.

Tal como dicen las últimas líneas de los créditos del disco, “Difundid la palabra, la estrofa, la nota, la melodía,… Las canciones son vuestras”.

2007-12-11T07:53:00.000-08:00

HOLA AMIGOS DE ZAFRETH, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Aquí va una opción de auto-regalo para estas Fiestas navideñas del año 2007. Se trata del grupo noruego ONSÉGEN ENSEMBLE, un power-trío cultor de un estilo progresivo potente y contundente, mezclando zheul (según un estilo intermedio entre Happy Family y Kultivator), Anekdoten pre-“Gravity” y space-rock, con algunos elementos de jazz-rock metidos por ahí en ocasiones.

Desde su página web, ubicada en la dirección http://www.uleaborg.com/onsegen/, se pueden descargar los temas de sus dos EPs, “Hiukkavaara Session” del año 2005, y “HottoïzzoH” del año 2007. Esto es todo lo que tienen en el mercado por ahora, un mini con dos temas y otros con tres. Por otro lado, también se los puede ver en Youtube en los siguientes enlaces: ‘Solei’ (http://www.youtube.com/watch?v=ZgI-WfGKGXQ); ‘Hottoïzzoh’ (versión más larga), (http://www.youtube.com/watch?v=Z7iIgFErOB4); ‘Kuuhanka’ (http://www.youtube.com/watch?v=8Je8F-AZxbs).

Aquí va mi apreciación personal del EP “Hiukkavaara Session”.-

‘Vaïno’ comienza con un muscular ejercicio de pulsaciones rockeras que se sitúan en un híbrido entre Anekdoten y Happy Family, aunque sin llegar a ser tan inquietante como estos últimos – hay incluso un manejo de tonalidades pop-rock, gracias a la presencia de la vocalista invitada Alisa Saila. El interludio entre las secciones cantada intermedia y última es un interesante jam pletórico de momentos de tensión aglutinada, pero justamente lo raro de esta canción es que la faceta más aguerrida del grupo es precisamente un complemento dentro del desarrollo de la composición y no la misma esencia de ésta. En fin, las cosas toman un cauce más acorde con el estándar de compleja energía en el segundo tema, ‘Kuuhanka’. Comenzando y terminando con un motivo de tenor rock-funky, donde las líneas de bajo operan creativamente al lado de los riffs y adornos de guitarra, tenemos un espléndido interludio consistente en un jam dinámico de corte típicamente zheul. El guitarreo guarda un aire de familia con Belew y Nicklas Berg (de Anekdoten), mientras que la dupla rítmica sostiene la cadencia básica a través de sus variantes de ambiente. Hay unos cánticos tenores que emulan una especie de evocación religiosa, exhibiendo una semejanza con Ruins en cuanto al tono sarcástico, que no la demencia dadaísta.

Y ahora, mi apreciación sobre “HottoïzzoH”.-

“HottoïzzoH” justamente comienza con la pieza homónima. Tal como se ve en Youtube (http://www.youtube.com/watch?v=Z7iIgFErOB4), este tema puede expandirse hasta un espacio de 9 minutos en las actuaciones en vivo, pero en esta versión de estudio solo llega a una duración de casi 5. Es verdad que esta restricción en la duración conlleva una restricción en las potencialidades de desarrollo de las atmósferas inherentes al motivo central, pero principalmente queda lo positivo – que se trata de una pieza muscular y cósmica a la vez, con unos ambientes sostenidos sólida y coherentemente sobre los hombros de los riffs guitarreros y la dinámica dupla rítmica, con una mención especial para los robustos sonidos que Juujärvi extrae a sus cuatro cuerdas. ‘OUSÍA MI MOSA’ se aparta un poco de la psicodelia stoner y ahonda en tonalidades folk-prog dentro del esquema zheul: esta pieza me suena a un híbrido entre Hoyry-Kone (en su faceta más agresiva) y Pochakaite Malko, debido al ingenioso manejo de cadencias exóticas europeo-orientales dentro de un clima de ritual machacante (que no opresivo). ‘VTG’ cierra este mini-CD con todo el lujo explotado al máximo. Se trata de la pieza con mayor elaboración compositiva, aunque Onségen Ensemble se comporta aún fiel al predominio de la cadencia y la potencia neurótica. En comparación con el primer tema, las partes más fuertes portan una mayor dosis de agilidad; además, hay un magnífico interludio semi-crimsoniano donde las capas de mellotron (o un sintetizador programado para sonar como tal) y las florituras del saxo proporcionan una magia a la vez torturada y cautivante. Es una verdadera pena que ninguna de estas piezas vaya más allá de los 4 minutos y pico de duración, pero esperemos que este sólido muestrario de progresivo vanguardista sea el anticipo de futuros trabajos ojalá más extensos. En todo caso, queda claro que Onségen Ensemble es un nombre a tener en cuenta de parte de los progheads con inclinaciones particulares hacia los rincones más oscuros del género. Un mensaje simple para todos ellos: ¡¡a descargar estos tres temas de la página web del grupo!!

Con este mensaje van también las portadas correspondientes a los dos EPs: lo demás es una simple cuestión de bajárselo de la página web arriba mencionada. Espero que la música sea del agrado de todos ustedes.

César Inca Mendoza Loyola.

SLEEPYTIME GORILLA MUSEUM "Of Natural History" (2004)

2007-10-31T15:05:00.000-07:00

HOLA AMIGOS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

En el Internet me he topado con este link http://www.mp3fiesta.com/of_natural_history_album84029/ , para bajar el segundo disco de SLEEPYTIME GORILLA MUSEUM "Of Natural History". Se trata de un disco conceptual (o casi) cuya temática versa sobre una crítica a la sociedad tecnologizada contemporánea. Es en este disco que SGM lleva a la madurez plena su propuesta de combinar el metal experimental, el chamber-rock, el death, la música concreta y el gótico, todo ello integrado bizarramente en una amalgama perturbadora y extrañamente cautivante.

Esto sí tiene sabor a Halloween, con altas dosis de dadaísmo y hospital psiquiátrico.

Seguimos en contacto.

Cup of Wonder

2007-10-01T16:36:00.000-07:00

Amigos recomiendo esta pagina de analisis de las letras de Jethro Tull y de los discos solistas de Ian Anderson es una pagina muy completa por lo que les insto a que entren y lean. Seguro cuando escuchen esas canciones de Jethro Tull que a todos nos agradan lo haremos de una forma muy distinta

saludos

Link: http://www.cupofwonder.com/index2.html

The Great Labyrinth Project - reseña del disco

2007-09-12T17:01:00.000-07:00

HOLA AMIGOS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Con la presente les hago saber sobre THE GREAT LABYRINTH PROJECT, el proyecto dirigido por el guitarrista peruano radicado en los EE.UU. Ricardo Rodríguez. Asumiendo adicionalmente los roles en el bajo, teclados y programación de ritmos, además de utilizar la guitarra midi, Rodríguez se ha dado abasto para sacar a la venta el CD debut de THE GREAT LABYRINTH PROJECT, el mismo que está a la venta a través de su blog de Myspace: www.myspace.com/thegreatlabyrinthproject Aunque se trata de un proyecto netamente instrumental, este disco ha salido con títulos en español e inglés, respectivamente: “Desde el Centro del Laberinto” y “From the Center of the Labyrinth”. Pueden encontrar cuatro temas del disco en este blog, pero también pueden encontrar otros dos en su blog de Musicazo (www.musicazo.com.gruposlist/gruposlist.php), buscando en la sección de rock progresivo. Lo que se advierte de entrada es que el estilo plasmado en este proyecto se basa en una muestra enérgica y colorida de rock sinfónico con eminentes tintes de rock duro y la psicodelia tipo space-rock; incluso hay algunos coqueteos con el jazz-rock moderno, que no por ser tan recurrentes dejan de hacerse notar. Los referentes principales en las composiciones son RUSH, el sinfonismo estandarizado de raigambre yessera, las atmósferas envolventes del PINK FLOYD de la era 73-75, las oleadas oníricas y exóticas de OZIC TENTACLES en sus faceta más pesada, y el efectismo estilizado de un SATRIANI.

El repertorio consiste en: Intro / Roller Coaster / Fotografía / A.L.G.D.G.A.D.U. / El Despertar del Dragón / Hermoso Amanecer / Aprendiz / Viajero del Tiempo / La Princesa de Eskurtu / Outro

Con ‘Intro’ tenemos una atractiva alternancia de cortinas cósmicas con pasajes fuertes, casi prog-metal, en siete octavos: esta alternancia funciona como manifestación de algo que está a punto de irrumpir. Y la irrupción se cumple, en efecto, con la siguiente pieza, ‘Roller Coaster’, desde sus riffs de entrada y las efervescentes variantes que se van dando en el desarrollo. Sin tratarse de una pieza tremendamente compleja, sí logra transmitir un aura de sofisticación a través de sus sucesivos ambientes, lo que permite redondear la faena de una composición cohesiva y con gancho. ‘Fotografía’ es más compleja en la resolución de las variantes que se van sucediendo, pasando de un pasaje introductorio etéreo a un primer motivo cálido y melancólico, para luego llegar a una sección donde se alternan cadencias de tendencia blueseada con otros más dinámicos; el arribo a un breve reprise del primer motivo marca una conclusión eficaz. Más adelante, ‘El Despertar del Dragón’ lleva un paso más allá la polenta rockera que tan crucial resulta para la visión musical de Rodríguez, con una base rítmica que se apunta más hacia la esfera del jazz-rock funky a fin de darle un aire especial a los riffs de guitarra. Entre la foto y el dragón se ubica ‘A.L.G.D.G.A.D.U.’, un tema donde los aires exóticos de inspiración medio-oriental se plasman con energía y espíritu ceremonioso, como si asistiéramos a un ritual de talante extrovertido y sobrio a la vez. ‘Hermoso Amanecer’ porta una sencillez lírica bien llevada, evitando lo empalagoso gracias al efectivo uso de sonoridades etéreas tanto en los solos de guitarra como en las orquestaciones de teclado. También lírico pero con una mayor extroversión en los ambientes y el ritmo, ‘Aprendiz’ (una de las primeras composiciones que salieron a la luz en la primera etapa de este proyecto) recoge la faceta más estilizada del repertorio precedente; incluso creo notar un ligero tenebrismo en la densidad atmosférica que hace aparición en alguna parte del medio. Los temas 8 y 9 son aquellos donde quizá se refleja de manera más exitosa la ideología de complejidad progresiva. ‘Viajero del Tiempo’ expone un buen híbrido de YES y RUSH, incluyendo pasajes con compases inusuales y dramáticos giros armónicos donde los contrastes se trabajan de manera fluida. ‘La Princesa de Eskurtu’ no resulta tan bien integrada como la pieza anterior, pero también despliega ingenio en su manejo de la ambiciosa lógica de los cambios de ritmo, motivo y ambiente: hay ciertos momentos específicos donde la belleza de un solo o una serie de acordes brilla de manera especial. El minuto y medio que ocupa ‘Outro’ es una retoma de la sección rockera de ‘Intro’, un buen cierre para un disco ingenioso y ameno.

Sinceramente creo que se trata de un muy interesante ítem de la escena progresiva contemporánea, y desde ya recomiendo la adquisición del mismo.

César Inca Mendoza

RUBÉN D'HERS "Todo está en Descanso" - reseña y link

2007-08-13T15:55:00.000-07:00

RUBÉN D’HERS “Todo Está en Descanso” (2004)

Temas
1. Porciones Bajas
2. Las Polillas
3. Nube Baja
4. La Vigilia y el Nácar
5. Desenso Sedoso
6. Primer Manual Para lo Inexpresivo
7. Almuerzo
8. Mi Brazo Roto
9. El Verdadero Dios
10. Tres Cosas Incesantes I
11. Tres Cosas Incesantes II
12. Todo Está en Descanso
13. Anna y las Palmas

El aventurero músico caraqueño RUBÉN D’HERS encarna una de las fuerzas creativas más osadas del momento en el rock experimental sudamericano. Aparte de su labor en el alucinado grupo kRé, también tiene mucho que decir como solista. Su primer trabajo solista es “Todo Está en Descanso”, una trama musical seriamente comprometida con el minimalismo, la ambientación electrónica, el post-rock y la musique concrete. Las intensivas manipulaciones de las cintas magnetofónicas operan más como un instrumento que como un mero recurso tecnológico. La serie de imágenes mentales motivadas por el repertorio de este disco alude a paisajes irreales y atmósferas etéreas plagadas de misterio, niebla y magia inescrutable. Todo eso en el lapso de una hora y medio minuto.

‘Porciones Bajas’ comienza con ambientes tétricos armados bajo una aureola distante donde capas irreales y aleatorias escalas disonantes se confunden en un efluvio concreto. ‘Las Polillas’ tiene, por el contrario, una tendencia a la candidez merced a las imágenes aludidas por los solitarios acordes de guitarra, los mismos que sirven para dirigir el desarrollo de las capas sonoras que se van sumando y escondiendo cuales olas en la playa. ‘Nube Baja’ tiene una tendencia más oscura, definitivamente enmarcada bajo (que no absorbida por) la huella del chamber-rock o RIO en su dimensión más recalcitrantemente reconstructiva. La serie de inquietantes retazos de violines múltiples establece una constante bizarra a contrapelo de las inconstantes apariciones de la guitarra, las mismas que emergen y desaparecen cuales traviesos espectros en una mansión abandonada y decadente. Luego surge una brisa opresiva como si se hubiese abierto al ventana a un mundo aun más aterrador: esto es más un paisaje musical que música en el sentido habitual del término. ‘La Vigilia y el Nácar’ es un homenaje a los paisajes oníricos del post-rock en su prototipo más lánguido: los efectos (“naturales” y artificiales) y acordes de guitarra exponen un retrato prodigioso de melancolía contemplativa en un ambiente otoñal, mientras que ‘Desenso Sedoso’ continúa explorando esta veta con incorporados alientos de minimalismo electrónico, para nada ajenos a la influencia de la vertiente más espacialmente onírica de la primera oleada del krautrock (p.e., CLUSTER, KLAUS SCHULZE). Definitivamente, gracias a esos etéreos rasgueos de guitarra acústica, ‘Desenso Sedoso’ es un número bastante cálido en medio de este contexto. Otro tema que más adelante apelará a ambientes similares es el octavo, ‘Mi Brazo Roto’, aunque a mitad de camino se enrumba por matices sonoros más inquietantes, como creando una exaltación de la mente encerrada en su propio cubículo espiritual. ‘Primer Manual de lo Inexpresivo’ es, esencialmente, un mini-catálogo de efectos: pura deconstrucción de las formas habituales, como si se tratara de un homenaje al movimiento multi-artístico Fluxus. ‘Almuerzo ‘sigue el mismo camino pero apunta al señalamiento de una cadencia rítmica concreta, armada con lo que parecen ser efectos de sonido que reciclan sonidos bucales tales como jadeos, absorciones, movimientos de la mandíbula,… Con sus ásperos rasgueos lentos de guitarra y sus atmósferas de desgarradora melancolía manifestadas por la orquestación de violines, ‘El Verdadero Dios’ nos remite más directamente al padrinazgo de SIGUR RÓS. La dupla de los temas ‘Tres Cosas Incesantes’ ofrece sendos collages de ideas que van fluctuando y sucediéndose bajo un arropamiento de capas mínimas sostenidas en el aire como un mismo cielo que contempla las cosas que pasan y pasan en el círculo perpetuo de la vida. La tendencia distante de la producción sonora da un aspecto de raro ensueño al asunto, incluso en las ideas más bizarras. Y de hecho que las hay en buenas dosis, como ese lamento surrealista de violín con el que concluye la segunda pieza de esta dupla. El tema homónimo es, en buena medida, una continuación de los aspectos más recurrentes del díptico precedente, aunque viene adornado por tarareos en falseto (muy semejantes al registro vocal de Jónsi Birgisson, de SIGUR RÓS). Estas alusiones al post-rock sirven para, una vez más, engarzar con la siguiente pieza, ‘Anna y las Palmas’, la misma que cierra el disco. En compás de tres cuartos, los retazos de guitarra, capas sonoras y tarareos en falsete están lejos de suponer un misterio en cuanto a las fuentes de inspiración

“Todo está en Descanso” es un disco muy especial, presto a ser degustado con una disposición particular y a ser disfrutado con nuevos esquemas mentales que el oyente deberá ir armando tentativamente a medida que va fluyendo el repertorio. Éste es un disco variado y coherente por igual, y a pesar del racimo de influencias, también un manifiesto de originalidad creativa. RUBÉN D’HERS es un verdadero visionario de la música contemporánea, y realmente creo que su legado presente resulta lo suficientemente valioso como para que se lo valore y difunda como merece. Este disco puede bajarse desde la misma página web del músico: visitar el enlace http://www.dhersmuzik.com/download.php

César Inca Mendoza

CANVAS SOLARIS: “Cortical Tectonics” (2007)

2007-07-27T07:50:00.000-07:00

Temas
1. Berserker Hypothesis

2. Sinusoid Mirage

3. Interface

4. Gamma Knife

5. Rhizome

6. Reticular Consciousness

El alucinado ensamble de metal instrumental experimental CANVAS SOLARIS vuelve a ofrecernos, desde el estado norteamericano de Georgia, un catálogo de música enérgica, potente y versátil. A solo un año de la edición de su “Penumbra Diffuse” (el primer disco que conocí de la banda), el trío de Nathan Sapp, Ben Simpkins y Hunter Grinn resuelve profundizar en su peculiar mezcla de prog-metal, math-rock, jazz-rock, thrash metal, crimsonismo y psicodelia etérea para establecer una línea de trabajo más minuciosa en el manejo de contrastes y el despliegue de virtuosismo técnico, no pocas veces gratuito, pero definitivamente, siempre gratificantemente retador para el melómano amante de los senderos más bizarros de la vanguardia prog-metalera.

El incendiario tema ‘Berserker Hypothesis’ se explaya en un derroche de compleja fiereza expandida a través de riffs entrecortados y tensiones rítmicas que ya rayan lo humanamente imposible, y aun así, resulta que la polenta rockera se expone con una vitalidad bastante fresca. Su lapso de poco menos de cuatro minutos está muy bien aprovechado en lo que se refiere a la capacidad de impresionar al oyente con pericia técnica. Es como una acentuación de las cualidades más efectistas del tema de apertura de su anterior obra “Penumbra Diffuse”. Tras esta apertura de fuego y delirio siguen dos temas más notoriamente reposados (que no exentos de fuerza). ‘Sinusoid Mirage’ comienza con una vibración etérea donde el compás de los platillos y los sonidos semejantes al piano eléctrico parecen flotar en el aire pro un espacio de 2 minutos, antes de que entre la sección principal, marcada por una esencia jazz-rock ornamentada con connotaciones metal. ‘Interface’ ahonda más en la faceta más relajada del ensamble con sus aires decididamente fusionescos en clave crimsoniana, algo muy emparentado con las sonoridades más recurrentes de los discos solistas de TREY GUNN. Este momento de contemplación (con su suave dosis de neurosis) es una prueba de la habilidad que tiene el grupo para crear ambientes evocativos con ideas sencillas, y de paso, resulta muy oportuno dado el tremendo efluvio de energía y pirotecnia que tiene lugar en ‘Gamma Knife’, una de las piezas más fehacientemente llamativas del disco. ‘Gamma Knife’ contiene un viaje musical de 8 minutos donde se retoma en buena medida el frenesí inapelable del primer tema aunque arropado con una mayor sofisticación merced al uso de trucos estilizados muy a lo prog-metal (influencia de FATES WARNING) y a la aparición de ciertos fraseos melódicos bien definidos en medio de los exigentes ejercicios de acordes y síncopas raras. ¿Hay lucimiento por el gusto de lucirse? Sin duda, pero me parece que este ejercicio de exhibicionismo contiene la suficiente agilidad en su ambiente interno como para no perderse en divagaciones innecesarias: cada riff, cada solo, cada cambio de ritmo, cada metralla de doble bombo está en su correcto lugar durante el desarrollo y expansión de los motivos.

‘Rhizome’ comienza con un justo medio entre las aventuras jazz-rockeras del tema 2 y las cadencias hipnóticas del tema 3 en sus pasajes más relajados; luego, cuando surgen abruptamente las secciones más fieras tenemos un nuevo despliegue de la más pura esencia CANVAS SOLARIS. Los últimos 17 minutos del disco están ocupados por ‘Reticular Consciousness’, monumental pieza de cierre. Ésta comienza con un motivo bien definido dentro del prog-metal de resabios math-rock: aquí más que en los anteriores temas potentes logra Hunter Ginn exhibir la ingeniosa mezcla de fuego metalero y swing jazzero que conforma su estilo percusivo. Poco antes de entrar al tercer minuto y medio nos metemos en un segmento medio “spacey” que suena a un intermedio entre OZRIC TENTACLES y DJAM KARET (en su faceta más ensoñadora). Mientras avanza esta sección el aspecto cósmico se hace predominante hasta que llega un motivo de contrapuntos crimsonianos que opera como puente para una sección más relajada, algo así como una versión remodernizada de los climas oníricos floydianos de la era pre-“Dark Side”. Poco después de entrado el noveno minuto irrumpe un riff que en cuestión de segundos nos regresa frontalmente al ambiente inicial de prog-metal con tendencias math, aunque esta vez la guitarra sintetizada casi roba el protagonismo a la guitarra solista en algunos fraseos; con el reprise del motivo cósmico anteriormente mencionado regresamos desde la euforia al misterio nuevamente directo hasta la conclusión. CANVAS SOLARIS demuestra con su “Cortical Tectonics” que tiene ganas de y recursos para seguir siendo una fuerza motriz relevante para el desarrollo de la actual escena prog-metal en su vertiente más aventurera: de lo mejorcito y más filudo que ha dado el metal últimamente.

César Inca Mendoza

2007-07-22T07:34:00.000-07:00

Temas
1. Fumarolas del Alma
2. Ciudad de Papel
3. El Llamado del Totoral
4. El Gran Acuerdo
5. Migraciones Eternas
6. La Voz de los Niños
7. Acción Por Los Cisnes
8. Tralcao (Lugar de Truenos)
9. Homínidos (Historia de Seres Nerviosos)
10. Los Trabajadores
11. E-N-E-U-J (Esto No Es un Juego)
12. Boletos Para Ir

Dejándose llevar por la corriente de creatividad e ingenio que se manifestó en su monumental disco precedente “La Isla de los Muertos”, el ensamble chileno LA DESOOORDEN vuelve a la carga con otro magnífico concept-disc – “Ciudad de Papel”. Aunque la temática sigue combativamente comprometida con la cuestión ambiental, esta vez el tema se concentra en la contaminación ambiental a nivel global por causa de los excesos de la galopante industrialización. El sonido grupal se siente más cargado, lo cual quiere decir que pone menos énfasis en las texturas de raigambre mística (completamente apropiada para el disco anterior) y más énfasis en la articulación fluida de diversos matices, adornos y complejidades dentro de su bien definida vertiente rock-fusión. Este disco destila una mayor dosis de aspereza propia del rock dentro de la compleja amalgama estructural creada por la banda; en las partes más serenas salen a relucir las influencias de CONGRESO y, en general, los estándares del rock-fusión en cuanto a densidad rítmica y sensibilidad melódica, mientras que en los momentos más filudos pueden notarse ciertos paralelos con KOIAK y la línea actual de MAR DE ROBLES. La labor del guitarrista Alfonso Banda es más destacada en comparación con “La Isla de los Muertos”, pues se da más abasto para meter solos y fraseos y hacerlos destacar en medio de las orquestaciones de saxos y los consistentemente contundentes aportes de la dupla rítmica (mención especial para el baterista-percusionista Rodrigo González, totalmente magistral en su potencia y versatilidad).

Con una cadencia tribal sincopada al punto de reflejar una especie de reflexión sosegada desde el corazón de la tierra, ‘Fumarolas del Alma’ conforma el inicio del disco: se trata de un tema en el que la energía global del ensamble va transitando fluidamente sobre las cadencias rítmicas, mientras que el violín (a cargo de un recurrente invitado de lujo, Benjamín Ruz) dialoga mágicamente con el saxo de Peter Pfeifer. El tema homónimo sube los decibeles un poco, especialmente en los momentos (como el inicial) donde los riffs guitarreros marcan la pauta, pero pronto nos encontramos con pasajes más contenidos en los que la instrumentación se matiza a fin de dejar que el canto dual de Altamirano y Contreras salga al frente y maneje la energía de las letras. Hay un interludio hermoso que supone el momento más relajado del tema antes del retorno del motivo inicial con un añadido cariz épico. A continuación siguen dos instrumentales, ‘El Llamado del Totoral’ y ‘El Gran Acuerdo’. El primero comienza con retazos sostenidos de didgeridoo contrapunteados por golpes de percusiones exóticas, creando al poco rato una danza ceremonial refrescante. El segundo es un ejercicio de jazz-rock, emparentado con lo que hacen AKINETÓN RETARD (otro gran ítem chileno) en sus momentos menos explosivos: con la presencia de invitados en violín y trompeta el sonido queda lleno de manera muy efectiva. ‘Migraciones Eternas’ me suena, en principio, a una combinación de los espíritus respectivos de las dos primeras canciones, logrando así manejar la continuidad estilística del disco. Pero además contiene una variantes y expansiones en su desarrollo que permiten al ensamble dar rienda suelta a sus ambiciones estilísticas – definitivamente, una de las gemas más sofisticadas de “Ciudad de Papel”. ‘La Voz de los Niños’ tiene una aureola más cinematográfica, destacando el pasaje de piano sobre el que fluye un coro infantil mientras la ocarina y ciertos artilugios percusivos ornamentan sutilmente el ambiente.

’Acción por los Cisnes’ continúa con esta tendencia cinematográfica en el comienzo, donde la voz de una activista y el ruido de consignas nos invitan a tomar conciencia sobre la alarmante urgencia del problema ambiental. Cuando el ensamble entra en acción, las cosas regresan a su caudal musical habitual de complejidad, aunque ciertamente con un aura más marcada hacia lo tenebroso y lo misterioso. ‘Tralcao (Lugar de Truenos)’ mantiene la explícita onda ecológica, transmitiendo esta vez una onda acústica donde se resalta lo percusivo: dicho sea de paso, el solo de saxo soprano es exquisito, realmente. ‘Homínidos’ es un instrumental donde la banda coquetea ligeramente con sonoridades propias del rock vanguardista. ‘Los Trabajadores’ reitera parcialmente la cadencia de la canción 2, con la variante de que aquí se hacen algunos guiños ocasionales al funk. ‘E-N-E-U-J’ pone, en su motivo principal, toda la carne rockera en el asador en un frenesí bien metido en el rock duro y la psicodelia, emanado desde la guitarra y desde la esforzada labor de la batería, generando así un acercamiento con LED ZEPPELIN y RED HOT CHILI PEPPERS. Los parajes donde aparece la trompeta invitada ayudan a crear oasis de variedad en medio de este torrente. El disco termina con los paisajes reflexivos de ‘Boletos Para Ir’, los mismos que son introducidos por delicados arpegios de guitarra sobre los que flotan etéreas líneas de saxo soprano. Los tambores étnicos y los ornamentos delicados de bajo ayudan a mantener un aura de evocación antes de que entren las partes cantadas. Los vuelos ocasionales del violín y los ornamentos adicionales de trompeta ayudan a completar el colorido espiritual de este envolvente mensaje de despedida.

“Ciudad de Papel” supone un nuevo exquisito logro artístico de parte de LA DESOOORDEN: recomendado como un aporte significativo dentro de la vanguardia rockera latinoamericana para este año 2007.

César Inca Mendoza

OUTER LIMITS: “Stromatolite” (2007)

2007-07-21T11:42:00.000-07:00

Temas
1. Cosmic Velocity

2. Consensus

3. Lullaby

4. algo_rhythm.c

5. Caprice

6. Spiral Motion
7. Dahlia
8. Pangea
9. Organ Small Works No. 4
10. Constellation

El estromatolito es una arcaica roca laminada con origen microbiano: los fundamentos de su origen forman parte esencial de los cimientos de la vida terrestre. El estromatolito también es aludido en el título del nuevo disco del renacido ensamble japonés OUTER LIMITS – debo añadir que esta obra “Stromatolite” es una de las más excitantes del género progresivo para el presente año 2007. El disco nos muestra a una banda con un cambios relevante en su formación como es la ausencia del expresivo Tomoki Ueno en la voz principal y teclados adicionales, pero aun así firme a su compleja visión artística, la misma que se funda en la confluencia de sinfonismo con fuertes elementos dramáticos, texturas góticas, dinamismo de tendencia neo con alientos sombríos y esquemas de cámara. El bajista Tadashi Sugimoto se hace cargo de la voz principal y añade el stick y el cello a su aporte instrumental. OUTER LIMITS se ve decidido a retomar el sendero que dejaron atrás con su desintegración a inicios de los 90s al crear un puente estilístico con el que fuera hasta ahora su último disco, “The Scene of Pale Blue”. El manejo estilizado de ambientes perturbadores y la magia sombría descargada a través de las atmósferas casi cinematográficas dirigidas por los teclados y cuerdas hacen al oyente conocedor remontarse frontalmente hacia el disco antes mencionado. Debo decir, por mi parte, que “Stromatolite” llega más lejos en esta propuesta, ofreciendo una compacidad mejor lograda y una ilación de ideas incansablemente sugerentes. No sé cuánto de esto que estoy diciendo se debe al impacto psicológico de lo novedoso, pero estoy casi totalmente dispuesto a considerar a este disco como el mejor de OUTER LIMITS en toda su carrera.

‘Cosmic Velocity’ da inicio al disco con un fulgor infinito que parece que no va a cesar nunca. La dupla rítmica genera un motor de precisión para solventarse en su tarea de sostener las excursiones de sus compañeros de viaje: las espirales dibujadas por el violín, el solo de guitarra casi a lo RIO, los sintetizadores que despliegan una garra apabullante en sus líneas espectrales. Toda la instrumentación opera como una maquinaria excelsa de sonido, marcada por efluvios grandilocuentes de esplendor progresivo: la llegada del rotundo final le da al clímax un broche apropiado para la fastuosidad que ha sido desplegada de principio a fin, a través de todos los poros de este tema. ‘Consensus’, la primera pieza cantada del álbum, nos trae una muestra de progresivo misterioso atravesada por sonoridades casi industriales – gancho estilizado y ornamentos inquietantes, dos en uno. ‘Lullaby’ parece un ensueño agridulce emanado desde los jardines de un palacio rococó en horas del crepúsculo: el canto sereno de Sugimoto parece susurrarnos un secreto que había estado escondido por largo tiempo. La cadencia irresistiblemente contemplativa del motivo principal es explotada sabiamente por los excelentes colores dibujados por el violín y el cello, cuyo dueto parece ocupar toda la atmósfera de manera elegante y contundente a la vez. Ahora bien, si hablamos de contundencia en el sentido más literal de la palabra, el instrumental ‘algo_rhythm.c’ nos muestra a la banda elaborando un híbrido de ELP y UK en una electrizante amalgama progresiva, la misma que se erige como uno de los picos máximos del repertorio. ‘Caprice’ es un solo de violín al estilo barroco que por un espacio de un minuto y medio sustenta un preludio para ‘Spiral Motion’. Es por ello que los últimos fraseos del solo de violín enarbolan ciertas disonancias inesperadas, pues la entrada de ‘Spiral Motion’ tiene mucho de nebuloso y misterioso. Cabe destacar en esta pieza las emisiones cuasi-frippianas que surgen en el solo de guitarra (un recurso que aparece más de una vez en la labor de Takashi Aramaki). ‘Dahlia’ tiene un compás menos impetuoso pero sigue apostando por climas inquietantes: aquí la guitarra tiene más espacio para el lucimiento que en los temas anteriores, donde sus solos parecen relegados a los lugares que el violín tiene a bien dejarle. Aunque, a decir verdad, el solo que más me impresiona es el de sintetizador, cósmico al modo de una pesadilla, como si fuera una tormenta de lamentos que brota desde las entrañas del limbo. El canto de Sugimoto, siempre sobrio, aparece cuando la instrumentación baja los decibeles. La coda instrumental que sigue a la última porción cantada es realmente tenebrosa.

Como para ayudar un poco a aliviar la presión ambiental creada hasta el momento, ‘Pangea’ ofrece los motivos melódicos más épicos y menos oscuros del disco, manejados con un control asertivo. Suena a una mezcla de banda sonora de películas de héroes con PENDRAGON (en su mejor sazón). Pero… como la gente de OUTER LIMITS no puede con su genio, siempre tiene que poner algo perturbador como sea: esto sucede en los momentos en los que el violín se explaya en algunos solos sobre algunas pulsaciones de bajo, mas estos momentos son solo puentes entre tomas y retomas de los pasajes más épicos. En estos pasajes el grupo se muestra más afín a los acentos misteriosos a los cuales era tan afecto el ya extinto grupo polaco ABRAXAS. El tema 9 es un solo de órgano de fuelles cuyo espíritu y vibración se emparientan con los pasajes góticos tan recurrentes en los discos de DEVIL DOLL. Con sus casi 10 minutos de duración, ‘Constellation’ es el tema más extenso del disco. Es un tema épico atravesado por una sonoridad a lo PALLAS de los últimos años, inclinándose hacia ambientes cándidos. Se trata de una vuelta de tuerca en lo que se refiere a ambiente, pero la densidad creada por la instrumentación en bloque (densidad especialmente realzada por las suntuosas orquestaciones de teclado, abriendo brechas para la creación y exploración de continuas texturas) le permite tender un puente de continuidad a contrapelo con las variantes ofrecidas. Con este final explícitamente colorido concluye “Stromatolite”, el retorno a lo grande de OUTER LIMITIS. En verdad, este disco es un estromatolito lleno de espledorosa plenitud progresiva.

César Inca Mendoza

OMNI "Sólo Fue un Sueño" (2007)

2007-07-20T07:24:00.000-07:00

Temas
1. Sólo Fue un Sueño

2. Ya estamos Aquí

3. Noche en Malandar

4. Telescopio de Papel

5. El Tren de Rota

6. Un Columpio Sobre el Mar

7. Espíritu Libre

8. Salto al Abismo

El ensamble gaditano OMNI acaba de meter otro golazo artístico con ésta, su tercera obra – “Sólo Fue un Sueño” confirma a este sexteto como una banda campeona dentro del género progresivo sinfónico en la Península Ibérica. Encaminándose segura y firmemente por los campos del lirismo y la candidez melódica, el grupo transita por sus ideas melódicas con exquisita elegancia, ideas arregladas de manera ágil a través de las interacciones creadas por los músicos en una constante comunión que se siente plena todo el tiempo. De esta manera, el grupo se decanta por reforzar los elementos más saltantes de su ya casi legendaria segunda obra “El Vals de los Duendes”, igualando la prestancia de ésta a la vez que la supera en cuanto a coherencia estilística. Los teclados de Alberto Márquez obtienen una mayor presencia dentro del bloque sonoro armado por la banda, mientras que la sección rítmica (batería-bajo-guitarra rítmica) adquiere una mayor dosis de potencia. Por su parte, el vientista Pepe Torres sabe entrometerse juguetonamente en medio de los aportes de la primera guitarra y los teclados con total soltura, a veces creando una triangulación con éstos, otras veces escurriéndose para llenar espacios de manera precisa. En líneas generales, se nota que el grupo ha ganado en dinamismo y soltura. Es uno de esos discos que pueden muy bien cautivar al oyente desde una primera escucha por su colorido y elegancia, y también por su energía – ya con escuchas más detenidas uno puede apreciar detalles y esquematizar mentalmente su propia percepción de la manifestación sonora contenida en el repertorio.

El disco comienza con la pieza homónima, la cual es básicamente un preludio etéreo ocupado por ensoñadores acordes de piano y efectos parecidos a silbidos celestiales, todos ellos flotando a través de un viento cadencioso – es como estar inmerso en el proceso de despertar hacia un nuevo día, y ciertamente, la frescura y entusiasmo del nuevo día es lo que nos parece presentar ‘Ya Estamos Aquí’, un tema de 5 minutos de duración con un tenor explícitamente alegre, el cual se anuncia frontalmente el espíritu general de la mayor parte del disco. Aires de CAMEL y GENESIS, tan recurrentes en tanto influencias seminales del sonido OMNI, emergen para que la banda trabaje con ellos según su propia visión. Tras una primera sección reposada y serena, ‘Noche en Malendar’ ofrece una faceta más compleja de su dinamismo intrínseco en la segunda parte, implementando adicionalmente elementos inspirados en CAI e IMÁN (otro referentes esenciales de la banda) y operando con alternancias de compases en 11/8 y 5/4. Con la retoma de la parte inicial se recupera la serenidad ceremoniosa para el final. ‘Telescopio de Papel’ crea algo así como un punto intermedio entre las dos piezas anteriores – esta secuencia que va de los temas 2 al 4 se puede escuchar de corrido desde un estado de empatía, pues el uso inteligente de solos y adornos a la guitarra y a los teclados ayuda a realzar el poder evocativo de las melodías. Pero si queremos llegar a uno de los puntos máximos de evocación, no tendremos que ir más lejos: ‘El Tren de Rota’ nos muestra una inspirada reconstrucción de los cánones del rock andaluz tradicional, creando un paisaje sonoro donde lo sinfónico se enriquece tremendamente con cadencias de corte jazz-rock y matices arábigos envolventes. Si las partes más alegres nos llevan a emociones candorosas y amenas, las más lentas nos transportan a ambientes contemplativos armados con impecable elegancia: en relación con estos últimos, cabe hacer una mención especial a los medidos solos de saxo que Torres exhibe en paralelo a los fraseos (más sueltos, influidos en algo por OLDFIELD) de la guitarra solista de Starry. Hasta ahora, ‘El Tren de Rota’ y ‘Noche en Malandar’ constituyen sendos picos de un repertorio que, de por sí, no tiene desperdicio alguno.

Tras los 10 ½ minutos de ‘El Tren de Rota’ vienen los 9 de ‘Un Columpio Sobre el Mar’, el cual muestra a OMNI acercándose más notoriamente al prog-fusión, y como es natural, ésta es manejada desde el ámbito de lo aflamencado. La base rítmica explora fluidamente su potencialidad jazzera mientras que la guitarra y el teclado se explayan persistentemente en un dueto al desarrollar las líneas melódicas principales. Con la aparición de un interludio más relajado tenemos una nueva oportunidad para apreciar la sensibilidad de Torres para crear texturas propicias, eso antes de que la retoma del motivo inicial, con ornamentos adicionales, conduzca al tema a su clímax definitivo. ‘Espíritu Libre’ tiene una agilidad afín a las imágenes aludidas en su título: mantiene el fulgor que ha caracterizado a las secciones más extrovertidas del repertorio precedente, dando prioridad a los estándares del sinfonismo. ‘Salto al Abismo’ da cierre al disco con un aire de serenidad, tal vez un tanto misteriosa, como si estuviera anticipando el arribo de la oscuridad de la noche. El toque de majestuosidad provisto por el solo de Starry permite al disco terminar con broche de oro. Concluyo diciendo simplemente que “Sólo Fue un Sueño” es una gozada progresiva, ni más ni menos – OMNI se da abasto para seguir siendo un nombre firme dentro del movimiento progresivo español.

César Inca Mendoza

Flotante "En la Agitación"

2007-06-16T15:35:00.000-07:00

HOLA AMIGOS, LES SALUDA CÉSAR INCA.

FLOTANTE es un magnífico cuarteto instrumental chileno que encarna una de las propuestas progresivas más contundentemente aguerridas que he descubierto en estos últimos meses. Y ya se nos está haciendo costumbre que el movimiento progresivo chileno, en sus diversas vertientes, ofrezca fuego musical en copiosas llamaradas: ítems tan variados como AKINETÓN RETARD, TRYO, AUTÓMATA, EXSIMIO, JAIME ROSAS CUARTETO, MATRAZ, SARAX, MAR DE ROBLES, KOIAK, AUSTRALIS, etc., ofrecen torrentes musicales cuyos respectivos ingenios se potencian con energía y polenta abundantes.

¿Qué tal si nos concentramos ahora en el caso específico de FLOTANTE? Ellos ya tienen en su haber un disco homónimo debut y un segundo titulado “En la Agitación”, el mismo que fue publicado por Mylodon Records en el año pasado 2006. Éste es el disco al cual me refiero cuando hablo de mi impactante experiencia melómana con el arte sonoro de FLOTANTE. Se puede acceder a material audiovisual suyo en Youtube con dos vídeo-clips: ‘El Desayuno del Oso’ (http://www.youtube.com/watch?v=VyzDfI3nR-A) y ‘Taran Da’ (http://www.youtube.com/watch?v=ku_tKsYQ40Y).

En fin, ahora paso a comentar el disco “En la Agitación”, el mismo que recomiendo a los amantes de los sonidos progresivos donde confluyan lo filudo (math-rock, prog-metal) y lo experimental (la neurosis opresiva del KING CRIMSON contemporáneo, post-rock, ruidismo) sobre una cadencia rítmica sofisticada parcialmente inspirada en el jazz-rock moderno. El disco comienza con ‘El Desayuno del Oso’, un ejercicio sobrio y elegante de cadencias amables y ágiles, un tanto dadas a lo claroscuro pero de una manera muy sutil. Las partes más agresivas emergen como ornamentos especiales dentro del clima mayormente etéreo del motivo central. Con mayor amabilidad se establecen los ambientes de la primera porción del siguiente tema, ‘Pasos Elefantásticos’; ya con la porción conclusiva, más claramente inclinada hacia lo metalero, el grupo se entrega hacia una creación de robusta energía sólidamente sostenida sobre un tempo lento. Es en el tercer tema, llamado ‘Sonar’ (uno de los picos absolutos del disco), donde nos encontramos con el primer desgarro de frenesí neurótico a cargo del ensamble, pero dado que este grupo no es muy dado a la indulgencia en ambientes monolíticos, hallamos una matización de este frenesí a través del desarrollo de un compás de corte funky. La estructura de esta pieza me recuerda a una cruza entre ATTENTION DEFICIT y el PRIMUS pre-“Brown Album”. Lo solos de guitarra emitidos en el jam final elevan la temperatura ambiental de los vuelos instrumentales antes de aterrizar en un perturbador epílogo, elaborado con efectos aleatorios a lo musique concrete (trucos de consola, percusiones industriales, notas de quena). ‘El Beso del Gorila’ nos trae algo de solaz con su particular agilidad, inspirada a medias por el KC del “Three of a Perfect pair” y el TRYO de los momentos más alegres. Este beso primate es, principalmente, un preludio para el tremendo ‘Soy el Peque’, otra joya absoluta de este disco. Siendo tan explosiva como es, la manera en que las dos guitarras interactúan en medio del fuego da buena cuenta de la unidad compacta que opera a través de la asociación de los componentes individuales. Comenzando con el motivo principal, basado en un “crimsonismo jazzeado”, el intermedio nos remite a intensos juegos de monotonías guitarreras hiperbólicamente adornadas por travesuras de batería (al estilo de DON CABALLERO – mención especial para el baterista Felipe Morros): este intermedio permite oxigenar al motivo central, pues su retoma porta un solo de guitarra que arrastra consigo la intensidad del mencionado interludio.

‘La Patá del Zancudo’ guarda una cadencia muy a lo Zeppelín, con solos de guitarra que me suenan un tanto emparentados con Gary Moore y Jeff Beck. Es cuando termina que nos encontramos con un epílogo minimalista etéreo que crea un eficaz golpe de efecto. ‘Fat James’ nos muestra a la banda explorando sonoridades brumosas con bastante ahínco, jugando sesudamente con climas lánguidos a través del primer motivo. Con el arribo del segundo motivo el registro torna hacia un área totalmente diferente, mezclando las obsesivas síncopas del math-rock con la fuerza fulgurante del prog-metal; justamente este último factor se realza en el siguiente motivo aunque el compás no es demasiado acelerado. ‘Bichos’ comienza con recursos de ruidismo que operan como antesala para un jam psicodélico que abriga mayor energía que la que se hace patente. Este tema, al igual que cualquiera de los dos primeros, ejemplifica a la perfección la usual dinámica de interacción que constantemente generan los guitarristas Acevedo y Cortés. ‘Fat James’ y ‘Bichos’ son también otras piezas que destaco personalmente dentro de este impresionante repertorio de “En la Agitación”. El álbum concluye con ‘Tema con el Pez’, un efectivo ejercicio de post-rock en el cual el grupo explora su faceta más misteriosa, tejiendo una niebla musical onírica envuelta en matices casi “irreales”. Invitado especial: el trompetista Patricio Carrasco, quien despliega líneas cruciales para el desarrollo del ambiente general.

Con “En la Agitación” FLOTANTE hace lucir su talento para desarrollar un trabajo complejo y enérgico a través de su solvencia y versatilidad – se trata de un referente importante del progresivo sudamericano de nuestros días.

Defórmica "H"

2007-06-15T07:32:00.000-07:00

HOLA AMIGOS, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Uno de mis descubrimientos argentinos más excitantes de los últimos meses ha sido DEFÓRMICA, un quinteto instrumental cuya propuesta musical consiste en un rock experimental denso, ejecutado con mucho nervio, expandido en viajes sonoros que se benefician de arreglos consistentes. Su disco “H” - editado el año pasado 2006 por Viajero Inmóvil - es un catálogo de excelentes piezas cuya perturbadora magia surge de la ágil confluencia de las siguientes influencias principales: crimosnismo moderno, post-rock (en su faceta más aguerrida como por ejemplo KAYO DOT), math-rock (a lo DON CABALLERO), el ANEKDOTEN de “From Within”. La presencia de varias cadencias emparentadas con el jazz-rock e la sección rítmica ayuda crucialmente a capitalizar la polenta inherente a las ideas musicales. La dupla guitarrera establece constantes juegos de coordinación para complementarse - en vez de desafiarse - en sus riffs y armonías, pero claro está, también hay lugar para solos bien armados en los cuales el lucimiento individual cuenta con un espacio razonablemente medido. En fin, la labor del teclista (quien, entre otras cosas, rescata con ahínco los sonidos del piano eléctrico y del órgano Hammond) ayuda a llenar espacios, introducir motivos, complementar la densidad general creada por sus compañeros, aumentar el aura de inquietud surrealista con sus capas y adornos. DEFÓRMICA es un ensamble en el sentido más literal de la palabra: es el bloque el que más se luce en lo que se refiere a la eficacia para crear y desarrollar ideas musicales a la vez complejas y controladas.

Este gran descubrimiento me vino anticipado por los soundclips que hay en su página web (http://www.deformica.com.ar/) y en su blog de Myspace (www.myspace.com/deformica), pero la verdadera revelación se empezó a concretar cuando, a pocos minutos de llegar a mi casa y abrir mi paquete de VI, puse el disco y me tropecé con ‘Final’, el tema de apertura. Esa breve secuencia de arpegios duales de guitarras sostenida de manera tan mecánica y vibrante por la dupla rítmica y ornamentada con teclados sutilmente potentes era un apropiado aviso del vendaval de misterio y energía que se me venía encima. Luego venía ‘Nuevo V’, un pico del disco cuya vena aguerrida viene marcada por las guitarras en su sólido manejo de texturas: el baterista demuestra un gran pulso a la hora de manejar los cambios dramáticos de ambiente. Otro pico es el siguiente tema, ‘Mecafónica’, el cual se revela más tormentoso y complejo que el anterior, con pasajes diversos que transitan esquizofrénicamente entre lo neurótico, lo cortante y lo pulsacional. ‘Arañitas’ y ‘Acalambrase’ ofrecen una menor dosis de oscuridad pero siguen sosteniendo el nivel homogéneo de dinamismo en el repertorio del disco – estas dos piezas que acabo de nombrar conjugan muy bien el delirio arquetípico de KING CRIMSON y las atmósferas misteriosas del post-rock (como siempre, en su faceta más potente), mostrando a DEFÓRMICA en una actitud más compacta y menos deconstructiva. ‘Marionetas’ ostenta una ambientación juguetona que no contradice la naturaleza neurótica del motivo inicial; por el contrario, esta agilidad juguetona permita a los guitarreos explayarse coquetamente sobre los pasajes agresivos (muy a lo math-rock) y los más reposados, con los cuales concluye el tema. ‘Marionetas’ contiene lo que tal vez sea la performance más impresionante de la dupla rítmica. El espíritu de ‘Hidralia’ me recuerda al de ‘Nuevo V’, particularmente por su majestuoso manejo de la polenta psicodélica que emerge constantemente.

Hay interludios entre tema y tema (aunque más parecen ideas adicionales que cierran el tema precedente). Por ejemplo, hay un interludio que consiste en una serie de efectos surrealistas de golpes aleatorios de cuerdas de guitarra slide, mientras que otros interludios se basan en una bucólica sonata de guitarra clásica o un solo de batería muy a lo Canterbury. ‘Sofisma’, el tema de cierre, es un caso peculiar, pues consiste en un motivo lánguido principal que solo dura 2 ½ minutos, el cual es seguido por un lapso silencioso y por un jam surreal y sutilmente opresivo a lo SIGUR ROS – se supone que este jam es el epílogo, si es que debemos seguir aplicando la lógica de los interludios que tuvo lugar con todos los temas precedentes.

La h es una letra estandarizadamente muda, pero esto no vale para esta “H”, la cual tiene una expresividad muy explícita en tanto manifiesto de una manera de hacer música progresiva experimental en nuestros días. DEFÓRMICA es un nombre a ser anotado en un lugar preferente de las agendas de los melómanos progresivos. Para completar nuestra aproximación a esta banda, podemos también ver sus vídeos de Youtube en los siguientes links: http://www.youtube.com/watch?v=mkPaDDGgKyI, http://www.youtube.com/watch?v=Jam8TAc7TEI, http://www.youtube.com/watch?v=VfSuyGVwE8I – el público ya convencido hallará amplio deleite en estos documentos audiovisuales.

Supay "El Viaje"

2007-06-14T19:02:00.001-07:00

HOLA AMIGOS, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Otro excelente aporte para el rock progresivo dentro de la escena rockera peruana es el segundo disco de SUPAY “El Viaje”. Lanzado oficialmente al mercado discográfico local a fines de mayo, vino anticipado por un EP de edición limitada titulado igual, el cual contenía cinco de los diez temas contenidos en este CD de larga duración. La línea de trabajo de SUPAY se circunscribe claramente bajo los parámetros del progresivo sinfónico de tendencia psicodélica en comunión con la fusión folclórica de raíz sur-andina. El disco debut “Confusión” (una joya aun por ser descubierta debidamente por el mayor público progresivo) mostraba una amalgama del rock complejo y lo andino compactamente integrada; la tendencia prioritaria del viaje musical contenido en “El Viaje” es la de afilar las aristas específicas de cada una de estas dos fuentes a fin de darle a su comunión una directriz más centrada en los contrastes. Ojo, la armonización de ambos elementos nucleares sigue siendo bien logrado: lo que pasa es que es trabajada con un enfoque un poco distinto. El resultado es igualmente excelente porque, al fin y al cabo, SUPAY es un grupo con las ideas bien claras en sus expansiones instrumentales – el ensamble sabe a qué atenerse tanto en los momentos de improvisación como en los pasajes más marcadamente líricos. En comparación con el disco debut, aquí se nota una exaltación más pronunciada en la guitarra, la cual se enlaza íntimamente con las influencias de Blackmore y Jeff Beck, aparte de David Gilmour y Steve Hackett. Por su parte, los vientos andinos conjugan una inocultable mezcla de magia antigua y la picaresca de JETHRO TULL.

El disco comienza con un bello preludio telúrico titulado ‘Ancestro’ (semejante en cadencia a la apertura del legendario “Alturas de Machu Picchu” de LOS JAIVAS), engarzado casi instantáneamente con ‘Alma’, un tema de tendencia melancólica que pronto incorpora variantes un poco más extrovertidas, aunque sin romper con el clima básico. El guitarrista Luis Proaño saca provecho a su rol protagónico sin resultar absorbente. Hasta aquí, tenemos una continuación con la línea de “Confusión”. Es a partir de ‘Supay’ cuando el ensamble empieza a poner sus nuevas cartas sobre la mesa: los pesados riffs duplicados por la zampoña y la potencia versátil de la dupla rítmica emergen como una explosión de luz desde detrás de las montañas, mientras que los exquisitos ornamentos de teclado se filtran eficazmente bajo los sucesivos solos de guitarra y viento. Más adelante, con ‘Lejanía’ y ‘Resurrección’ tenemos sendos ejemplos de esta misma estrategia, incluso dando más espacio a los jams y potenciando con más tesón la polenta inherente al ensamble. Estos dos temas son los que tal vez contengan las intervenciones más notables del teclista Gustavo Valverde, dada la variedad de recursos sonoros que utiliza en las orquestaciones, armonías y fraseos en fluido diálogo con la guitarra solista y los vientos. Otros momentos específicos que destaco son los traviesos retazos de quena que flotan sobre los pesados guitarreos en el clímax sostenido de ‘Lejanía’ y los colores mayestáticos concentrados en el épico motivo de apertura de ‘Resurrección’.

SUPAY también sabe rendirse cándidamente al suave lirismo de lo andino como en ‘Karnavaloide’, un ligero ejercicio de carnaval andino en clave de world-music, y también en los interludios ‘Ñan Quiska’ (reprise de ‘Ancetro’ con zampoñas) y ‘Guerrero’, sendos solos del vientista Williams León. ‘Avanzando II’ es un interludio blues-rock ornamentado progresivamente hasta aterrizar en el motivo inicial de ‘Avanzando’, tema del disco “Confusión” – más que una secuela es un prólogo. El disco concluye con la pieza que le da título. ‘El Viaje’ tiene dos secciones bien diferenciadas: una inicial etérea con base bosanova, en la cual la quema traversa y la zampoña van flotando como en un ensueño, hasta que emerge la sección final, un torrente de rock duro psicodélico sabiamente adornado por sonidos cósmicos de sintetizador, al modo de algo tenebroso que nos aguarda al final del camino.

SUPAY logra proyectarse nuevamente como una referencia importante dentro del mundillo progresivo con “El Viaje”. Se trata de un disco muy consistente a pesar de la inconsistencia del cronograma que se siguió para grabarlo y producido de a pocos. De hecho, el bajista Renzo Danuser ya no está (siendo el veterano retornado Felipe Asmat un apropiado reemplazo), Gustavo Valverde desertó antes de la edición del EP precedente, y la dupla de vientos se tornó en mónada. Ojalá tenga este grupo la fortuna de servirse de la catapulta que supuso la re-edición de su “Confusión” a través de Mylodon. La verdad que su propuesta merece una mayor atención de parte del público melómano rockero, ya sea progresivo o no, a fin de cuentas.

Flor de Loto "Madre Tierra"

2007-06-14T08:03:00.000-07:00

HOLA AMIGOS, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Con la presente quisiera comentar algo sobre el segundo disco de FLOR DE LOTO, actual orgullo progresivo del Perú. Este disco se llama "Madre Tierra" y acaba de ser publicado por Mylodon Records a fines de este último mayo.

Después de haber llamado la atención con su eficaz manejo de expansiones instrumentales en su homónimo disco debut (2005, editado también por Mylodon), el cuarteto conformado por Alonso Herrera [guitarras], Alejandro Jarrín [bajo], Johnny Pérez [flauta, vientos andinos, flauta dulce, percusión] y Jorge Puccini [batería, percusión] logra encuadrar más consistentemente su estilo prog-folk en ideas musicales un poco más concisas la mayor parte de las veces. No han dejado de lado la expansión, como se puede notar en sus actuaciones en directo, donde apuestan por sacar el jugo a sus temas, pero en las versiones de estudio optan por delinear confines más explícitos para sus composiciones. Esta moderada restricción de sus vuelos instrumentales viene a contrapelo de los incrementos de energía y color con que han impregnado su "Madre Tierra". Los dos primeros temas del disco, 'Madre Tierra' y 'El Charango Perdido', los muestra paseándose con igual solvencia por los pasajes andinos y los hard-prog, manejando las variables y constantes con pasmosa fluidez. La cosa es desafiante y vibrante a la vez, con un gancho contagiante que no se contradice con la complejidad para nada. Los momentos más explosivos están concentrados en 'Antares' y 'Medusa'. El primero es un ejercicio de funk-rock y rock duro con alusiones arábigas: me parece que el desarrollo pudo ser más extenso, pero se agradece esa tremenda coda medio thrash que emerge como una tormenta juguetona. El segundo, que cierra el disco, es todo un compendio de los mayores referentes del grupo (JETHRO TULL, IRON MAIDEN, DREAM THEATER y RUSH) - un broche excelente.

Pero éstas no son las únicas piezas particularmente meritorias del disco. Hay temas como 'El Mensajero', 'Luz de Luna' y 'La Ley de la Vida' en los que FDL exhibe su capacidad de elaborar climas más reposados con perfecta fineza. Todos ellos en clave de 3/4, apelan ora a la música palaciega renacentista, ora a las cadencias de la zamba argentina, para inspirarse en s ucreación de atmósferas introspectivas. La sección final de 'La ley de la Vida', en mi opinión, también ameritaba una mayor expansión: es como si la entrada de la guitarra eléctrica en los rasgueos finales no contara con suficiente espacio para completar un mejor clímax (¿por qué a algunos productores les preocupa tanto el exceso?, ¿no sería su peculiar preocupación otro tipo de exceso, a fin de cuentas?... en fin... qué sé yo de estas cosas...).

'Danza Celta' y 'Andaluces' son aventuras en otros folklores a manera de travesuras de turista. Son piezas bien hechas (el candor juglar del primero, la bien armada coda en 5/4 del segundo) con resultado desigual: se nota que el grupo se adapta más naturalmente a lo céltico que a la fusión flamenca.

En suma, mi balance personal de este disco es muy positivo. Es muy posible que a fines de este año 2007 quede como una de las obras progresivas más sobresalientes de nuestro medio lationoamericano. La proyección internacional de FDL ya está encaminada con su participación en festivales de Brasil y México, y teniendo como testimonio reciente este "Madre Tierra", la cosa puede simplemente no parar en su escalonado auge... ¡quién sabe!

Bienvenido Cesar Inca!!!

2007-03-28T21:52:00.000-07:00

Doy la más cordial bienvenida a Cesar Inca Loyola Mendoza a este humilde Blog. que seguro aportará su vasto conocimiento progresivo para enriquecer el blog
Saludos Cesar!!!
Alberto

Doy la Bienvenida!!!!

2007-01-06T21:50:00.000-08:00

Amigos del Blog les comunico que uno de los integrantes del Blog Zafreth ha creado su Blog: http://rodolp.blogspot.com/ .
Les recomiendo que entren a este blog tambien, ya que como lo señala mi buen amigo Rodolp es un blog que promete ser de lo mejor!!!
Este es el mensaje introductorio.
¡Hola! Este blog es en principio un suplemento de Zafreth para tener más lugar para poner cosas, discutir y comentar libremente sin alterar el cuidadoso orden del otro blog.
Desde getyourfile.4t.com se puede acceder a los archivos que serán posteados y/o comentados por mí en Zafreth, evitando las tediosas descargas desde RapidShare y sitios por el estilo hasta que descubra la manera de zafar las incordiosas limitaciones que imponen.
Todos los comentarios son bienvenidos, incluso los insultos y críticas desmesuradas pero ¡aaaah, prepárense estos últimos! ya que serán duramente replicados.
Ahora a comenzar...
RodolP

St. Mikael - 1994 - Psychocosmic Songs

2006-12-17T11:28:00.000-08:00

Para un servidor el mejor disco de St. Mikael!!
Proxima reseña!!1
Link: http://rapidshare.com/files/4589263/StMikael1994PsychocosmicSongs.rar
01 Intro The Veil
02 1000 Dreams Of Love
03 The Psychcosmic Tree
04 Mesozoikum
05 Visions Of The Dinosaurs
06 The Eternal Spirit
07 Like A Dream
08 The Sailor
09 Fire Soul
10 Like A Dream (Reprise)
11 Finale

St. Mikael su Historia...

2006-12-17T09:32:00.000-08:00

Perdon pero la informacion esta en ingles, espero traducirlo pronto!!!
Ahi esta!!!
S.T. Mikael

Discography:
Visions of a Trespasser (XMMS-1 1989)
Visions of a Trespasser box (XMMS-1 1989)
The Unknown (XMMS-2 1991)
Claustromania (MS-3-XMLP-1 1991)
Visions of a Trespasser 2nd Edition (XMMS-1 1993)
Psychocosmic Songs (XMLP-4 MS-4 1994)
Soul Flower (SUB XMLP-11 1996)

Reviews:
S.T. MIKAEL: Visions of a Trespasser
Recorded in his bedroom and it´s so beautiful! Best psych album since the early 70´s! - Stefan Dimle, Mellotronen, Sweden

This basement acid tripper exists briefly in the real world of vinyl! Folk rocky melodic elements flow with waves of heavy fuzzphase leads. A weird detached haunted vocal echoes over the band and the whole thing seems to teeter on the brink of psychedelic oblivion’s. Not revival either. One of the big unearthings in resent memory. Joyride thru an altered state! – Monster time! - Paul Mayor, X-tabay/Parallel World, USA.
This is so mind twisting, soul swirling, upper psychedelia that your third eye takes you on a cosmic journey through the dark ages of Serpents, glimpses of Gyrax, the land of Fauns, the mystic Orient, dark forests, angels of doom and the dreams of Eternity...this is some of the places and events the Saint brings you to on his masterpiece. I give you a 100 % money back guarantee if you don`t love this album! - Jorn Andersen, Rock Garden, Norway.
Incredible mind blowing psyche! The best album of the last years...only 150 copies made and destined to the highest ranks of collectordom! -Walter Geertzen, Belgium.
ST Mikael...distorts instruments other people don’t even dream of using and displays a cunning understanding of vocal phrasing and harmony as well as playing the hell out of his guitar in a really nice, understated way... -Ptolemaia Terrascope, England

S.T. MIKAEL: The Unknown (XMMS-2 1991)
Real disturbed garagy psych with his tormented vocals, guitars and a total homemade obscure vibe to it...tremendous acid bird cover painting. -Gregg Breth, USA.
Fantastic Swedish Psych...one of the best of the last year! - A Trip With Mushrooms, Netherlands

S.T. MIKAEL: Claustromania (MS-3-XMLP-1 1991)
The latest from underground-scene heavy psych one-man crew of angels & psychedelic flashes. This LP makes your brain start thinking in those pebble splash pond mind circular expanding waveforms that people on this vibe await the returning ship their roots sent out to bring back the password to tomorrow. - Paul Major, Parallel World, USA.
Soulful music clothed in flashing psychedelia! His best, the highest ranks! – Länstidningen, Sweden.
Features a bunch of atmospheric psychedelic pieces, with phased vocals, melodic mellotron pieces and guitars on a slow burning fuse! Plenty of wig lifting material here...” -Freakbeat, UK

S.T. MIKAEL: Psychocosmic Songs (XMLP-4 MS-4 1994)
”A new album by the Swedish multi-instrumentalist ST Mikael...with a hand painted cover and a colorful booklet filled with drawings, comics and a picture story about Evolution on Earth. It’s impossible to compare him and his music with any other group or artist. On this record he plays guitars, sitars, turkish saz, drums, congas, tablas, organ, moog and does all the vocals. Some of the best tracks here is in that new, truly original style he has made his own. He will probably be one of the future-legends of the Psychedelic Music...” -Old Man Willow, Norway.
”His 4th LP makes new references between the electric and acoustic instruments, which contributes to the new consciousness condensing the moments of insight!” - Rockerilla, Italy

S.T. MIKAEL: Soul Flower (SUB XMLP-11 1996)
"This double LP is the best album he ever released, but it’s his most unconventional as well. The four sides of "Soul Flower" all bear a different character: Side A is more or less the S.T: Mikael we know from previous LPs: the melancholic psychedelic singer/songwriter who records all his twisted songs on his home equipment with a skill and a passion seldom demonstrated elsewhere. Highlights here are the pounding "Godly" and the moody "Beyond the Haze". Side B is the strangest but also one of the best. ST Mikael experimented with Turkish ethnical instruments and musical style elements, resulting in the magnificent title track, the intriguing "The Titans" and the exotic, fuzzy "The Turkish Flower". Side C brings songs from one session and it shows ST Mikael in a very emotional, spiritual mood; he sings and plays his songs with the intensity of a young Tim Buckley. Highlights here are the long, semi-instrumental "Moving...Together" and the elegant "She Came With The Spring". Side D only features two tracks; the dreamy, soft "The Night Stars" and "Summer In My Life", a long jam (filling almost the entire side) recorded in the In Deep-studio with backing by Adam Axelzon and other friends."/" All of this resulted in an utterly stoned, mind lifting instrumentation with layers of exotic percussion, sitars going overdrive, spacy keyboards and burning guitar lines, an absolute best on an album full of high-quality psychedelics. ST Mikael proved once again to be a gifted songwriter and an unconventional performer with a very personal ear for acoustics and an emotional honesty seldom seen these days." – Crohinga Well/Belgium

VISIONS OF THE UNKNOWN
Here at last is a chance for the world to join in, and pick up some bonus tracks along the way. His recording has a homemade charm with wah-wah fuzz guitars, keyboards, sitars and primitive psychedelic effects. You do get the feeling that Mikael actually lives the lifestyle rather than just emulating it. His soaring vocals, surreal lyrics, fragile, folky melodies and penchant for the spiritual and mystical make this altogether a fascinating voyage. – Record Collector magazine (UK)

THE STORY OF S.T. MIKAEL
Mikael Sundtsröm (aka S.T. Mikael) was born in Södertälje, Sweden March the 27th, 1963. His father was a jazz swinging plumber and his mother was an innocent forest girl. He was a lonely, introspective boy who developed a bizarre imagination and an obsession for everything odd, mysterious and supernatural in life. His head was filled with images from Sci/Fi-Fantasy and Horror movies and books, but he also built his own dream worlds with creatures, characters, phantoms and prehistoric images in his drawings, comics and short stories. At 15 he picked up his mothers old guitar and started improvising and recording music. At the age of 19 - in 1982, he tried to find members for a group, but it took him until 1985 when he joined a garage-combo called ”Dickie Dickhead and the Outcast” as a lead guitarist. Although it brought many laughs and good fun into his heart and the fact that they developed from ”the worst and unintentionally most absurd band in town” to a serious and expressive experimental rock band, he left after two struggling years to form his own group. The trio ”The Twilight Souls” , was where he could sing and play his own compositions. He tried to fuse heavy rock and soul music with psychedelic influences which can be heard on the title track of his ”Unknown”-album. During this time he searched for the psychedelic experience and took his first dose of LSD. Because of exhaustion and inability to secure any gigs the band broke up in 1988. After this he gave up the rock´n roll band dream, understanding that there wasn’t anyone in town that had the same psychedelic ambitions as he had. With no expectations for the future he continued working with his ideas and primitive home recordings.

In 1989 he moved to Stockholm where he met Stefan Kéry, a psychedelic connoisseur, and gave him a cassette with some of his many recordings. To Mikaels great surprise he found that the tape was received with great enthusiasm and an album was soon made out of that very tape. The album was titled ”Visions Of A Trespasser” and was released early 1990 in an edition of 150 copies only. The album cover featured a colorful, organic vortex with images of beings of the galaxy in it painted by Mikael. Each and every record had differently hand painted labels. The album was mainly distributed among friends. It showed his very personal style of music covering all kinds of musical directions, all laced with the psychedelic sound. Among these ”not-meant-to-be-heard-by-others”-recordings you will find unbelievable sound’s from tea-balls, spoons and boilers. Except for the 3 studio tracks which was recorded together with a friend, he played everything himself - singing through his guitar-amp and using a pitched guitar for a bass.

In March 1991 he released his follow-up, ”The Unknown” , an odd home cassette- collection with new old haunting songs. The album was distributed the same way as the first one.

After forming Xotic Mind Productions Stefan Kéry let him go into a 8-channal studio and Mikael built up a whole new album all by himself (the only way he knew to work) step-by-step, beginning with the drums and nothing else but except a good memory! The result: ”Claustromania” (meaning: manic obsession for locking oneself in, which derives from the introspective state of mind he always go into while creating!) . The music is filled with pulsating, organic expressions, always emotionally gripping with his soulful voice. The album has a circular concept: The songs about other worlds, man against infinity and the human mind, soul and spirit are linked together with small musical inventions building a story that never ends, ending the way it started, starting the way it ended. The composition also reflects his past life of loneliness and emptiness that now has been replaced by a new existence of love, happiness and possibilities. Mikael says “Claustromania” also is an homage to LSD which helped him make the transformation possible.

His creative years had only begun. In 1994 Mikael wrote a book with novellas in the horror-fantasy tradition crammed with drawings done during the last 15 years and drawn, copied and shaped 4 volumes of comic-fanzines - all still available in Swedish only! He acted in a 16mm film and in his own 3 fantasy video films as well as taking acting- and dancing- lessons! During the years he has been invited to participate on other Xotic Mind projects, like playing sitar on Adam Axelzons well-received ”Eura”album and with sitar and Tablas on the ”Gnostic Mass”-LP by The Entheogens, an improvisation-group he joined together with Adam Axelzon, Måns ”Word of Life”Månson and Stefan Kéry, among others.

In January 1994, people Xotic Mind released S.T. Mikaels new album ”Psychocosmic Songs” which was even better received than any of his previous LPs. The LP was recorded in a modern, high-tech studio. This time the tracks was a mixture of acoustic and electric singer-songs painted with sitar and tabla jams, heavy fuzz guitar sessions and airy, pulsating sounds done in the same step- by-step method like Claustromania! Although it is serious and soulful in tone, ST Mikael himself says he misses the playfulness and vitality which is more prominent in his home recordings.

In the spring of 1994 ST Mikael was living in a rented house with a beautiful garden of fruits, berries and flowers. For the first time he found an immediate presence of self confidence and also a more emotional and limitless way to express himself. In changing direction from somewhat stylish compositions to more improvised-on-the-spot creations he found that the happiness of a live-performance could be caught on a Pot-induced multi tracked solo recording.

During 1994 he made a huge collection of organic home recordings, far away from any inexperienced studio-technician, planning to release some of the material as a new album. With the addition of the extended studio track ”Summer In My Life” , which was recorded by an experienced crew and with additional musicians like Adam Axelzon. Xotic Mind released it in 1996 as a double-album - titled Soul Flower. As always - with a homemade painting on the cover. It can be seen as a rock opera without a plot, an invitation to a small living room full of impressions of many far away places.

During the years that passed since that album, St Mikael seemed to become more secretive and reclusive, but still making home-made music. Some of this music, still stretching out in many different musical directions,has been done freely and spontaneously in an extremely relaxed and happy environment, and has been compiled into the home-made double CD "Mind Evolution", which is not really an official album.In the last few years, Mikael has renewed his lifestyle, has found love in Cheska, an American woman, and has travelled around in Europe, and recently in the USA. He has also taken up studies in English and Playstation 2. Anyhow, he has not stopped doing what he has been doing since a young teenager. He plays in a halfimprovising trio called "Just Beyond" featuring guitar, drums, vocals and bambooflute. The projects of the future includes, besides a brand new album, a Best Of CD, and more comic books.

St. Mikael - 1991 - Claustromania

2006-12-17T09:26:00.000-08:00

Otro de sus grandes discos!!
Link: http://rapidshare.com/files/2976118/St.Mikael1991Claustromania.rar
01 Prisoner
02 Vault
03 Claustromania
04 Spirit 1
05 Venus And Beyond
06 Before Your Eyes
07 Time Caravan
08 Spirit 2
09 Polaris
10 Soul Ritual
11 A New Era
12 Androgyno's Song

St. Mikael - 1988 - Visions of a Trespasser

2006-12-17T09:22:00.000-08:00

Este es uno de los mejores musicos de tierras escandinavas que haya existido, escuchenlo para que vean por que!!!
proxima reseña!!
Link:http://rapidshare.com/files/2976120/St.Mikael1988VisionsOfATrespasser.rar
01. The Serpent (8:36)
02. Dagon (4:27)
03. Heading For The Sky (3:48)
04. Microworlds (4:53)
05. Bom Bom Mahadev (3:59)
06. The Soul Searcher (3:51)
07. In The Forest (3:35)
08. Calling The Djinn (6:56)
09. Dreams Of Eternity (5:59)
10. The Voice (6:26)
11. Seed Of The Sun (5:50)
12. Universe (5:36)
13. Where Can I Go, Why Can't I Se (6:18)
Total time: 70:14

El Tarkus de ELP...

2006-12-14T20:05:00.000-08:00

Le Orme Contrappunti.

2006-12-11T21:17:00.000-08:00

Le Orme Contrappunti

Año: 1974

Canciones:

Contrappunti

Frutto acerbo

Aliante

India

La fabbricante d'angeli

Notturno

Maggio

Le Orme en 1974, saca al Mercado el disco titulado Contrappunti, sin duda uno de los discos más “clásicos”, de esta agrupación italiana que se conforma por Toni Pagliuca Teclados, Aldo Tagliapietra - voz, bajo y guitarra acústica, Michi Dei Rossi – Batería y percusiones y apoyados en esta ocasión por el gran pianista Gian Piero Reverberi, en algunas canciones en la producción de este disco. Considero que es uno de los puntos más álgidos en su discografía, comparable con el Felona e Sorona y Uomo di Pezza, sin embargo, es una obra más abstrusa y difícil de escuchar, en algunas partes asimismo también creo que contiene mucho de los elementos (embrionarios aun), del Le Orme 77-80, sobre todo en las partes acústicas, pero de todas formas en este álbum hay para todos los gustos del Rock Progresivo, desde ataques frontales con el Hammond de Pagliuca (e.g. “Contrappunti”, “Maggio”), baladas acústicas progresivas , con un toque romántico y delicado por parte la magistral voz de Tagliapietra (e.g. “Frutto Acerbo”, “La Fabricante d’ Angeli”), y melodías muy sui generis para el rango leormeniano (e.g. “Aliante”). Independientemente de lo anterior es sin duda el último gran disco de la etapa más Progresiva de Le Orme, y en algunas canciones es simplemente impresionante. Aun así yo creo que el disco tiene una especie de “concepto” aunque no es muy aparente a primera vista, pero a partir de “Aliante” siento que existe una conexión musical con el resto de la obra, ya que las armonías son muy similares en determinados intervalos musicales, asimismo es el ultimo álbum de los 70’s con ese sonido tan característico del teclado de Pagliuca, al estilo de ELP y también en el cual el tecladista lleva la batuta sonora con la prominencia de estos al frente del disco; de todas maneras creo que el disco por si solo es uno de los albumes claves de la discografía de Le Orme, menos sinfónico que “Felona e Sorona”, y en partes parecido, pero no igual a “Uomo di Pezza”, un trabajo impresionante en el departamento de las percusiones por parte de Dei Rossi, y razón por la cual es considerado, uno de los mejores bateristas de Italia. El bajo de Tagliapietra aquí es un poco más discreto, cumplidor en la mayoría del disco, pero efectivo cuando se requiere, los teclados de Pagliuca, simplemente deliciosos, con mucho trabajo en el órgano Hammond y los sintetizadores y de pasada demostrando por que es considerado uno de los grandes de los teclados, la voz de Tagliapietra… bueno esa voz tan características por parte de el y que admiro sobremanera, como siempre de lo mejor, y uno de los elementos por el cual Le Orme es único como grupo.

Aquí también es bueno que se destaque el trabajo de Gian Piero Reverberi como pianista, sin duda demostrando que es uno de los mejores pianistas que haya participado en un álbum de Rock Progresivo , su calidad, velocidad y sentido de la melodía, armonía y timbre, lo caracterizan, así como la integración total al grupo, por que si uno no supiera que esta colaborando en el grupo, fácilmente se pensaría que es el mismo Pagliuca tocando en “overdubbing”, asimismo también este gran pianista participó en la producción de este disco que en términos generales esta bien hecha, destacando todos los instrumentos y muy pulida en algunos aspectos (e.g. el principio de la canción “India”).

Como nota adicional es necesario comentar acerca de la portada que me recuerda al volcán Vesubio, y que en algunas partes de las canciones, sobre todo en “Notturno” y “Maggio” al escucharlas se me imaginaban las horas previas de la erupción de este volcán en Pompeya, debido a lo tenebroso de los temas señalados, sin embargo la canción de “Maggio” habla de otra cosa por lo que este comentario es fruto de mi imaginación, sin embargo los invito a escucharlos y figúrense esas horas previas en la ciudad romana….

En fin creo que este es un disco indispensable de esta gran agrupación, con temas fuertes, difíciles de escuchar, un poco introvertido, con muchos elementos de contrapunto, con ritmos Progresivos muy interesantes, a veces superando lo hecho en “Felona e Sorona” y que, sin duda no debe de faltar en cualquier colección Progresiva que se precie de serla.

Pues pasemos a las canciones:

1.- Contrappunti.- El tema que abre este singular disco de Le Orme, tocado con un tecladista y un pianista, realmente le hacen honor al titulo de la canción, e inmediatamente después empieza un ataque frontal por parte de Pagliuca y Reverberi, alternando notas y contrapunteándose, mientras que Dei Rossi va llevando el ritmo acorde a la intensidad mostrada por parte de estos músicos, Tagliapietra va marcando el ritmo sin mayor relieve, y realmente es la pieza más impresionante del álbum, muy compleja, muy al estilo de Keith Emerson y con mucho órgano Hammond. Se disfruta mucho el contraste entre el piano acústico de Reverberi y los teclados de Pagliuca, acentuados por el ritmo magnifico de Dei Rossi, y considero que es uno de los mejores temas del disco y también uno de las mejores melodías de todo el Rock Progresivo Italiano, tocada con fuerza, ritmo y candencia es algo que nadie debe perderse!. Excelente.

2.- Frutto acerbo.- Una finísima balada por parte de Tagliapietra y Co. Y que considero es uno de los sellos que definen la música de Le Orme, muy buenas letras escritas por parte del celebre bajista, un ejemplo:

“…repeat to my father that the soup is getting cold…silence toward home, his cold hand…” and “…the winter then came behind the sun, great and white…how much, how much love was bursting inside me…”.

y aquí toca la guitarra acústica, con un simple arpegio de notas creando una excelente muestra de cómo el elemento romántico de la música italiana, combinado con el Progresivismo de Le Orme, producen una verdadera obra de arte musical, considero que es la canción “cajona” del disco y los paisajes musicales que producen la entonación de Tagliapietra es simplemente ensoñador. Canción muy pastoral y en ratos melancólica e invernal, y que probablemente serviría de ejemplo para canciones de futuros discos como “Verita Nacoste” o lo hecho en “Storia o Leggenda” , pero con nulas influencias “popperas” . El piano de Pagliuca aquí muy atmosférico , tocando algunos timbres musicales, y notas que se adaptan a la perfección con la atmósfera de la canción. El Mellotron aqui crea también paisajes muy evocadores aunque discretos. Muy buena.

3.- Aliante.- Melodía dispar que el grupo graba en esta obra, creo es el “relleno” en este disco, con un ritmo de 7/8 al estilo de lo hecho por Génesis en “Supper’s Ready” sobre todo en la parte de “Apocalipsis in 9/8”, otra vez Pagliuca resaltando con el trabajo de los teclados y creando una melodía que se escuchara a partir ahora en todas las demás canciones siguientes, creo que aquí empieza esa sensación de “concepto” que muchos sentimos que tiene implícito este álbum , por una continuidad aparente entre canción y canción, la batería de Dei Rossi va siguiendo las pautas señaladas por el teclado y se limita a seguir el intervalo impuesto por los teclados, aun así creo que es el tema menos “brillante” de todo el disco, pero en ratos es disfrutable, lo remarcable es que es algo que Le Orme no había hecho antes buena pero no excepcional. Regular.

4.- India.- Pasamos a otra de las mejores canciones del disco con esta evocadora melodía al país asiático, sin duda se explora con los ritmos orientales que por primera vez hacen su aparición en la discografía del grupo italiano en comento, un exquisito trabajo por parte del bajo eléctrico de Tagliapietra , llevando un ritmo muy extraño pero efectivo y esto acompañado por buenas armonías del sintetizador de Pagliuca, y tratando de imitar el sonido del sitar en los teclados, aunado al ritmo que al ser en una escala diferente de la occidental, deja un sentimiento de misterio y de penumbra… también se crea una atmósfera precaria a lo largo de toda la canción con los elementos que se comentaron líneas arriba, pero lo único que no me gustó es que la duración de la canción sea tan corta, aun así es de lo mejor en esta obra. Muy Buena

5.- La Fabbricante d'Angeli.- A partir de aqui todas las canciones del álbum en comento, son de primerísimo nivel y empezamos con esta magistral composición, sin duda de lo mejor que Le Orme creo en este disco, excelentes letras, que se disfrutan aunque no se sepa el idioma italiano, así como un esplendido trabajo de Pagliuca en los teclados, en verdad la voz excelente de Tagliapietra crea un ambiente celestial que transmite la canción al oyente y la batería aquí en un trabajo muy efectivo, pero discreto, sin duda uno de los mejores momentos del disco, el intro de los pianos monumentales es muy similar a lo hecho por Triumvirat en su disco “Pompeii”, muy sinfónica, muy ensoñadora y muy poética esta es otra de las canciones “cajonas” del disco y siento que es una de las predecesoras del estilo de otra gran agrupación italiana: Loccanda Della Fate. Muy Buena.

6.- Notturno.- Otra instrumental de Le Orme y que pareciera un “outtake” de “Felona e Sorona”, excelente muestra del uso del moog para crear paisajes tétricos y desesperanzadores, una pieza instrumental muy oscura, empezando por una introducción de piano muy solitaria y posteriormente va subiendo en intensidad de oscuridad, insisto que esta melodía me hace sentir como si estuviese en las horas previas de Pompeya antes de ser arrasada por el vesubio, como si se explorara la ciudad a oscuras y al fondo, en el firmamento el vesubio a punto de hacer erupción. Muy Buena.

7.- Maggio.- La canción que cierra el disco y es una de las obras maestras de Le Orme, comparable a Contrappunti, sin duda rivaliza con esta para ser la mejor tonadilla del disco… y de la discografía de Le Orme, excelso trabajo en los teclados de Pagliuca, se escucha elementos de Yes dispersados a lo largo de esta “suite”, sobre todo a partir del minuto 2:30, muy fino realmente el trabajo de los teclados aquí. Una letra que habla sobre la situación política y varios tópicos, típicos de la Italia de los 70’s , muy buen trabajo del bajo eléctrico de Tagliapietra y por supuesto la batería de Michi que es excelente, manteniendo el ritmo por una parte y agregando timbres percusivos que hacen engrandecer la canción, sobre todo en el solo de teclado de Pagliuca a partir del minuto 5:10, el uso increíble del doble bombo de este gran maestro de la batería. Creo que es la canción que muestra la diversidad, el dinamismo y la magia (como la canción) de Le Orme, así como todos los elementos musicales , líricos e intelectuales que tienen como grupo, si quieren hacerse una idea general de cómo es Le Orme y nunca los han escuchado, esta seria la introducción ideal. Como nota anexa es una de las favoritas en vivo del grupo, desgraciadamente no la he escuchado, pero he leído que Tagliapietra se inspiro en la situación política italiana que imperaba en esos años Excelente.

A manera de final de esta reseña, no hay duda que Le Orme hizo con este uno de sus discos más “difíciles” para el oyente, pero una vez que se estudia se descubre que es uno de los mejores discos que grabo este grupo con composiciones muy complejas e imaginativas y que serian las ultimas de este tipo en los 70’s… no se encontraran grandes solos instrumentales, sino que es un esfuerzo más de grupo , dejando en segundo plano sus egos para crear magnifica música y esencial si se quiere conocer a esta gran banda italiana

2006 José Alberto Muñoz Flores.

Link: http://www.megaupload.com/?d=6UN1AJ35

Le Orme Felona E Sorona.

2006-12-11T20:55:00.000-08:00

Le Orme Felona e Sorona.

Año 1973.

Canciones:

Sospesi nell'incredibile
Felona
La solitudine di chi protegge il mondo
L'equilibrio
Sorona
Attesa inerte
Ritratto di un mattino
All'infuori del tempo
Ritorno al nulla

Para muchos especialistas y aficionados del rock Progresivo, esta obra de 1973, es la quintaesencia de toda la carrera de Le Orme, el punto más álgido de su carrera y el álbum más acabado de cuanto hayan grabado, como se puede observar al buscar información de este disco en Internet. Nadie puede quedar indiferente ante lo hecho por estos excelentes músicos , quienes, conservando la alineación formada por Toni Pagliuca – Teclados, Aldo Tagliapietra - voz, bajo, guitarras y Michi Dei Rossi - batería, percusiones, ofrecen una obra que en verdad se puede resumir como la cristalización de todos los conocimientos musicales, de las influencias adquiridas y de su grandiosa imaginación, una obra donde se expresa el amor y se exalta la gloria y que sin duda esta es música descriptiva, dramática y simbólica. En esta grabación Le Orme utiliza un lenguaje más colorido, mas humano y atormentado, que se enriquece con las formas melódicas o armónicas, con textura y timbre; adicionalmente esta suite tiene un concepto muy interesante, que trata sobre la vida en dos planetas que tienen una estructura idéntica, pero que la diferencia radica en que uno se ve favorecido por el Creador y el otro simplemente se las arregla como puede, las mismas letras reflejan el carácter épico y mitológico que tratan de dar a entender al oyente y así ser transportados a este universo, encantado y sugestivo, obviamente la música contribuye largamente a que se entienda la atmósfera reinante en estos dos mundos que han sido nombrados Felona y Sorona y que son habitados, aparentemente por una forma de vida similar a la humana.

La letra contiene como lo señale elementos que en cualquier mitología o religión de las diferentes civilizaciones han usado cabe aquí el ejemplo bíblico de Caín y Abel, donde Dios benefició y miró con más agrado a lo que hacia Abel que lo que se esforzaba Caín y que finalmente, a diferencia de esta obra, Caín mata a Abel, sin embargo podemos encontrar paralelismos de este asesinato fraticida en Felona e Sorona, ya que el creador al voltearse a atender a Sorona, Felona inicia un decaimiento, lo que a “ grosso modo” podría representar un “crimen”.

Siguiendo esta línea de pensamiento, también se encuentran elementos filosóficos muy enraizados, como la representación de dos momentos durante una jornada, el día (Felona) y la noche (Sorona), y las diferentes formas de vida entre una y otra, así como el cambio de humor en los seres humanos dependiendo cual plano les agrada más. En el plano animal existen organismos que solo salen a buscar actividad de noche y otros que realizan sus labores durante la vigilia. Por lo que debemos entender esta obra de una manera arquetípica, es decir buscando dentro de la historia de las religiones y la filosofía las respuestas, ya que casi todas las teorías gnoseológicas y ontológicas (véase las teorías del filosofo A. Kojeve al respecto), de estas, han tratado de dilucidar esa lucha de un contraste gemelo en sí y que representa la unidad podría decirse “sagrada”, pero esto es “harina de otro costal”.

En fin la historia versa como lo dije, sobre dos planetas en los cuales son idénticos entre si, creados por una unidad divina que solo favoreció a uno de ellos (Felona) y al otro lo descuidó (Sorona), y se supone que en uno la gentes es feliz y esta realizada como seres mientras que en el otro podría ser el mismo infierno, donde solo se vive tristeza y amargura, y solicitando a la unidad divina ayuda, y a lo largo de esta admirable obra , muestra que el creador mantiene un equilibrio precario, a costa de uno de los mundos (Sorona), para poder seguir proporcionando la calidad de vida que tiene el otro (Felona), pero algo sucede que dentro de la melancolía diletante de la unidad divina creadora, y cree que es tiempo de ver hacia el otro lado (Sorona) y entonces se produce algo único en la vida de estos mundos al ser iluminados de manera simultanea y que provocaría la transformación simultanea de los mundos, cambiando lugares y por consiguiente Sorona seria el lugar privilegiado y Felona poco a poco se iría malogrando, para pasar posteriormente a una reformación y a un final apocalíptico, donde todo seria mezclado y regresado a la unidad primaria divina, o sea al Creador . lo que nos hace confirmar las teorías ya señaladas líneas arriba.

La música creada aquí es de una finísima calidad y que ha soportado muy bien el paso del tiempo, coloca a este excelso grupo en las alturas de la música Progresiva y un lugar reservado en el panteón del rock progresivo. La edición para el mercado ingles, que hizo el líder de Van der Graff, Peter Hamill sobre esta obra y un tour por Inglaterra nos confirma la internacionalización de este gran grupo Progresivo.

En cuanto a la música, Tony se afirma una vez más como el gran maestro del teclado que es, dándonos buenas dosis de órgano Hammond, Melotron y sintetizador, y haciendo gala de un estilo variado y cuya sólida escritura manifiestan su grandeza. Por su parte Aldo nos deleita con esa voz prodigiosa que es la delicia de muchos de nosotros y que, aparte de Francesco di Giacomo del grupo Banco del Mutuo Soccorso, es de las más identificables del Progresivo italiano, donde habla un lenguaje coloreado y muestra un verbo inagotable, así como la utilización de la guitarra acústica de una rara y sombría finura y el bajo donde mantiene un soberano e indiscutible equilibrio ante los demás instrumentos y finalmente Michi hace gala del conocimiento y la técnica que ostenta con los instrumentos de percusión, principalmente la batería, y los ritmos con los cuales colma las melodías y que poseen un sello de incontestable grandeza.

Derivado de lo anterior, podemos afirmar que así como la letra de esta obra, nos lleva a este universo animado y suspendido en un tiempo extraño, la música hace lo propio mostrando como la naturaleza de los sentimientos son perfectamente compatibles con las notas musicales que van construyendo una estructura única y continuada y que van pasando de la alegría sencilla (e.g. Felona) a una tristeza y desolación evidentes (e.g. Sorona, Attesa inerte), a la esperanza que da una chispa de vida (e.g. Ritratto di un mattino), y al caos y regreso a la nulidad absoluta (e.g. Ritorno al nulla), no hay duda que la obra se caracteriza por una estructura hábil y prodigiosa donde prima la melodía y donde el grupo se complace en valorizar los diferentes planos sonoros, los juegos y los timbres de sus instrumentos.

Esta obra se compone de 9 piezas musicales que van entrelazadas unas con otras, al estilo de una gran Suite y también utilizan de manera inteligente, unir las canciones de tiempo más largo con intervalos cortos, donde en la mayoría de las canciones, Taglapietra hace uso de su finísima voz y los simples pero efectivos, acordes de su guitarra acústica, para lograr de manera contundente una obra única y magistral, lo que me recuerda un poco en la opera y el teatro de Euripídes, similares aspectos que se utilizaban en esos artes (e.g. la función del coro), estas canciones son de tiempo variable y contienen la rara virtud que también es posible escucharlas individualmente y con ello no demerita en nada a toda la obra ; asimismo es también clara la experiencia asimilada en su anterior disco Uomo di Pezza, y los elementos musicales que allí desarrollaron son utilizados de manera exhaustiva en esta gran obra, pero con la diferencia que aquí el tema es más conciso, concreto y más organizado que en aquella.

Finalmente hay que hacer mención del arte contenido en el disco y que se supone representa a los dos mundos en cuestión, Felona representado por la mujer y Sorona que en este caso es una figura masculina, y que muestra una sorprendente similitud con las obras que realizo su paisano Giorgio de Chirico, a principios del siglo XX, que es de un surrealismo exquisito y misterioso, así como agobiante y enigmático., sin duda un arte muy sombrío, mostrando un pesimismo nostálgico que pocas obras, en las tapas de los discos, han logrado transmitir y ser consistentes con la música contenida en ellos, en este caso es total y absolutamente integrado con la música desarrollada aquí por Le Orme.

Pasemos a las canciones:

1.- Sospesi nell'incredibile.- Al igual que en la anterior obra de este gran grupo, inician con una pieza musical de larga duración y con cambios exquisitos que solo ellos son capaces de realizar, una pieza que sirve de introducción perfecta a lo que será esta Suite; es innegable las influencias “clásicas” y se nota a leguas el uso de Tony de la flexibilidad de la melodía en sus teclados, aunado con el rigurosos contrapunto, que va marcando el bajo de Tagliapietra y el ritmo incesante y frenético de la batería de Michi, para crear un arte superior y envidiable, pero al mismo tiempo majestuoso y glorioso, como música de los Ángeles, sobre todo cuando Aldo comienza a cantar los primeros versos de la letra, sin duda es un momento de sublimación absoluta y quien no sienta eso, definitivamente no debería de escuchar ninguna música, por humilde que esta sea. Es notorio el cambio a un ritmo más dinámico, pero que no deja de ser nostálgico, a partir del minuto 5:30 y que gracias al Hammond de Pagliuca y la línea etérea de la melodía del bajo, hacen sentir ese estado de la conciencia , que es de un abandono o una especie de aflicción difuminada, pero que seria adornada con matices extraordinarios del Moog de Tony y el ritmo decidido de la batería de Michi, haciendo gala de su minuciosidad como percusionista, sin titubeo es un pasaje mucho muy melancólico y finalizado con un mini solo de batería que, sin embargo es una forma poco común de terminar un tema en Le Orme. Excelente.

2.-Felona.-Inmediatamente se pasa a esta placentera canción, tocada por Taglapietra con una extraordinaria soltura y en base a una armonía muy sencilla, refleja el disfrute por la vida y la alegría que se supone viven los habitantes de Felona, adornada con matices pequeños pero efectivos por parte de Tony y la percusión usada por Dei Rossi con una exactitud y cuidado extremos, cual reloj suizo, pero viviente! ésta de hecho fue ofrecida al publico como Single para el mercado italiano con un buen éxito; y con un ritmo sutil y una sensación fresca, contagia por su estructura sencilla, un sonido que parece de flauta aparece casi al final de la pieza musical , para embelesar aun más el carácter festivo que contiene. Excelente.

3.- La solitudine di chi protegge il mondo.- Una de las melodías que denotan la influencia que los músicos “clásicos” como Scarlatti o Chopin ejercen en la forma de tocar de Pagliuca, un piano lleno de majestuosidad, rebosante de notas y que acompañan de manera efectiva la breve pero eficaz línea verbal que realiza Aldo, que con su impresionante voz cargada de un dramatismo discreto y que creo envidiaría cualquier vocalista de rock Progresivo, hacen resaltar esta breve pero sin duda, vistosa creación musical , muy evocadora y fantástica, también se nota un poco de inspiración caterburiana (Mike Ratledge). Excelente.

4.- L'equilibrio.- Canción en donde Pagliuca utiliza la técnica conocida como “Muros de Sonido”, y que utilizó con gran eficacia antes, el saxofonista John Coltrane, y que, aunado al fenomenal uso de la batería de Michi y a la poética voz de Taglapietra, nos ofrecen uno de las mejores piezas del disco, que describe la relación que une a los dos mundos (Felona y Sorona) así como reflejando el uso efectivo de los sintetizadores y aunado a ello el encanto, la fantasía y una serie de versículos de estilo puramente progresivo y de rigurosa polifonía, sobre todo a partir del minuto 1:40 donde se escucha el dominio del Moog por parte de Tony para pasar inmediatamente a la utilización de un piano con notas ascendentes y descendentes, que al escucharla se embarga al oyente de un sentimiento de urgencia y de rapidez equilibrada (no por ello la canción se llama el equilibrio), para finalizar con unas delicadas notas , versos y un uso firme del silencio musical. Excelente.

5.- Sorona.- Sin duda esta es de las canciones más tristes compuestas por Le Orme. Es la descripción descarnada, desoladora , sombría y apabullante de lo que es el mundo de Sorona, (véase por ejemplo lo que ocasiona la contaminación del planeta, o la matanza indiscriminada de algunas especies animales o la hambruna y pobreza extrema en algunas partes de nuestro planeta y no estaremos lejos algún día de esta descripción!!), realmente Taglapietra hace que la fuerza trágica de su interpretación cause que uno palidezca de abatimiento y aflicción por el destino injusto de los habitantes de Sorona, y se puede respirar a través de toda la obra un olor a destrucción, dolor y muerte, y que Tony acompaña con una serie de notas musicales muy parecidas a lo que se transmite con las letras de la pieza musical,( y hacer mención que esas mismas notas servirán de base al ultimo tema del disco, pero tocadas de un modo más rápido), realmente escalofriante!! Pero aqui el grupo se encumbra hasta cotas increíbles que no volverían a hacer. Por lo que la hace seria candidata para ser la mejor canción del disco. Excelente

6.- Attesa inerte.- El sexto tema de esta obra y que con un bajo descriptivo, firme y elegante que ejecuta Aldo, nos va llevando a través de la canción , que vendría a ser la más experimental de todas, con un tiempo atonal y con una serie de disonancias por parte de Pagliuca, que alterna con el sintetizador y el ritmo acompasado de Dei Rossi , van describiendo lo que las letras, a través de la interpretación de Taglapietra , les pasan a los habitantes de Sorona (que por fin ven sus mas caros deseos realizados), y que la urgencia de la composición da a entender que algo va a cambiar… para bien o para mal. Muy Buena.

7.- Ritratto di un mattino.- Una finísima melodía en la cual, Tagliapietra nos deleita con una breve pero efectiva línea vocal que dice así traducida al español: “ la felicidad usted no puede encontrarla en si misma, sino en el amor que a los otros al día usted dará!" Con el uso del sintetizador por parte de Tony de manera muy elocuente y que alterna pasajes de gozo con pasajes de desánimo, y que demuestran que el grupo son artistas de movilidad y talento inigualable, y que tienen composiciones, como esta que son muy profundas, aunadas a una flexibilidad armónica y rítmica señaladas . Muy Buena.

8.- All'infuori del tempo.- Una delicadísima y pastoral melodía basada en dos espontáneos acordes por parte de la guitarra acústica de Taglapietra , muy parecida a Felona, pero más pausada y con un dinamismo distinto, aquí la excelsa voz de Aldo vuelve a brillar en el firmamento con la descripción de la obra que nos comunica el cambio de situación en los mundos, como Sorona empieza a “revivir” y Felona a decaer, Tony crea con el uso de sintetizadores y la maestría distintiva en él , pasajes de increíbles melodías y timbres que dan un lenguaje coloreado y elegante, y Michi tocando lo que parece un ritmo extraño dentro de la estructura musical de la canción, pero que se enlaza de manera categórica en el producto final. No hay duda que estos pasajes cuasi barrocos que crean una riqueza de sonidos, y que en este caso es con base en un ritmo franco sostenido por la guitarra, son uno de los aspectos por los cuales este disco es considerado por muchos el mejor de Le Orme, realmente es una melodía portentosa y de mística inigualable. Excelente.

9.- Ritorno al nulla.- El tema que cierra la Suite presentada por Le Orme y la más vibrante, dinámica y delirante melodía de todo el disco, y que realmente refleja lo que el titulo nos dice, un final de antología, tremendo, pomposo, y que muestran los diferentes planos sonoros , los juegos y los timbres de los instrumentos que usan, con un ritmo dominante, no dando respiro al oyente, Tony luciendo el uso de prácticamente todo su arsenal armónico, melódico y contrapuntístico, que provoca una desenfreno de música y que muestra la calidad virtuosa que siempre ha poseído en el mando de sus teclados, solo escuche usted, el principio de la canción para un ejemplo tajante. Aldo con su bajo obstinado y furioso tomando las riendas del ritmo rabioso y caótico, con sobriedad y maestría y finalmente Michi multiplicando las manos para tocar de una manera soberana, desbordante y con un ritmo machacoso, extático y colosal, (mostrando de pasada como se debe de tocar el doble bombo), que deja al oyente en estado de shock por el final majestuoso y sobrehumano. La pieza musical refleja la vuelta a la nulidad, el estado primigenio en el cual todo es uno y es absoluto (al más puro Hegelianismo), y que finalmente desde allí se vuelve a empezar, me recuerda a un agujero negro cósmico, el cual absorbe y destruye todo de manera inexorable, puntual y terminante y que hasta la misma luz la desvía, dejando todo totalmente aniquilado. Se puede afirmar que es la mejor canción del disco, realmente tremenda y no apta para el que tenga afecciones cardiacas!! Excelente.

Pues hemos analizado 34 minutos del mejor y más altísimo rock Progresivo que cualquier grupo nos ha dado y seria más que decir que esta obra conceptual es uno de los ejemplos más acabados de la música de Le Orme, y que se coloca en primerísimo plano absoluto entre aquellos grupos cuya ciencia de la instrumentación, creatividad, fantasía, genio lírico y musical solo pueden solicitar nuestro asombro y admiración.

2006 José Alberto Muñoz Flores.

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Le Orme Uomo di Pezza

2006-12-11T20:44:00.000-08:00

Le Orme Uomo di Pezza.

Año: 1972.

Rating:

Canciones:

Una Dolcezza Nuova
Gioco di Bimba
La Porta Chiusa
Breve Iimmagine
Figure di Cartone
Aspettando l'alba
Alienazione

Sin duda 1972 fue el año donde muchísimos grupos de rock Progresivo se catapultaron hacia lo mas alto de calidad en el genero, muestra son el primer disco de Premiata Forneria Marconi y el Darwin de Banco del Mutuo Socorrso, y también nuestros amigos de Le Orme grabaron el segundo álbum de su discografía titulado Uomo di Pezza, y que es también parte de trilogía “clásica”, y es realmente un disco verdaderamente asombroso, una sublime combinación de tonos progresivos que elevan a esta grabación a ser, para muchos, el disco de referencia de toda la discografía de Le Orme.

En esta obra, llena de hallazgos armónicos de fuerte color, hallamos ya una plena madurez en la forma de componer y se puede afirmar que el dueto Pagliuca/Taglapietra se revelan como maestros de la gracia, del estilo melódico, de la libertad rítmica, del contrapunto flexible pero minucioso y del tono elegante y majestuoso, así como compositores de sorprendente fecundidad. Esta obra los catapulta como maestros del genero no solo en su natal Italia, sino en el mundo entero, llamado la atención hasta al músico líder de Van der Graff Generator, Peter Hamill, quien de inmediato se hace aficionado a su música.

Esta magnifica obra contiene las 7 canciones más representativas de cómo se hace el rock Progresivo en Italia, de ritmos francos y fuertes (e.g Alienazione, La Porta Chiusa) , canciones muy pastorales, sensibles y mucho muy melancólicas ( e.g Aspettando l'alba , Breve Iimmagine ), y hasta un ejemplo de lo que harán después de 1974 con la canción más “popera” del disco, pero que contiene una fundación realmente progresiva e.g.(Gioco di Bimba), la calidad de la producción es prístina y es el primero de los discos de Le Orme en donde se ve como colaborador al maestro del piano Gian Piero Reverberi .

El grupo sigue en su misma alineación con Toni Pagliuca - órgano, sintetizador, piano, órgano eléctrico, mellotron, celesta, Aldo Tagliapietra - voz, bajo guitarra, guitarra acústica y eléctrica de 12 cuerdas y Michi Dei Rossi – batería, campanas y percusiones, acompañados por el ya mencionado Gian Piero Reverberi - piano en Una dolcezza nuova, y aquí sobresalen todos los miembros del grupo ya que independientemente de la labor de equipo que siempre han hecho, es fascinante escuchar a esta obra maestra del genero, catapultando lo que ya habían hecho en Collage y agregando influencias propias de la música italiana, con rasgos canterburianos , obvias influencias de Emerson, lake and Palmer (ELP), e inspiraciones de la música clásica en general, un disco también muy espiritual y nostálgico, y letras que son como obra, lo mejor la lado de Felona e Sorona, que haya escrito la dupla Pagliuca/Tagliapietra; el uso extensivo del Moog y del Sintetizador, hace que se construyan paisajes musicales oníricos de fuerte contrapunto en el cual se hace gala a través de todas las canciones, de esta obra.

Asimismo la portada es una de las más características del rock Progresivo , al revelar parte de lo que las letras y del cuasi concepto del que se trata esta grabación, es una obra de arte, y la relación con las letras que nos hablan de las enfermedades mentales, disturbios psicológicos, de las fragilidades emocionales y en general de la gente que sufre este tipo de afecciones, no por ello es casualidad que la ultima melodía del disco se llame “Alienazione”,y la relación con el arte de la portada del disco es evidente, una persona sentada en un diván y otra pretendiendo escuchar lo que dice y detrás de ellos, imágenes típicamente psicoanalíticas y también la noche y día reflejados en el frente y la contraportada del disco, por ello se puede decir que es una obra muy acabada y monumental de esta gran agrupación, este arte fue diseñado por Walter Mac Mazzieri.

La mayoría de las canciones del disco recrean una atmósfera ensoñadora, melancólica, y con momentos también de intensa rapidez, y que no hay momentos aburridos o bajos, solo de finísimos episodios netamente progresivos, audaces tonos polifónicos de teclado con rapidez dignas de un virtuoso, bajo sin efecto “overdrive”, pero explorando y explotando lo hecho en Collage, guitarras con arpegios exquisitos e ingeniosos, e inmensos ritmos trabajados por la batería, y con patrones contrapuntísticos simplemente geniales y solo logrados por algunos grupos Progresivos en el mundo (e.g. el uso que le da Michi a los platos llamados Hi hat o contras y manteniendo un ritmo frenético y extremadamente difícil en la canción La Porta Chiusa y que sirve como ejemplo del uso de estos en un ritmo claramente característico del Progresivo como estilo), arreglos y timbres barrocos de la más alta clase musical , composiciones de gran elaboración. Pero al mismo tiempo, majestuosas y sublimes con el uso del Mellotron por parte de Tony, un disco inolvidable y considerado una obra maestra del genero Progresivo, cada una de sus piezas musicales es un drama y bajo cada una de sus armonías se descubre una intención nueva y contribuyendo al asentamiento de un genero musical, que en este caso es el rock Progresivo, con un álbum definitorio en esta magnifica agrupación Veneciana.

Este disco es una garantía de excelencia en toda la carrera de Le Orme.

Y ahora el análisis de las canciones:

1.- Una Dolcezza Nuova.- el tema que abre esta obra e instantáneamente se siente uno transportado a arreglos de corte muy clásico, con el piano de Gian Piero mostrando por que fue solicitado a que colaborara con Le Orme y construyendo un alud de notas al lado del bajo de Tagliapietra y el órgano de Pagliuca, mientras que la batería lleva un ritmo frenético, mantenido por Michi hasta que ya se va transformando en una canción pletórica de evocaciones , con un ritmo acompasado, y timbres hechos con el piano y el teclado de Tony, con la gran voz que tiene Tagliapietra y claramente va señalando el sonido que ya se moldeo bajo las fraguas de Collage y la muestra es esta pieza musical, de altos vuelos, una pieza cargada de emociones , en ejemplo de las letras y que precisamente nos habla vagamente de los conflictos de la doble personalidad: :

“…there’s in your eyes an ancient fear, ashes’ dreams now burn in you. When the fears fade away, believe in me…the storm is in your heart, you take refuge in me. In the space shouts the thunder, your voice is now a sigh and you trembles beside me…”.

Acaso es este un interludio romántico? O es el narrador de una de las partes de la doble personalidad que trata de reemplazar a la primera, que no esta dispuesta a enfrentar la crudeza de la realidad nunca más?

Sin duda un empiezo de disco fuera de serie, y que por cierto me recuerda a lo hecho por ELP en la canción Three Fates de su disco homónimo. Excelente.

2.- Gioco di Bimba .- Segunda canción del disco en comento y aquí Le Orme construyo un tema con muchos elementos “pop” , sin embargo es una pieza musical donde las notas e intenciones de la letra se destacan y valorizan con medios sutiles que afectan el ritmo, la armonía y condimentado con el Clavicordio eléctrico de Tony, la dulce voz de Tagliapietra hace que uno sienta esa armonía “feliz” que transmite la pieza musical, como si se estuviera en un tiovivo. Sin embargo la letra trata los temas de la gente que aun no puede salir de algunos episodios de su niñez; asimismo me parece que fue sacada como single en el mercado italiano con éxito suficiente para que la música de Le Orme llegara a un publico más amplio. Una muestra del lado melódico del grupo. Muy Buena.

3.- La Porta Chiusa .- La pieza musical que define a Le Orme como uno de las grandes nombres en el rock Progresivo italiano y lo coloca en una primerisima fila al nombrar a los grandes de ese país, una de las más complejas canciones de la historia del grupo y que rivaliza con mucho de lo hecho en Collage y en Felona e Sorona y por ultimo con la canción Contrappunti del disco homónimo, excelso trabajo de Tony con los teclado y el mini Moog, mostrando pasajes realmente progresivos, notas discordantes y llenas de virtuosismo, y realmente se da la sensación de estar ante la primera composición “épica” del grupo, con su mas de 7 minutos, el trabajo de Aldo en el bajo es extraordinario y pletórico de armonías minuciosas y finas, así como su voz que queda muy bien en las partes tranquilas de la obra, pero el trabajo de la batería de Michi es de los más increíble y demasiado …” enciclopédico” a falta de una palabra apropiada, miles de notas tocadas a través de su hi hat, desarrollando una cadencia de ritmos de los mas diversos matices, rápidos, furiosos, tranquilos o manteniendo una clama intranquila, y un ejemplo para muchos de que sin duda es de los mejores bateristas del mundo, alternando a través de la pieza musical, diferentes poli ritmos y que a veces no puedo creerlo, que solo lo haga con un par de manos y piernas, realmente parece un pulpo tocando la batería!!, en cuanto metro , ritmo y melodía, cualquier aficionado al progresivo de cualquier tendencia, quedara más que satisfecho con lo hecho por este grandioso grupo, y el final es de los más fúricos ,en el sentido musical, que he escuchado de Le Orme. La Letra esta llena de misterio y obviamente relacionada al tema general del disco, considero que es la canción “cajona” misteriosa ,oscura y la mejor del disco. Excelente.

4.- Breve Iimmagine .- Una de las canciones con muchísima fuerza dramática por la voz de Aldo, realmente muy melancólica, onírica, que mueve a compartir ese desolado sentimiento como si lo vivieras, que estuvieras rememorando algún episodio de tu vida en donde las cosas no sucedieron como esperabas y te sientes desquebrajado por dentro. Los teclados de Tony van construyendo una serie de enramados melódicos que van acompañando ese sentimiento desgarrador que trasmite la melodía , y el uso del melotron (que claramente lo diferencia de Keith Emerson, ya que este no gustaba del sonido producido por aquel instrumento musical), y que se escucha como un sonido abrasador que llega realmente hasta la glándula pituitaria!, la batería de Michi mantiene el ritmo y recuerda lo hecho por Michael Giles, con el primer King Crimson, las letras , también muy buenas sobre todo por que no deja la temática de todo el disco, realmente increíble!! Y muestra máxima de lo que son capaces de hacer. Excelente.

5.- Figure di Cartone .- Aquí Le Orme nos ofrece una melodía de giro elegante y que posee una rara finura y un estilo un poco más ligero, pero muy efectivo, siguiendo esa atmósfera ensoñadora, que pasan de la melodía melancólica al virtuosismo descriptivo, cortesía de los teclados de Tony y al alarde de conocimiento en el uso del mini moog . el interés de la pieza reside en el dialogo entre la voz y los teclados, así como el ritmo muy puntual por parte de la batería de dei Rossi las letras son algo realmente maravilloso y que siguen la temática psicoanalítica de la obra: :

“…in your own strange world, made of cartboard’s figures and lots of cloth’s dolls…you live there between those four walls, you don’t remember who’ve leaded there, you only know who’s playing with you. You don’t have anxiety for the future, time for you has no value…you talk with the Angels. In that closed circle of madness you’ve lost your youth…”

Pues no faltaba más que este gran grupo nos diera otra receta de como hacer una excelente melodía con muy buenas letras. Excelente

6.- Aspettando l'alba .- Realmente en este álbum va uno escuchando pequeñas obras maestras, para formar un conjunto poderoso y magistral, y que se puede decir de esta canción?, probablemente rivaliza con La Porta Chiusa y Alienazione para ser considerada como la mejor pieza del disco, pero que difícil es decidir en un disco así!! Otra melodía increíble de Le Orme y también muy melancólica , evocadora e imaginativa una guitarra acústica con unas notas relativamente arpegiadas, que va construyendo a través de la obra un paisaje musical, de tristeza ,enigma y soledad enraizada en el personaje, mientras que la Voz de Aldo brilla en el firmamento, Tony nos da una delicia de uso del sintetizador-moog recreando esta atmósfera con tonos lúgubres y espaciales, además de como dota de poderoso cromatismo el conjunto, “un pensamiento silencioso” como lo dice claramente la letra y la batería de Michi, haciendo uso de pequeños ritmos callados pero que se adaptan como plástilina al molde de la pieza musical, una verdadera muestra de estos maestros finísimos en el ámbito de rock Progresivo italiano. Excelente.

7.- Alienazione.- El tema que cierra esta obra maestra del grupo y otra de las candidatas a ser la mejor canción del disco, una muestra que de los ritmos complejos y contrapuntísticos que son capaces de realizar estos magistrales músicos, la batería de Michi derrochando virtuosismo a cada nota tocada en su batería, el bajo de Taglapietra, creando minuciosos, contrastes de notas y que va tejiendo poco a poco, el entramado musical de toda la canción, y los teclados de Pagliuca que hace gala de su facultad musical al recetarnos dosis de refinamiento polifónico, fuerza, amplitud y elegancia, combinado con una inagotable fuerza en el manejo de la multiplicidad de notas que destila a través de toda la gama de instrumentos basados en el teclado y que domina como el mas consumado de los maestros, un alarde de excelsitud sinfónica, con claras influencias Carterburianas sobre todo a partir del minuto 2:30 , donde se escucha más claramente y que no es muy característico de su sonido, pero igualmente fascinante, y como lo señala Andrea Córtese “ el resultado de todos los estados mentales que lleva hacia la alineación” un tema de tono muy energético y enfadado. Excelente.

Como se darán cuenta, si han leído atentamente, este es uno de las obras más impresionantes que se han hecho en el rock Progresivo y que no deben de dejar pasar oportunidad para disfrutar este disco, es difícil no dejarse seducir por el encanto que se desprende, de sus piezas musicales, escritas diestramente, para desarrollar un episodio en la música que creo difícil se vuelva a repetir.

2006 José Alberto Muñoz Flores.

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Banco del Mutuo Soccorso 1972.

2006-12-11T20:38:00.000-08:00

Banco del Mutuo Soccorso: Ídem
Año: 1972.
Canciones:

In Volo

R.I.P. (Requiescant in Pace)

Passaggio

Metamorfosi

Il Giardino del Mago

a) ...passo dopo passo...

b) ...chi ride e chi geme...

c) ...coi capelli sciolti al vento...

d) Compenetrazione

Traccia

Si existe un grupo italiano que es muy conocido a nivel internacional, después de Premiata Forneria Marconi (PFM), es Banco del Mutuo Soccorso (BMS) uno de los grupos fundamentales del Progresivo. Este grupo proveniente de la ciudad de Roma es de los mejores ejemplos del desarrollo del rock Progresivo italiano y también uno de los mejores grupos que hayan surgido del rock Progresivo mundial, su música es conmovedora y de delicado y fresco misticismo, así como de un cromatismo exacerbado. No hay duda de que la música de Banco tiene desarrollo muy clásico, temas profundos y con matices extraordinarios, y una extremada profesionalidad en los músicos que integran a este gran grupo y que son: Gianni Nocenzi .-clarinete, piano, Teclados, Flauta Piccolo , Vocales, Pier Luigi Calderoni .- Batería, Renato D'Angelo.- Bajo y Guitarra, Francesco Di Giacomo .- Vocales , Vittorio Nocenzi .- Órgano, Clarinete, Teclados, Vocales y Marcello Todaro .- guitarra, vocales, guitarrón.

Banco ha sido siempre un pilar del Progresivo en Italia , prácticamente se encontró presente en todos los festivales de rock Progresivo que se organizaron en principios de los 70’s como el Villa Pamplihi o el Caraccalla y al lado de los grandes grupos italianos de aquellos años como PFM, Osanna, New Trolls, Le Orme y Balleto di Bronzo, solo por nombrar algunos. Su sonido del grupo es muy característicos por el uso de doble teclado, cortesía de los hermanos Nocenzi, quienes estudiaron música clásica y es de notar ya que dominan a la perfección la técnica contrapuntística y los largos desarrollos armónicos, son músicos de espontaneidad fértil y conocimiento enciclopédico y sin duda de los mejores tecladistas que haya dado la música moderna.

Antes de pasar al análisis de la grabación que nos ocupa, quiero hacer mención del vocalista de este grupo Francesco Di Giacomo a quien considero una de las voces más características del rock italiano, su estilo de cantar es de los mejores que haya escuchado en toda mi vida, vocalista poderoso, con una voz privilegiada y que sabe transmitir el sentimiento que contiene la melodía, con ritmos desgarradores y al mismo tiempo melancólicos, un artista en constante evolución y que no sacrifica la arquitectura melódica y se afirma un temperamento tempestuoso y un maestro virtuoso en el arte de las vocalizaciones.

Es este su primer disco titulado del mismo modo que el grupo (BMS) y que es una de las joyas Progresivas del rock hecho en Italia de principios de los años 70’s. y que junto al primer disco de PFM, considero que son de los dos más poderosos discos debuts que hayan salido en ese año por (gran año por cierto para el rock italiano), y fundamentales si se quiere conocer el desarrollo del genero Progresivo en este país. La multiplicidad de ritmos, el color que les imprimen a las composiciones, los armonías difíciles y laboriosas, los ritmos extraños y disonantes, son poemas acabados que valen por su amplio aliento, su noble emoción sus líneas ya planas, ya móviles su expresión generosa aquí y contenida allá, su atmósfera nostálgica y a veces agresiva, creada por la parte de la instrumentación, rica en musicalidad y poderosamente evocadora.

El bajo de Renato es poderoso y sublime, discreto y taciturno a la vez, pero eficaz y sobrio en momentos de gran tensión musical, no hay duda que es de los bajistas menos reconocidos, pero si de los más diestros y con un gran sentido del acompañamiento y la improvisación (escuchen el pasaje de Metamorfosi minuto 4:20 en adelante). Calderoni lo considero de los mejores bateristas que haya dado el Progresivo, con un extraordinario instinto en aplicar los más disonantes ritmos que uno se hubiera imaginado y los aplica con la gracia del maestro y se afirma como un grande en hacer minuciosas pero efectivas tonalidades percutidas, con grandes redobles y con registros de hasta ritmos de 6/8 y con cambios sorprendentes, ritmos colosales y manejo de una melodía expresa.

La guitarra de Marcello es de las mejores que haya escuchado y que realizo una extraordinaria labor tanto en este disco como en el “Darwin!” (segundo disco de BMS) Y una parte del “Io Sono Nato Libero”. Músico preciso, teje grandes acordes y melodiosas líneas en su guitarra, tanto eléctrica como acústica, armonista consumado, (escuchen el delicioso y delicado pasaje de guitarra en Il Giardino del Mago minuto 10:30 ) con un gran sentido por la tonalidad y evitando el uso de los riffs genéricos del rock, opta por tocar a la manera de los grandes madrigalistas y laudistas ingleses, posee la entonación armónica mas sofisticada y con un toque mediterráneo que brinda frescura y gracia, no exenta de pasajes agresivos donde demuestra su potencial.

Antes de pasar a las canciones, quiero resaltar el punto acerca de la producción del disco, a mi me parece una producción muy aceptable en cuanto a sonido, (similar a esos discos del sello Vértigo) si se pudo hacer mejor pero es bastante disfrutable la sonoridad integra del disco, es cierto también que se oyen muy al frente los teclados de los hermanos Nocenzi, y en ocasiones la voz de Francesco se oye muy bajo en la mezcla. Pero creo que estos problemas mínimos se solucionan haciendo una buena ecualización en el aparato donde se este escuchando, para verdaderamente disfrutar esta maravillosa obra de arte que es su primer disco, capital en la discografía italiana de cualquier melómano Progresivo.

1.- In Volo.- El tema que abre este esplendido disco de BMS consiste en un ejercicio polifónico acompañado de efectos de sonido parecidos a lo que supongo sonaría o como una luciérnaga metálica o a un OVNI, y un dialogo entre Francesco y Vittorio, acompañado de flauta, bajo y una muy pero muy discreta batería de Calderoni, y con un sentimiento un poco medieval, por el uso de la flauta y este dialogo esta inspirado en un poeta poco conocido de Italia llamado Ludovico Ariosto (poco conocido aquí en México, claro) es una canción extraña y la voz de Digiacomo parecería de un locutor o narrador de algún programa o libro fantástico, y lo más notorio es ese efecto de “coro” que asemejan a unos niños, pero que es un efecto también de los teclados de Nocenzi, una canción que aparenta no tener un ritmo y que sonaría para muchos como una introducción de lo que viene. Buena (si gustas de los diálogos en italiano).

2.- R.I.P. (Requiescant in Pace).- Una de las canciones icono del grupo y que contiene todos los elementos por los cuales BMS es reconocido, los largos temas, la multiplicidad de notas musicales, los cambios de ritmos, el fraseo virtuoso , el compás energético, la voz poderosa y el teclado sumamente fértil e imaginativo, Gianni nos deleita con esas notas emanadas de su piano y ejecutadas puntillosamente y que no teme las armonías duras combinado con pasajes de belleza incalculable; el ritmo de Calderoni es sostenido de una manera ágil, (6/4) pero sin ser protagonista, con redobles flexibles pero exactos, la guitarra de Todaro es simplemente genial, trazos jazzisticos, pintor tonal de la guitarra, alterándola con un efecto de su guitarra haciendo que se escuche con una especie de urgencia melancólica bien estructurada, el teclado de Vittorio es único combinando el sonido de su órgano Hammond , con un moog discreto y que en partes se escucha misterioso y belicoso, el bajo de Renato es rico en a entonación melódica, sosteniendo el ritmo y hablando un lenguaje pausado, la voz de Francesco es simplemente extraordinaria! Pagina nostálgica y soñadora y con un todo de perfección inigualable. Trasmitiendo todos los sentimientos posibles, y que revela los atrevimientos y las bellezas de la música Progresiva, sobre todo al final de la canción, trasmite un sentimiento de abatimiento que en verdad pone los pelos de punta y atraviesa hasta el corazón más duro, acompañado de un piano sugestivo y una flauta con sonidos diseminados, para pasar inmediatamente a una secuencia de órgano tocado de forma muy fulminante y a un piano que termina la canción de forma fenomenal. No hay duda que esta es verdaderamente una de las canciones más representativas de Banco y de lo mejor en el disco. Excelente.

3.- Passaggio.- Una especie de entreacto tocado por Vittorio con un tema básicamente enraizado en la tradición clásica italiana, muy evocador y bucólico y de paso demostrando el genio que posee en el teclado por parte de Nocenzi. Tocando lo que parece una espineta o un clavicordio y aparentando entrar y salir de un cuarto. Es una pequeña obra de maestría en el arte de la melodía pura y no hay duda que la línea melódica seduce el espíritu, y si se fijan estas notas son similares a lo tocado en el resto del álbum, no reproducida de forma igual, pero si con ciertos elementos semejantes. Es una investigación afligida de un sonido perdido. Muy Buena.

4.- Metamorfosi.- La pieza musical que considero “cajona”, es una obra de inigualable musicalidad y que con una arquitectura sólida , con una instrumentación rica, oculta, de imaginación sorprendente, de sentimiento muy inspirado y con melodías intensamente poéticas, hasta ahora sigue siendo una de las construcciones más perfectas del genero Progresivo, con paletas sonoras amplísimas y riqueza de estilo sorprendente, no hay duda que Banco son músicos de una creatividad realmente prodigiosa, y revela a Vittorio como sabio contrapuntista y siempre cuidadoso del plan de la obra musical, se muestra arquitecto y cree en la primacía de la forma y del fondo y exige incluso una logica de la fantasía. Músico genial el piano de Gianni embellece toda la canción de una manera muy elegante y definida, es un drama punzante donde el Nocenzi afirma su maestría, y su grandeza,. La voz e DiGiacomo es poderosa y dramática al punto operístico y que brilla como la llama chispeante. El bajo de Renato se revela al oyente como un bajista inspirado y que sabe tomar las riendas del ritmo cuando es exacto, músico audaz y buscador de nuevas sonoridades y aunado con el instinto de la forma y del relieve. La batería de Calderoni brilla por su libertad de ritmo y que anima con nuevo aliento la música, percusionista tremendo y colosal. La guitarra de Todaro es poderosa y sublime, contrapunteando al teclado y al piano de los Nocenzi, y sobresaliendo por elaborar notas poderosas y frescas con el uso prudente de un efecto “overdrive” , no hay duda que es un maestro de la guitarra. Con sus casi 11 minutos de largo esta canción empieza con un contrapunteo entre la guitarra de Marcello y el piano de Gianni, acompañados por el bajo de Renato, el teclado de Vittorio y la batería de Calderoni, con un ritmo sincopado (6/5) pero muy enérgico, para pasar a uno de los solos de piano por parte de Gianni más conmovedores que he escuchado, muy idílico y solitario, poseedor de una melancolía implícita en la ejecución me hace recordar a compositores clásicos como Beethoven o Chopin, poema profundo, intimo en los que quizá puso lo mejor de su corazón por medio de una forma siempre en renovación. Uno de mis pasajes favoritos en una canción favorita! Una serie de notas sincopadas de melodía misteriosa del moog de Vittorio irrumpe y una serie de sonidos que suenan caóticos por parte de la guitarra de Todaro, mientras Vittorio y Gianni tocan frenéticamente el teclado y el piano respectivamente, mientras que Calderoni lleva un ritmo rapidísimo, dando una sensación de vértigo al escucha , repentinamente vuelve a la calma en el minuto 3:23, con un discreto solo de teclado de Nocenzi, tocado acompasadamente, no hay duda que es un pintor de la música que aplica una estética refinada y solo escuchen ese bello pasaje del minuto 3:30 al 3:57 , increíble y onírico a la vez. Para después pasar a una parte más energética, Renato tocando en su bajo “oscuro” las notas misteriosas del teclado, mientras que Calderoni nos sorprende con un ritmo inusual y se crean por parte de Todaro y Vittorio un dialogo de sorprendente riqueza melódica. A partir de minuto 5:09 vuelven al dialogo inicial (y principal) por parte de Marcello y Vittorio, no hay duda que la música de Banco del Mutuo Soccorso anima un sentimiento místico a veces y uno dramático.

Después vuelve un cambio de ritmo que se impone con el bajo de Renato y unos solos esparcidos del piano de Gianni y el teclado de Vittorio, creando una especie de transición hacia un ritmo más lento y más suave, la guitarra de Marcello brilla por su tonalidad, por su gracia sentimental y mediterránea, y da paso a la sereña voz de Di Giacomo que nos vuelve a estremecer con sus registros bajos y altos. Afirmando una vez más que es un gran vocalista, que canta las piezas musicales con soltura y con un estilo animado y conmovedor. La canción finaliza con un ritmo apresurado, similar al de RIP, con un excelente ritmo de Calderoni, y Vittorio nos receta unas armonías elaboradas y que se escuchan sumamente Progresivas, unos acordes excelentes y pesados de la guitarra de Todaro, y finaliza la obra con unas vertiginosas melodías al piano de Gianni, en fin una de las mejores y mas acabados ejemplos de un rock Progresivo combinado con mucho clasicismo y demasiado cambios rítmicos considero que es la mejor canción del disco. Excelente.

5.- Il Giardino del Mago a) ...passo dopo passo... b) ...chi ride e chi geme... c) ...coi capelli sciolti al vento... d) Compenetrazione .- La canción más larga del disco y que se encuentra dividida en cuatro partes, una obra a ratos muy abstracta, con largos trabajos de teclado y piano por parte de los hermanos Nocenzi, excelente guitarra de Marcello y un bajo firme, con notas fundadas en la escala cromática por parte de Renato y una batería por parte de Calderoni, que a mis oídos es de lo mejor que he escuchado en mi vida, la voz de Giacomo fluye de una forma fogosa a una forma melancólica o trepidante en cuestión de minutos, demostrando que es un asombroso genio de la forma, el ritmo y la melodía.

La obra que considero “épica”, por su longitud y su concepto, se divide en 4 partes, la primera a) ...passo dopo passo... Empieza con un misterioso órgano tocado por Vittorio y que es como si fuera desvelando un lugar de ensueño y en penumbra, acompañado de un piano ascendente y descendente al fondo y un ritmo acompasado de Calderoni y un bajo que se limita a acompañar el tono de la melodía. Y apareciendo unos coros por parte de los Nocenzi. En el minuto 2:09 aparece la guitarra de Todaro tocando las notas musicales principales de una manera furiosa, con un efecto “overdrive” y en el minuto 2:52 se vuelve a repetir el ciclo musical, pero ya con la presencia vocal de Di Giacomo acompañando la melodía con un tratamiento vocal que simula, al principio, un lamento pero que después va tomando fuerza vocal y con muy buena factura musical. También reluce un clavicordio al fondo y que supongo es tocado por Gianni. “e passo dopo passo con le spine ormai nei piedi tanto stanco stanco.” nos lleva a la segunda parte.

b) ...chi ride e chi geme... Principia esta parte con un ritmo dinámico por parte del grupo, Todaro utiliza de manera muy inteligente la guitarra, evitando usar los genéricos “riffs”, sustituyéndolos con acordes efectivos y melodiosos, la batería de Calderoni lleva un ritmo fundado en 18/8 que este gran maestro de las percusiones domina sin problemas, y resalta el dialogo que se hace entre Di Giacomo y los hermanos Nocenzi, y donde estos demuestran sus dotes vocales, sin embargo palidecen ante la potencia y firmeza de la impresionante voz de Di Giacomo, lo bueno es que lo compensan con su velocidad, empuje y sentido contrapuntístico en los pianos y teclados, el bajo de Renato va construyendo melodías agradables y sosteniendo la estructura primaria de la canción. Después de la parte del dialogo, Vittorio y Gianni nos muestra la capacidad y velocidad que poseen en ambas manos y juntos van tejiendo sendos solos de teclado de manera, casi orgiástica, como si quisieran acabarse el teclado, notables improvisadores y a quien su imaginación creadora parece no tener limites y después de un pequeño pasaje de tipo “Floydiano”, pasan a la tercera parte.

c) ...coi capelli sciolti al vento... Inicia terminando el pasaje “Floydiano” con una notas de Gianni, quien posee una inspiración en las grandes compositores del piano y que va construyendo las líneas principales de esta parte, aparece la voz de Francesco de forma elegante, y va deslizándose de manera gradual en la melodía de la canción y el clarinete de Vittorio acompañando con notas desperdigadas. Un pasaje musical de mucha belleza sugestiva y escucho la música similar a los madrigalistas italianos del siglo XVI. Hace presencia la guitarra acústica de Todaro tocando unos elegantes arpegios, lo que le da todavía una mayor connotación mediterránea, creo que son músicos extraordinarios y de gran maestría polifónica y destaco ese dialogo entre la guitarra de Marcello y la voz de Di Giacomo que es realmente muy melancólico y recrea una atmósfera tornasolada y misteriosa, propio de espíritus elevados y sublimes.

A partir del minuto 11:14 el bajo de Renato nos acelera el ritmo de manera vertiginosa y seguido de la batería de calderoni y la guitarra (eléctrica) de Marcello, comienza un breve solo de clarinete ejecutado por Gianni, e inmediatamente empieza un trepidante solo de teclado Hammond por parte de Vittorio que demuestra su técnica certera, audaz e improvisadora, y que el Clarinete de Gianni va persiguiendo a través de la canción. Eventualmente el grupo va elevando la música a un pathos de sublime hechura y finura, mientras Calderoni va manteniendo un ritmo muy apresurado y constante, alternado percusiones y terminando con un duro redoble de un timbal.

d) Compenetrazione.- La ultima parte de esta gran obra “homérica” de este excelso grupo italiano, empieza por recrear el pasaje tocado con inspiración madrigalesca, en la tercera parte, me parece como una especie de exposición de los opuestos , la gran guitarra de Todaro brilla por su forma su finura y su inspiración sonora, los teclados de los hermanos Nocenzi se sitúan en la cúspide de la melodía y la voz de Di Giacomo navega por las aguas de la inspiración poética., afirmando que es un músico que es capaz de conmover y que esta dotado de una rara intuición del timbre y sensibilidad majestuosa.

En el minuto 15:37, cambia la dinámica musical, apareciendo la sólida guitarra de Marcello y el bajo de Renato, recreando la temática de la primera parte de esta “epopéyica”, obra , con intervenciones muy precisas de Vittorio en los teclados y que le da buena alternancia al tema musical, a partir del minuto 16:55 vuelven al ritmo de 18/8, donde el grupo demuestra que su concepto musical esta enraizado firmemente en las entrañas del rock Progresivo y que el desarrollo clásico y su constante búsqueda de las sonoridades más sutiles crearon esta obra maestra que vale por su desarrollo armónico, su temática compleja y sus pasajes de belleza incontestable.

6.- Traccia.- La ultima pieza musical del grandioso disco de Banco del Mutuo Soccorso y también de las más conocidas por los aficionados al grupo. Es un desarrollo contrapuntístico de nivel muy complejo, sobre todo si se pone especial atención entre el trabajo del teclado y el piano de los Nocenzi, y como la batería de Calderoni va construyendo complejos poli ritmos a través de furiosos redobles y entre los rapidísimos pases del piano y los teclados, el bajo de Renato se ancla en ritmo de 6/8 y que le da a la obra, solidez y estructura amplia. La guitarra de Marcello aparece tardíamente, pero lo hace con un genial fraseo de guitarra e inmediatamente se coloca junto al bajo, dándole una potencia adicional al ritmo que va marcando Renato. Adornada con coros, cortesía de los Nocenzi, y que le da un marcado acento de medievalismo italiano, combinado con un rock progresivo muy energético, finalizando con un órgano al mas puro estilo de J. S. Bach.

Esta es una de las obras más completas y complejas que haya escuchado del rock Progresivo mundial, verdaderamente es impresionante lo que el grupo realizó en este disco y que demuestran una libertad de ritmo, un carácter y un dramatismo que animó con un nuevo aliento al rock Progresivo. Sus grandes emociones, sus líneas, su fuerte evocación, y donde se afirma un temperamento poderoso y una maestría absoluta en la música que dejan como testimonio este gran álbum.

Dedico esta reseña a mi primo y gran amigo Victor M. Castillo Martinez.

2006 José Alberto Muñoz Flores.

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ROVESCIO DELLA MEDAGLIA

2006-12-11T20:22:00.000-08:00

Il Rovescio della Medaglia Io Come Io.

Año: 1972.

Canciones:

Io (6:36)

Fenomeno (9:04)
a) Proiezione
b) Rappresentazione
Non Io (6:12)
Io come Io (7:03)
a) Divenire
b) Logica

En el año de 1972 el rock Progresivo italiano estaba desarrollando casi todas las vertientes que existían en este naciente genero, como muestra están los trabajos de Banco del Mutuo Soccorso, Premiata Forneria Marconi y Le Orme , entre otros muchísimos grupos, pero lo más remarcable es la pronta madurez de muchos de ellos en su sonido y que casi todos ellos competían con las grandes nombres del rock Progresivo mundial, sea el caso de Yes, Génesis, Emerson, Lake and Palmer (ELP), y King Crimson, entre otros.

No hay duda que grandes nombres muchos de estos grupos italianos y que su real y verdadera influencia la ejercían con las presentaciones en directo y la divulgación de su obra, en este caso con los discos y sencillos que aparecían en el marcado nacional y mundial.

De entre todos ellos hay un grupo que inicio formalmente actividades a finales de 1970 llamado Il Rovescio della Medaglia y la publicación de este, su segundo disco titulado Io Come Io, que es una de las joyas escondidas del Rock Progresivo, llenas de hallazgos armónicos de muy fuertes sonoridades, con un sonido subyugante y una línea marcadamente y orientada al sonido duro, pesado del Rock Progresivo. Y que contiene uno de los mejores y más logrados trabajos hecho entre las melodías tocadas por una guitarra distorsionada y un bajo eléctrico, que usando un efecto de distorsión conocido como overdrive y fuzztone, crea el sonido más pesado que he escuchado en un instrumento de estos y que retumba como gigante en todo el disco, sin duda tocando las más salvajes y “crudas” notas musicales, armonías y riffs que recuerde de un grupo Progresivo!

El grupo se encontraba integrado por Enzo Vita.- guitarra, Pino Ballarini.- vocales y flauta, Stefano Urso.- bajo eléctrico y Gino Campoli.- batería y esta formación que es una de las mejores que hayan salido del rock Progresivo italiano nos ofrece este gran disco que no es muy conocido por la mayoría de los aficionados al rock Progresivo, sin embargo es de los albumes más complejos en cuanto a sonido y ejecución de los temas, prácticamente son 28 minutos de la mejor forma de tocar un disco conceptual, que en este caso es sobre la filosofía de Hegel, que habla sobre la relación de sujeto objeto , pero sin embargo, lo que sobresale no son el contenido de las letras, sino la ejecución musical que es de altísimos vuelos, una interacción entre la guitarra de Vita y el bajo con efecto overdrive y fuzz por parte de Urso, tocando pequeñas escalas clásicas destiladas directamente de los maestros italianos y alemanes, y que pocas veces se han hecho de esta forma; maestros del contrapunto, con notas sutiles e innovadoras, esa interacción entre estos dos grandes de su instrumento es llevada a cabo con singular maestría en todo el disco, y con variaciones ornamentales improvisadas, pero con temas muy concisos, minuciosamente realizados y prodigiosamente ejecutados, que sorprenden al oyente por la sutileza, fuerza y entrega que hace cada cual en su instrumento, la batería a cargo de Campoli , muy discreta pero esencial, y la voz de Ballarini que en toda la grabación , es puntual y por su temperamento dramático, sus armonías modernas va colmando de nueva savia la interacción del grupo.

Un sonido muy dominante, furioso y muy poco característico en la escena italiana de aquel entonces y que considero uno de los discos más pesados que se haya hecho en aquellas latitudes, y que en todo el tiempo aprovecha el sonido del bajo obstinado para recrear un ambiente misterioso, oscuro y místico, que me recuerda a lo hecho por el excelente bajista de Black Sabbath Geezer Butler y que empleó en sus primeros trabajos con aquel grupo. Aunado a lo anterior también la guitarra eléctrica de Vita ejecutada magistralmente y combinando excelsos acordes y riffs muy pesados, con delicados y breves pasajes acústicos que encajan a la perfección con la atmósfera oscura del disco.

Creo que es uno de los mejores discos que se han hecho en aquel país y que sin embargo sufre aun del desconocimiento de esta mágnum opus por la mayoría de los admiradores y especialistas en Rock Progresivo, ya que para el año 1973 este grupo grabaría lo que se considera su obra maestra: Contaminazione. Tendiendo a devaluar injustamente a este disco, objeto de la reseña y al primer álbum llamado La Bibbia de 1971.

Hay que mencionar también que la producción del disco esta muy bien realizada, en términos generales, a pesar que no se note mucho el trabajo del baterista , ya que la guitarra y el bajo avasallan mucho el sonido. La portada también tiene una historia interesante, las primeras ediciones contenían una moneda de metal que fue diseñada por el artista florentino Brandimarte, esta edición es muy rara ahora.

Las siguientes ediciones salieron con un fondo plano, oscuro como se ve al principio de la reseña y otras que contenían un hoyo en el lugar donde estaba el medallón. Al final de la reseña pondré imágenes de estas para su apreciación y también con base en este punto me gustaría resaltar que en la mayoría de las obras Progresivas, las portadas o tapas de los discos eran parte esencial dentro de la grabación o álbum y que reflejaban la actitud o la atmósfera que el disco quería transmitir y que, en la mayoría de los casos eran unas verdaderas obras maestras.

Pasemos a las canciones:

1.- Io.- La canción que abre este disco basado en la obra del filosofo alemán Hegel , con un gong al principio y posteriormente y excelente fraseo de parte del bombo de Campoli para empezar el furioso intercambio de notas ente Urso y Vita, que, como cascadas dominan al oyente y que muestran un verbo inagotable , con pasajes en donde simplemente no dejan respiro, ya que pasan de un ritmo a otro, de una serie de notas a un cambio polifónico y refinado que, tal cual trineo, te va llevando a que aprecies la maestría, soltura y poder de la forma de tocar de este gran grupo y que demuestra la flexibilidad de la melodía aunado con el riguroso contrapunto, característico de la escuela romana. Creadores de notas armónicas, polifónicas, muy agresivas y que dentro de esta pieza musical encuentro riffs mucho muy pesados que se combinan con el tratamiento del efecto que ocupa el bajo eléctrico y que realza ese poderío que trasmite. Sin lugar a dudas es un enérgico comienzo de disco. Excelente.

2.- Fenomeno.- Esta canción se divide en dos secciones que se titulan a) Proiezione y b) Rappresentazione , de hecho empieza muy parecido a Io pero después entran unos coros realizados por los músicos (muy característicos de aquellos años y tipo Uriah Heep) y a continuación una enérgica guitarra acústica hace su aparición, ejecutada magistralmente para aparecer el dúo bajo/guitarra con su sonido avasallante y realizando unas escalas simplemente deliciosas y que nos demuestran la creatividad, elegancia y conocimiento profundo del espectro musical cromático, sin duda un lenguaje dinámico y que es música descriptiva, dramática y desbordante , por el minuto 4:00 aparece la guitarra acústica, recreando un ambiente clamado pero no pastoral, más bien oscuro y muy espiritual y que la flauta ejecutada por Pino embelesa dicho ambiente, asimismo la voz de este mismo, se va acoplando parsimoniosamente, al ritmo acompasado de la melodía, no hay duda que Rovescio della Medaglia se caracteriza por el vigor y el brillo de sus composiciones y esos interludios magistrales creados son de una grandeza excepcional. Pero a partir del 6:10 nos muestran un furioso contraataque por parte de todo el grupo, una verdadero desenfreno musical, que va con un ritmo rabioso abriéndose paso con notas duras y elaboradas y que sin perder la línea oscura que tiene el disco, nos llevan a un final evidentemente de antología, llenos de cólera, van remontando notas, escalas y poli ritmos feroces para coronar una de las mejores canciones del Progresivo y con uno de los mejores ejemplos de combinación de rock Progresivo con marcados elementos pesados en su estructura y que también contiene todos los elementos musicales de este gran grupo romano. En cuanto a las letras siento que el grupo tomo prestado de Hegel algunos párrafos de la Fenomenologia del Espíritu (libro principal de Hegel), y lo adaptó al concepto del sujeto-objeto que querían mostrar en el disco, y que es uno de las características del pensamiento filosófico del idealismo alemán y que con este filosofo llego a su máxima exposición. Excelente.

3.- Non Io.- se podría decir que es la canción más tranquila del álbum?, tal vez pero créanme que contiene también, ese característico elemento pesado que tiene este grandioso disco, un empiezo muy pastoral y un poco melancólico, pero de esa melancolía ausente, extraña y mística y que la bella flauta acompaña de manera apartada y distraída. Después de un pequeño interludio pesado, Pino nos deleita con su voz (que por cierto no aparece mucho en toda la grabación), acompañada de unos sencillos acordes de la guitarra y el bajo de Ursa recordándonos que de cualquier momento a otro, se desata como dragón endemoniado. Solidó trabajo de batería por parte de Gino y que en todo caso mantiene un ritmo incesante y franco, posteriormente de un brillante solo de guitarra de Enzo, en el minuto 4:49 al minuto 5:12 se escucha un finísimo pasaje musical donde Ballarini me recuerda lo hecho por grupos como Uriah Heep, Osanna o Premiata Forneria Marconi , un interludio evocador y muy poético al mas puro estilo Progresivo italiano, no hay duda que Rovescio della Medaglia brilla por su equilibrio soberano de elegancia refinada, de seguridad de toque y de consición que no siempre se da en muchos grupos. Y finalmente el grupo nos receta una vez más esa dupla Enzo/Stefano, que con una serie de notas explosivas en sus respectivos instrumentos, proceden a un asalto auditivo de grandes proporciones, con notas, sonidos y armonías, que causarían la envidia de grupos como Led Zeppelín o Black Sabbath, (y que recuerdan lo hecho por el grupo en su anterior álbum la Bibbia), sin duda una pieza musical sobresaliente. Excelente.

4.- Io come Io.- Ultimo tema de este majestuoso disco y que también se divide en dos subtemas a)Divenire y b) Logica y que contiene probablemente el riff más pesado y lúgubre que haya escuchado, son 7:02 minutos que no dejan respiro, ni piedra sobre piedra, es como si le hubieran dicho al grupo: “adelante a tocar a todo lo que dan”, y el resultado denota un temperamento rabioso y preciso que no desprecia las disonancias mas sutiles, que saben manejar el contrapunto con libertad y que demuestran la fineza detrás de toda ese sonido brutal , con un ritmo acompasado y extraño de parte del baterista Campolli y una excelente voz melodiosa por parte de Ballarini, hacen que el dueto Enzo Vita y Stefano Ursa brillen en lo alto, con este estilo barroco de tocar las notas mantienen un contrafuerte de la melodía de manera tan sólida y constreñida que uno escucha como van estrujando las armonías ,el ritmo y la sincopa, sin parar, y con una fuerza realmente monstruosa, me atrevería a decir que es la canción más pesada jamás grabada por algún grupo progresivo en Italia, y lo digo con base en la estructura musical que emplean. También hay que remarcar el gran uso de los timbales que hace Pino a partir del minuto 4:00, dándole un tono de raro lucimiento a la canción. No hay duda que el grupo son músicos y compositores de sorprendente fecundidad, al final emplean un ritmo eficiente y fresco, combinado con la guitarra/bajo , y con un correcto solo de guitarra, sin duda una pieza musical fuerte y absoluta, como la filosofía Helegeliana!!! Excelente.

Finalmente hay que agregar que por su concepción del cromatismo, por dar a cada línea amplitud y elegancia desacostumbradas, un excelso refinamiento polifónico, combinado con un ritmo incesante y fiero. Y todas las canciones contenidas se caracterizan por una estructura hábil, donde priva la melodía y donde el grupo se complace en valorizar los diferentes planos sonoros, los juegos y los timbres del instrumento así como la interacción barroca de la guitarra y el bajo que denotan a todas luces la influencia de músicos como J. S..Bach o Vivaldi, y que uno no las reconoce por la forma tan acometedora de tocarlos hace que este sea una pieza esencial de cualquier colección Progresiva.

2006 José Alberto Muñoz Flores.

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