Los 20 años de un ensueño: "When Day and Dream Unite" de DREAM THEATER.

HOLA AMIGOS DE ZAFRETH, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

El presente año 2009 significa el vigésimo aniversario del debut fonográfico de DREAM THEATER, banda no pionera pero sí impulsora del género prog-metal. Precisamente fue este disco veinteañero titulado “When Dream and Day Unite” el que ayudó a gestar todo un parámetro para la susodicha vertiente musical, parámetro basado en la sólida confluencia entre la faceta estilizada del rock pesado y metalero (IRON MAIDEN, METALLICA, DEEP PURPLE) y la pomposidad más notable del progresivo (YES, ELP, RUSH, KANSAS): de este modo, la brecha abierta por FATES WARNING y QUEENSRŸCHE empezaba a desembocar finalmente en un mar de posibilidades sonoras que por aquel entonces resultaron particularmente inspiradoras, no solo por su ya patente complejidad performativa, sino también por el tipo de osadía que implicaba el generar una propuesta de tales ambiciones en un ámbito comercial que cada vez más se resistía a dar plena cabida a géneros rockeros que demandaran escuchas atentas y pacientes.

Después de iniciarse como un ensamble instrumental denominado MAJESTY y ver transitar un par de veces a vocalistas que no lograban encajar dentro de su tortuoso mundo musical, “When Dream and Day Unite” mostraba a un DREAM THEATER conformado por Charlie Dominici (voz), Kevin Moore (teclados), John Myung (bajo), John Petrucci (guitarras) y Mike Portnoy (batería y percusión). Una característica llamativa de Dominici es su rango de tenor altísimo, hallándose a medio camino entre Geddy Lee (RUSH) y John Arch (FATES WARNING), aunque con un estilo un tanto meloso que lo ubica más cerca del estándar del AOR. El disco empieza con un poderoso ‘A Fortune In Lies’, llamativo por su patente reciclamiento del estilo METALLICA con la adición de atmósferas y orquestaciones de teclado que apelan tanto a Geddy Lee como a Rick Wakeman. Otro tema con gancho es el instrumental 'Ytse Jam', en el que se mezclan la magia de RUSH y la fuerza de IRON MAIDEN, recicladas por el sello personal de DT – bien merecido tiene este tema su sitial como símbolo de lo mejor de DT en esta primera etapa, un tema muy querido por los fans y conocedores. Los mayores atractivos de este disco se suelen encontrar en los temas más extensos, que es donde DT encuentra espacio suficiente para desarrollar múltiples ideas y conjugarlas en una unidad complicada y bien integrada, y los casos más emblemáticos de ello son 'The Killing Hand', ‘Light Fuse and Get Away’ y 'The Ones Who Help to Set the Sun'. La primera y última son sendas mini-suites que tienen en común un cierto carácter trágico tanto en su lírica como en su ambiente musical, mientras que la de en medio explota lo metalero con un boato tan exigente como bien ejecutado a través de sus intrincadas (y a veces un tanto abruptas) variantes de ambiente y motivo. Por su parte, 'Fortune Seeker' y 'Afterlife' apelan a sonoridades un poco menos tortuosas, acercándose más a los estándares del rock duro de tendencia AOR y al heavy metal “convencional”. En mi opinión, la canción de cierre ‘Only a Matter of Time’ supone el cénit de este disco: aquí encontramos un sólido realce del aspecto sinfónico de DT en conjunción con una ingeniosa recapitulación de los recursos metaleros que abundaron en todo el repertorio, amén de una muy inspirada letra a cargo de Kevin Moore.

Ya con su segundo disco “Images and Words”, el cual mostraba a James LaBrie como nuevo (y definitivo) vocalista del grupo, DREAM THEATER instalaba su sendero de robustecimiento y madurez, siendo así que todavía son muchos los que piensan que se trata de la obra definitiva de DT. Pero este disco será motivo de otro aniversario posterior: en el momento presente, brindamos por los 20 años de “When Dream and Day Unite”.

Las evocaciones sonoras de SENOGUL - una gema metaprogresiva del año 2009

HOLA AMIGOS DE ZAFRETH, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Ahora que se va acabando julio, regreso a este blog para hablarles de “Concierto De Evocación Sonora Para Conjunto Instrumental”, segunda obra fonográfica de SENOGUL, banda española que encarna una de las propuestas más sólidas de progresivo contemporáneo. Después de ofrecernos con su homónimo disco debut de 2007 un catálogo de exquisito eclecticismo donde convivían el sinfonismo, la fusión y la psicodelia, “Concierto De Evocación Sonora Para Conjunto Instrumental” surge en 2009 como todo un deleite de magnífica envergadura; un disco portador de una magia peculiar donde el grupo luce tanto su lucidez perceptiva de las raíces sónicas más íntimas como su sapiencia arquitectónica sobre la articulación musical.

El hecho de que el quinteto haya contado con una cantidad enorme de colaboradores y que no haya seguido una pauta estructural común en todos los temas de repertorio sirve para dar forma definitiva al rico viaje sonoro que el grupo había proyectado para este segundo disco. Elementos de World-music, fusión y ambient son los más recurrentes en esta magistral ejercitación de evocaciones sonoras que ora se muestran envolventes, ora se tornan sugerentes, ora se explayan en recursos oníricos y surreales. ‘Itamaracá’ abre el disco con una cálida candidez apoyada en el acordeón y el saxo barítono, siendo así que un reprise del mismo tema con solo de acordeón habrá de cerrarlo. En el ínterin, nos encontramos con estupendos despliegues multicolores. Hay temas de talante predominantemente percusivo en los que se exploran inquietudes ritualísticas y celebratorias, como en ‘Siete Lunas (La Canción del Nómada)’ y ‘Terra–Terreiro’. También tenemos un tema como ‘Swaranjali (Sangama Mantra)’, cuyo prólogo y epílogo se focalizan en un motivo de cítara, mientras que buena parte de su cuerpo central está ocupada por un lento motivo psicodélico en el que unas guitarras sutilmente crimsonianas aportan un eficaz aire de grisácea densidad, nada chocante. 'De Nooijer' comienza con un ambiente etéreo, portador de una melancolía espacial que finalmente aterriza en un clímax sinfónico calmo y envolvente. ‘En Permanente Estado de Vigilia’ y ‘Lughnassad’ prácticamente son encarnaciones puras de lo ensoñador, la suave y misteriosa liviandad del flujo pensante humano al servicio del sonido, recursos musicales vanguardistas dispuestos como telas de sábanas que arropan nuestras mentes en ese inescrutable limbo que llamamos mundo.

“Concierto De Evocación Sonora Para Conjunto Instrumental” es un disco hermoso y misterioso, una exhibición sónica frente a la que las palabras son vanas, y con eso incluyo a esta misma reseña que escribe un servidor. Como sea, espero a lo sumo haber llamado un poco la atención de los lectores para así manifestar mi total aprecio por SENOGUL y su obra. ¡¡Totalmente recomendado!!

"Part the Second" - gran aporte progresivo de maudlin of the Well para el año 2009

HOLA AMIGOS DE ZAFRETH, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

MAUDLIN OF THE WELL, así se llama un ensamble estadounidense de progresivo vanguardista que, en realidad, es uno de tantos proyectos dirigidos por el multi-instrumentista (principalmente guitarrista) Toby Driver. Habiendo gestado una obra preciosa dentro de KAYO DOT el año pasado con “Blue Lambency Downward”, ahora como parte del quinteto MAUDLIN OF THE WELL nos entrega “Part the Second” a fin de aportar una etérea y multicolor prestancia al rock artístico del 2009. Como al grupo le gusta poner en minúscula la letra inicial de la primera palabra, a veces se usa el diminutivo mofW para designar a este ensamble en cuestión. El espectro sonoro nuclear de este grupo apunta a mantener siempre altas dosis de exquisitez, no tendiendo realmente a boatos magnificentes ni pomposidades patentes sino más bien a ingeniosas texturas y atmósferas de corte otoñal, casi surreal.Con una carrera fonográfica iniciada en 1996 y tras pasar un hiato producto del desbande ocurrido en 2003, “Part the Second” resulta el cuarto disco oficial del grupo (que también ha editado varios demos anteriormente), y se puede descargar directamente de la página web de motW en varios formatos – para más detalles, sírvanse consultar el enlace http://www.maudlinofthewell.net/downloads.html

‘Excerpt from 6, 000, 000, 000, 000 Miles Before the First (Revisitation of the Blue Ghost)’ abre el disco con casi 11 minutos de deleite etéreo donde la luminosidad opaca del atardecer inicial y la bruma inapelable que precede al latente anochecer se alternan y/o combinan de manera totalmente fluida. El ambiente intimista queda debidamente reforzado por los arreglos de cuerdas y el hermoso solo de guitarra acústica, haciendo así al adusto canto susurrante que emerge en varios pasajes. Al llegar al quinto minuto y medio, los instrumentistas se engarzan en un crescendo bien sostenido cuyo clímax no dura demasiado, en verdad, pero que abre la puerta para la retoma del motivo central con un toque extra de psicodelia lisérgica, muy a lo "indie". ‘Another Excerpt – Keep Light Near You, Even When Dying’ comienza como un ensueño distante llevado conjurado por la arquitectura de violín saxo barítono y caja musical sintetizada, antes de que el arribo de la batería haga que el ensamble entero ofrezca una cadencia jazz-rock para el desarrollo de un motivo mayestático, casi sinfónico. El solo de guitarra es poderoso, logrando lucirse debidamente antes de la emergencia de una alternancia entre motivos sincopados y otros más constreñidos. La coda resulta en un despliegue de melancolía mística. 'Rose Quartz Turning to Glass' suena como una combinación de chamber-rock y fusión, explotando inteligentemente el lado más amable del R.I.O. A pesar de ser solo una invitada, Mia Mtsumiya se prodiga mucho en sus intervenciones al violín. Las partes finales se focalizan en una exhibición no demasiado compleja pero sí patentemente ágil de rock progresivo alimentado de vibraciones modernas. Aunque pueda no parecer obvio al comienzo, el siguiente tema ‘Clover Garland Island’ aplica bastante espacio para mantener el momentum heredado del tema precedente. La presencia de un interludio basado en espartanos acordes de guitarra y flotantes cuerdas aporta un importante espacio introspectivo, antes de que la batería ingrese para intensificar las cosas por un rato, aunque el núcleo conclusivo de la pieza permanezca sólidamente nostálgico. En fin, los últimos 11 minutos y pico del álbum están ocupados por ‘Laboratories of the Invisible World’, tema fácilmente designable como el pináculo indudable del mismo. Comenzando bajo parámetros rítmicos lentos, la pieza no tarda mucho en expandirse en un giro hacia atmósferas explícitas y desarrollos rítmicos versátiles. La densidad bombástica logra expresar una suerte de rabia mística, que se siente tan cósmica como robusta. La coda se resuelve al modo de un MOGWAI o un TORTOISE enfrascado en una banda sonora para un filme de David Lynch, pero ciertamente se nota que estamos disfrutando del estilo propio de motW. Los hermosos pasajes de piano de cola con que culminan este tema y el álbum nos despiden con un aura de inmaculada distinción.

Escuchar “Part the Second” es una experiencia totalmente recomendable para cualquier melómano exigente, y especialmente para todo melómano progresivamente obsesivo como quien esto escribe. MAUDLIN OF THE WELL es una banda a descubrir, si es que no se ha hecho eso todavía.

Gentle Giant - Under Construction

Boxset/Compilation, released in 1997Songs / Tracks Listing
Disc 1 - Entirely Unreleased Material 1. Radio Bit (0:13) 2. Freedoms Child (3:57)3. Hometown Special (4:24) 4. Weekend Cowboy (3:46) 5. Bringing Me Down (5:50) 6. Nothing At All (8:23) 7. RONDO: Playing the Game (1:33) 8. DVS Guitars (6:28) 9. Robin Hood (1:40) 10. Interview Whispers (1:04) 11. Interview - Live (7:00) 12. Timing - Live (9:49) 13. Unreleased Civilian track (4:59) 14. You Haven't a Chance (4:12) 15. Sample Archive - freely usable (9:18) Disc 2 - Demos and Out-takes 1. The House The Street (1:50) 2. Prologue (0:40) 3. Schooldays (2:54) 4. Peel The Paint Demo (0:22) 5. Peel The Paint Studio (4:22) 6. Mr Class & Quality (3:02) 7. Advent of Panurge (0:56) 8. "SHH" (0:15) 9. An Inmates Lullaby (3:37) 10. Way of Life (7:07) 11. Experience (6:51) 12. So Sincere - Demo (3:30) 13. So Sincere - Studio (3:28) 14. Intro 74 (2:29) 15. Cogs In Cogs (1:43) 16. Intro 76 (1:44) 17. Just The Same (1:34) 18. Free Hand (2:58) 19. Time to Kill (3:32) 20. Interview Demo (2:02) 21. Give It Back (2:23) 22. Design (0:46) 23. Another Show (2:24) 24. Empty City (3:36) 25. I Lost My Head - Demo (2:31) 26. I Lost My Head - Studio (1:41) 27. Convenience (1:03) 28. Freedoms Child - Demo (3:18) 29. Kerry (0:01)

Total Time: All this on two CDs packed with nearly 150 minutes of music.

Line-up / Musicians
- Gary Green / all guitars

- Kerry Minnear / keyboards, vocals

- Derek Shulman / vocals

- Ray Shulman / bass, acoustic guitars, backing vocals

- John Weathers / drums, backing vocals

An excellent collection of rare Gentle Giant material spanning over their career, with stuff like unreleased songs and live tracks, demo's and out-takes and other stuff that should be of interest to any Gentle Giant fan. It's interesting to hear how they "constructed" the songs here (hence the title "Under Construction") and in total, you get nearly 150 minutes of GG rarities that is definetely worth the price you pay for it if you are interested to hear how this band constructed their songs and other rare material from them. Many songs here, notably the unreleased songs from their debut LP days, have excellent sound quality as well, though not always. Defenetely a must for fans! (review by BJ1 from progarchives.com)

Link.:

http://rapidshare.com/files/255138884/GG1998UC_byJack.rar

PETER GABRIEL en Lima - 20 de marzo

HOLA AMIGOS DE ZAFRETH, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Tengo ahora el enorme agrado de reseñar para todos ustedes el extraordinario concierto que PETER GABRIEL ofreció, acompañado de su banda de apoyo, la noche del 20 de marzo en Lima, más precisamente, en la Explanada del Estadio Monumental (distrito de Ate). Este evento resultó una tremenda ocasión de música espectacular, excelentes despliegues visuales, vigor y emotividad conjugados en un ambiente de comunión entre artista y público. El aura de GABRIEL es de por sí algo innegable, y él sabe valerse de su carisma y sensibilidad tan propia para crear puentes de conexión con su público, siendo así que además su propio repertorio histórico tiene grandes niveles de eclecticismo e ingenio como para cautivar a cualquier público que tenga ante sí: esa noche del 20 de marzo el público peruano pudo constatar empíricamente que la reputación de GABRIEL como creador e intérprete estaba justificada con creces. En esto de tender puentes con el respetable también ayudó su manejo de textos en nuestro idioma para exponer los significados de varias canciones, textos que él pudo leer con aceptable soltura.

Encargado no solo de cantar su material, sino también de los teclados en varios pasajes del concierto, el héroe de la noche estuvo acompañado de un sexteto de apoyo compuesto por Tony Levin (bajo, stick, contrabajo eléctrico y coros), David Rhodes (guitarra eléctrica, efectos, percusión y coros), Richard Evans (guitarras eléctrica y acústica, mandolina, percusión y gaita eléctrica), Melanie Gabriel (coros, percusión y samplers), Angie Pollock (teclados y coros) y Ged Lynch (batería y percusión). Rhodes y Levin son colaboradores de larga data – Levin llega tan lejos en el tiempo como el mismísimo disco debut del Maestro, y dando muestras de que es un público conocedor, el respetable limeño le proveyó de los más intensos y largos aplausos a la hora de presentar a la banda. También es verdad que GABRIEL no puede con su orgullo de padre y artista ante su hija Melanie (quien incluso se hizo cargo del canto principal en la balada acústica ‘Mother of Violence’, gema olvidada del “2”), presentándola en más de una ocasión. Pero más allá de la ágil solvencia de Levin y la fineza de Rhodes, también cabe destacar la firmeza con que Pollock cumplía con su relevante labor en las teclas y la robustez pletórica que Lynch generaba desde su asiento tras los tambores de su batería. Cada componente del ensamble instrumental estaba en su sitio adecuado, sin por ello dejar de hacerse notar a fin de que el colorido del repertorio saliera a relucir tanto en los pasajes más texturiales como en los más enérgicos.

Y bueno, el ambiente estuvo servido desde el inicio, anunciado con una pista de “Passion” (esa estupenda banda sonora que GABRIEL ideó para la película de Martin Scorsese “La Última Tentación de Cristo”), para luego engarzarse con la secuencia sintetizada de ‘Rhythm of the Heat’. Es un rescate de gran altura retomar esta pieza para iniciar un concierto, pues su pulsación neurótica y su intensidad telúrica dan la sensación de que hay algo misterioso que está dejando de ocultarse para mostrarse en toda su magia. La fuerza del clímax de esta canción fue debidamente seguida por ‘On the Air’, pura exhibición de polenta donde lo exquisito y lo potente se conjugan en una sola fuente sonora: primeros lucimientos de Levin haciendo un breve solo de bajo con un sonido distorsionado. ‘Intruder’ aumenta la sensación de inquietud y neurosis instalada por las dos primeras piezas: no es tan frenética pero sin duda es capaz de motivar auténtica excitación melómana con esos ambientes tan oscuros plasmados sobre el esquema rítmico tribal instalado por el baterista. No me esperaba que la última línea “I am intruder” fuera gritada de esa manera, pero ciertamente GABRIEL logró con ese sencillo gesto redondear la idea. La excitación sigue pero esta vez en una clave más amable y pegadiza: ‘Steam’ nos trae parte de lo mejor de GABRIEL en su faceta popera, siendo como es amante del funky y del R’n’B, y gustando como gusta de revestir a su faceta más ligera con ornamentos preciosistas. Es fácil para muchos críticos especializados describir a este tema como ‘Sledgehammer no. 2’, pero en lo personal me parece una canción mejor armada, pues la labor de las guitarras y los arreglos de metales tienen una mayor dosis de expresividad. Siguiendo con el álbum “Us”, GABRIEL ofreció a continuación una de las canciones más sentimentales del mismo – ‘Blood of Eden’, canción auténticamente arquetípica del GABRIEL intimista post-“4”, la cual fue ejecutada con nervio y buen gusto. Menciones especiales van para los llamativos despliegues visuales relativos a estas dos canciones.

El filo rockero regresa con dos canciones del “3”: ‘Games Without Frontiers’ y ‘No Self Control’, ambos beneficiándose de la sonoridad llena aportada por el ensamble instrumental. En su momento, estos temas encarnaron (junto con ‘Intruder’ y ‘Biko’) el surgimiento de la marca musical PETER GABRIEL, y ahora cuentan con armazones particularmente coloridos que les permiten envejecer bien en el nuevo milenio, 28 años después de sus primeros registros. Tal como señalé anteriormente, Melanie Gabriel asumió el rol de cantante solista para ‘Mother of Violence’, canción que supuso un momento de respiro en medio del implacable despliegue de energía que estaba teniendo lugar. Y vaya si no era necesario este momento de respiro, pues cuando el Maestro volvió al escenario, fue el turno de ‘Darkness’. Esta canción volvió a explotar las potencialidades más neuróticas del evento, y justamente su esquema, donde se contrastan abiertamente los pasajes extrovertidos e introvertidos, le permitía transmitir el desasosiego e inquietud inherentes al terror a la oscuridad. El juego de luces arreglado para esta canción estaba milimétricamente ajustado al ambiente de esta canción. ‘The Tower That Ate People’ enfatizó el nivel de energía que el evento había alcanzado en ese momento, claro que esta gema de “Ovo” tiene menos de la grisácea densidad de ‘Darkness’ y tiene raíces más fuertes en el pop-rock étnico que GABRIEL casi ha patentado desde mediados de los 80s. ‘San Jacinto’… bueno, ¡¡‘San Jacinto’ fue el cénit de la noche!! La integración tan fluida entre canción, imagen y atmósfera fue brutal, creando un ensueño viviente sobre el escenario que me hipnotizó hasta el punto de casi hacerme creer que estaba soñando lo que estaba viendo. El ensamble elaboró magistralmente el contenido crescendo que conforma el cuerpo central de la pieza, con un GABRIEL que logró una de sus mejores actuaciones de la velada. La coda redondeó la idea con una magia inapelable: el público reaccionó bien al juego de luces dirigido por el Maestro.

‘Down to Earth’ y ‘Solsbury Hill’, cada uno a su manera, trajo un poco de calidez al asunto: ‘Down to Earth’, canción muy popular por lo de la película “Wall-E”, aportó ese candor pop-fusionesco en compás de 6/4 que lo hace contagioso sin mayores aspavientos; ‘Solsbury Hill’ es ya todo un himno a la vida rural y a empezar de nuevo, una canción que nunca envejece. ‘Secret World’ y ‘Sledgehammer’ se pusieron sobre los hombros el entusiasmo que ‘Solsbury Hill’ había encendido en el público. ‘Secret World’ es una canción típica del GABRIEL que se consagró en la escena pop de la segunda mitad de los 80s y primera de los 90s: esta canción portadora de un romanticismo optimista cala hondo como manifestación especial del sonido GABRIEL. Justamente la marchosa y señera ‘Sledgehammer’ fue la pieza que inició el ascenso por la escalera de la fama, y fue recibido por el público como todo hit lo merece: el tarareo de las armonías iniciales de metales al compás de Levin y Lynch auguraba un nuevo momento de fiesta en el respetable. Pero aún quedaban más momentos de intensidad emocional en reserva: ‘Signal to Noise’ encarna un pico de conmoción espiritual dentro de “Up”, e hizo lo propio en su aparición dentro del repertorio de la noche. A través del sencillo esquema armónico que completa el esquema compositivo de ‘Signal to Noise’, el mayor punche de la pieza está en las densas atmósferas que se van desarrollando en el camino, entre celebratorias y nostálgicas. El espíritu del difunto genial cantante paquistaní Nusrat Fateh Ali Khan fue reavivado a través del recurso del sampleo, mezclado con el canto afanoso de Melanie (aunque ciertamente no fue su mejor momento en la noche, pues ella se vio fácilmente sobrepasada por el canto inmortal de Nusrat). La fuga paulatina de cada miembro del ensamble a medida que se aproximaba la conclusión del tema era un anuncio de que el fin ya se estaba sintiendo en el aire, tras 2 horas de concierto – el primer verdadero conato de despedida llega con ese hermoso himno romántico que es ‘In Your Eyes’, todo un canto de redención y rendición al amor. Esta canción tiene suficiente “personalidad propia” como para hechizar de entrada con esa cadencia rítmica tan típicamente afro-latina y esos acordes básicos de piano. El breve solo de teclado a cargo de Pollock estuvo espectacular, aportando salero a la extensión improvisada. Siguiendo con los climas cálidos de “So”, ‘Red Rain’, otro clásico infaltable de GABRIEL, siguió aportando en esta atmósfera de despedida un motivo para seguir gozando con esos ritmos contagiosos y esas texturas envolventes tan bien dadas a transmitir melancolía en un clima de buena onda. Tras la despedida de rigor (chiste incluido con el septeto haciendo la reverencia de espaldas al público), GABRIEL retornó con Levin (al contrabajo) para tocar la intimista ‘Father, Son’, posiblemente el momento más inmediatamente vulnerable de la noche. Una vez terminada esta mirada hacia el ámbito interior del amor familiar, el grupo completo regresó al escenario para que GABRIEL abordara una mirada final hacia el entorno mundial. ‘Biko’, canción emblemática del mejor rock comprometido, cerró la noche con un esplendor bien llevado: los colores de la gaita eléctrica y el esquema percusivo armaron la excelsa arquitectura global de la pieza, mientras parte del público fervientemente acompañaba al Maestro en su canto. Teniendo en cuenta que el Perú es un país particularmente sensible a la cuestión de los derechos humanos, la inestabilidad institucional, el terrorismo y el abuso de poder, ‘Biko’ es una canción que se presta mucho a ser significativa más allá de su temática específicamente sudafricana.

El repertorio del concierto fue como sigue.-
1) Rhythm of the Heat

2) On the Air

3) Intruder

4) Steam

5) Blood of Eden

6) Games Without Frontiers

7) No Self Control

8) Mother of Violence

9) Darkness

10) The Tower That Ate People

11) San Jacinto

12) Down to Earth

13) Solsbury Hill

14) Secret World

15) Sledgehammer

16) Signal to Noise

17) In Your Eyes

18) Red Rain

19) Father, Son

20) Biko

Bueno, como nota anecdótica, señalo la actuación del grupo telonero THE BLACK SWAN EFFECT, presentado por el mismo GABRIEL antes de su propia actuación. No era un grupo muy llamativo ni tampoco muy original, patentemente enmarcado en la onda “Indie” y sin asumir demasiados riesgos dentro de sus bien definidos parámetros,… mejor lo dejamos ahí.

Siguiendo con PETER GABRIEL, cabe señalar que él hizo algunas variantes en el repertorio durante su periplo sudamericano: por ejemplo, ‘Father, Son’ no fue ejecutado en Caracas pero fue introducido en Lima; en Argentina, GABRIEL añadió ‘Big Time’; en Chile, GABRIEL disfrutó del apoyo musical de parte del ensamble Inti Illimani para interpretar ‘Wallflower’. Fue un gusto ver a PETER GABRIEL, uno de mis máximos héroes musicales, tan cercano a la sesentena y en tan buena forma, tanto creativa como performativamente. Este repertorio que incluye tantos temas de sus primeros cuatro álbumes (presencia decreciente para sus giras de “Us” y “Up”) tuvo algo de nostalgia, pero mucho más de revitalización. Fue uno de los mejores espectáculos musicales jamás dados en el ambiente limeño.

Me despido con los siguientes tubitos tomados de este evento que acabo de reseñar.-

Steam: http://www.youtube.com/watch?v=VoICWjhW-yA

Solsbury Hill: http://www.youtube.com/watch?v=S1cgijlf7xM

Sledgehammer: http://www.youtube.com/watch?v=bUXkIu5LLMM

In Your Eyes: http://www.youtube.com/watch?v=nTErXgE5rE4

Red Rain: http://www.youtube.com/watch?v=vIafpYi1IBM

Biko: http://www.youtube.com/watch?v=vwZ2dgeLiXY

Remodelación de Zafreth Muy pronto

Amigos del blog, tengo el placer de anunciarles la proxima remodelación del blog.

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Ahora cada entrada del blog aparecera el disco con una reseña escrita por mi en español y en ingles.

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Voy a eliminar todos los albumes que no tengan reseñas, se que se pueden encontrar en otros magnificos blogs.

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Esten pendientes y muchas gracias por su atención y lectura.

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Friends of the Zafreth blog i have the pleasure to announce you the reborn of this blog.

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From now on each post will be the album and a review of english and spanish.

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I´m going to eliminate all the previous entrances that have no review, i´m sure that you can find in other stupendous blogs those discs.

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Please be aware and thank you for your kindness

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All the Best.

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Zafreth Muñoz.