domingo, 17 de diciembre de 2006

St. Mikael - 1994 - Psychocosmic Songs

Para un servidor el mejor disco de St. Mikael!!
Proxima reseña!!1
01 Intro The Veil
02 1000 Dreams Of Love
03 The Psychcosmic Tree
04 Mesozoikum
05 Visions Of The Dinosaurs
06 The Eternal Spirit
07 Like A Dream
08 The Sailor
09 Fire Soul
10 Like A Dream (Reprise)
11 Finale

St. Mikael su Historia...

Perdon pero la informacion esta en ingles, espero traducirlo pronto!!!
Ahi esta!!!
S.T. Mikael


Visions of a Trespasser (XMMS-1 1989)
Visions of a Trespasser box (XMMS-1 1989)
The Unknown (XMMS-2 1991)
Claustromania (MS-3-XMLP-1 1991)
Visions of a Trespasser 2nd Edition (XMMS-1 1993)
Psychocosmic Songs (XMLP-4 MS-4 1994)
Soul Flower (SUB XMLP-11 1996)

S.T. MIKAEL: Visions of a Trespasser
Recorded in his bedroom and it´s so beautiful! Best psych album since the early 70´s! - Stefan Dimle, Mellotronen, Sweden

This basement acid tripper exists briefly in the real world of vinyl! Folk rocky melodic elements flow with waves of heavy fuzzphase leads. A weird detached haunted vocal echoes over the band and the whole thing seems to teeter on the brink of psychedelic oblivion’s. Not revival either. One of the big unearthings in resent memory. Joyride thru an altered state! – Monster time! - Paul Mayor, X-tabay/Parallel World, USA.
This is so mind twisting, soul swirling, upper psychedelia that your third eye takes you on a cosmic journey through the dark ages of Serpents, glimpses of Gyrax, the land of Fauns, the mystic Orient, dark forests, angels of doom and the dreams of Eternity...this is some of the places and events the Saint brings you to on his masterpiece. I give you a 100 % money back guarantee if you don`t love this album! - Jorn Andersen, Rock Garden, Norway.
Incredible mind blowing psyche! The best album of the last years...only 150 copies made and destined to the highest ranks of collectordom! -Walter Geertzen, Belgium.
ST Mikael...distorts instruments other people don’t even dream of using and displays a cunning understanding of vocal phrasing and harmony as well as playing the hell out of his guitar in a really nice, understated way... -Ptolemaia Terrascope, England

S.T. MIKAEL: The Unknown (XMMS-2 1991)
Real disturbed garagy psych with his tormented vocals, guitars and a total homemade obscure vibe to it...tremendous acid bird cover painting. -Gregg Breth, USA.
Fantastic Swedish of the best of the last year! - A Trip With Mushrooms, Netherlands

S.T. MIKAEL: Claustromania (MS-3-XMLP-1 1991)
The latest from underground-scene heavy psych one-man crew of angels & psychedelic flashes. This LP makes your brain start thinking in those pebble splash pond mind circular expanding waveforms that people on this vibe await the returning ship their roots sent out to bring back the password to tomorrow. - Paul Major, Parallel World, USA.
Soulful music clothed in flashing psychedelia! His best, the highest ranks! – Länstidningen, Sweden.
Features a bunch of atmospheric psychedelic pieces, with phased vocals, melodic mellotron pieces and guitars on a slow burning fuse! Plenty of wig lifting material here...” -Freakbeat, UK

S.T. MIKAEL: Psychocosmic Songs (XMLP-4 MS-4 1994)
”A new album by the Swedish multi-instrumentalist ST Mikael...with a hand painted cover and a colorful booklet filled with drawings, comics and a picture story about Evolution on Earth. It’s impossible to compare him and his music with any other group or artist. On this record he plays guitars, sitars, turkish saz, drums, congas, tablas, organ, moog and does all the vocals. Some of the best tracks here is in that new, truly original style he has made his own. He will probably be one of the future-legends of the Psychedelic Music...” -Old Man Willow, Norway.
”His 4th LP makes new references between the electric and acoustic instruments, which contributes to the new consciousness condensing the moments of insight!” - Rockerilla, Italy

S.T. MIKAEL: Soul Flower (SUB XMLP-11 1996)
"This double LP is the best album he ever released, but it’s his most unconventional as well. The four sides of "Soul Flower" all bear a different character: Side A is more or less the S.T: Mikael we know from previous LPs: the melancholic psychedelic singer/songwriter who records all his twisted songs on his home equipment with a skill and a passion seldom demonstrated elsewhere. Highlights here are the pounding "Godly" and the moody "Beyond the Haze". Side B is the strangest but also one of the best. ST Mikael experimented with Turkish ethnical instruments and musical style elements, resulting in the magnificent title track, the intriguing "The Titans" and the exotic, fuzzy "The Turkish Flower". Side C brings songs from one session and it shows ST Mikael in a very emotional, spiritual mood; he sings and plays his songs with the intensity of a young Tim Buckley. Highlights here are the long, semi-instrumental "Moving...Together" and the elegant "She Came With The Spring". Side D only features two tracks; the dreamy, soft "The Night Stars" and "Summer In My Life", a long jam (filling almost the entire side) recorded in the In Deep-studio with backing by Adam Axelzon and other friends."/" All of this resulted in an utterly stoned, mind lifting instrumentation with layers of exotic percussion, sitars going overdrive, spacy keyboards and burning guitar lines, an absolute best on an album full of high-quality psychedelics. ST Mikael proved once again to be a gifted songwriter and an unconventional performer with a very personal ear for acoustics and an emotional honesty seldom seen these days." – Crohinga Well/Belgium

Here at last is a chance for the world to join in, and pick up some bonus tracks along the way. His recording has a homemade charm with wah-wah fuzz guitars, keyboards, sitars and primitive psychedelic effects. You do get the feeling that Mikael actually lives the lifestyle rather than just emulating it. His soaring vocals, surreal lyrics, fragile, folky melodies and penchant for the spiritual and mystical make this altogether a fascinating voyage. – Record Collector magazine (UK)

Mikael Sundtsröm (aka S.T. Mikael) was born in Södertälje, Sweden March the 27th, 1963. His father was a jazz swinging plumber and his mother was an innocent forest girl. He was a lonely, introspective boy who developed a bizarre imagination and an obsession for everything odd, mysterious and supernatural in life. His head was filled with images from Sci/Fi-Fantasy and Horror movies and books, but he also built his own dream worlds with creatures, characters, phantoms and prehistoric images in his drawings, comics and short stories. At 15 he picked up his mothers old guitar and started improvising and recording music. At the age of 19 - in 1982, he tried to find members for a group, but it took him until 1985 when he joined a garage-combo called ”Dickie Dickhead and the Outcast” as a lead guitarist. Although it brought many laughs and good fun into his heart and the fact that they developed from ”the worst and unintentionally most absurd band in town” to a serious and expressive experimental rock band, he left after two struggling years to form his own group. The trio ”The Twilight Souls” , was where he could sing and play his own compositions. He tried to fuse heavy rock and soul music with psychedelic influences which can be heard on the title track of his ”Unknown”-album. During this time he searched for the psychedelic experience and took his first dose of LSD. Because of exhaustion and inability to secure any gigs the band broke up in 1988. After this he gave up the rock´n roll band dream, understanding that there wasn’t anyone in town that had the same psychedelic ambitions as he had. With no expectations for the future he continued working with his ideas and primitive home recordings.

In 1989 he moved to Stockholm where he met Stefan Kéry, a psychedelic connoisseur, and gave him a cassette with some of his many recordings. To Mikaels great surprise he found that the tape was received with great enthusiasm and an album was soon made out of that very tape. The album was titled ”Visions Of A Trespasser” and was released early 1990 in an edition of 150 copies only. The album cover featured a colorful, organic vortex with images of beings of the galaxy in it painted by Mikael. Each and every record had differently hand painted labels. The album was mainly distributed among friends. It showed his very personal style of music covering all kinds of musical directions, all laced with the psychedelic sound. Among these ”not-meant-to-be-heard-by-others”-recordings you will find unbelievable sound’s from tea-balls, spoons and boilers. Except for the 3 studio tracks which was recorded together with a friend, he played everything himself - singing through his guitar-amp and using a pitched guitar for a bass.

In March 1991 he released his follow-up, ”The Unknown” , an odd home cassette- collection with new old haunting songs. The album was distributed the same way as the first one.

After forming Xotic Mind Productions Stefan Kéry let him go into a 8-channal studio and Mikael built up a whole new album all by himself (the only way he knew to work) step-by-step, beginning with the drums and nothing else but except a good memory! The result: ”Claustromania” (meaning: manic obsession for locking oneself in, which derives from the introspective state of mind he always go into while creating!) . The music is filled with pulsating, organic expressions, always emotionally gripping with his soulful voice. The album has a circular concept: The songs about other worlds, man against infinity and the human mind, soul and spirit are linked together with small musical inventions building a story that never ends, ending the way it started, starting the way it ended. The composition also reflects his past life of loneliness and emptiness that now has been replaced by a new existence of love, happiness and possibilities. Mikael says “Claustromania” also is an homage to LSD which helped him make the transformation possible.

His creative years had only begun. In 1994 Mikael wrote a book with novellas in the horror-fantasy tradition crammed with drawings done during the last 15 years and drawn, copied and shaped 4 volumes of comic-fanzines - all still available in Swedish only! He acted in a 16mm film and in his own 3 fantasy video films as well as taking acting- and dancing- lessons! During the years he has been invited to participate on other Xotic Mind projects, like playing sitar on Adam Axelzons well-received ”Eura”album and with sitar and Tablas on the ”Gnostic Mass”-LP by The Entheogens, an improvisation-group he joined together with Adam Axelzon, Måns ”Word of Life”Månson and Stefan Kéry, among others.

In January 1994, people Xotic Mind released S.T. Mikaels new album ”Psychocosmic Songs” which was even better received than any of his previous LPs. The LP was recorded in a modern, high-tech studio. This time the tracks was a mixture of acoustic and electric singer-songs painted with sitar and tabla jams, heavy fuzz guitar sessions and airy, pulsating sounds done in the same step- by-step method like Claustromania! Although it is serious and soulful in tone, ST Mikael himself says he misses the playfulness and vitality which is more prominent in his home recordings.

In the spring of 1994 ST Mikael was living in a rented house with a beautiful garden of fruits, berries and flowers. For the first time he found an immediate presence of self confidence and also a more emotional and limitless way to express himself. In changing direction from somewhat stylish compositions to more improvised-on-the-spot creations he found that the happiness of a live-performance could be caught on a Pot-induced multi tracked solo recording.

During 1994 he made a huge collection of organic home recordings, far away from any inexperienced studio-technician, planning to release some of the material as a new album. With the addition of the extended studio track ”Summer In My Life” , which was recorded by an experienced crew and with additional musicians like Adam Axelzon. Xotic Mind released it in 1996 as a double-album - titled Soul Flower. As always - with a homemade painting on the cover. It can be seen as a rock opera without a plot, an invitation to a small living room full of impressions of many far away places.

During the years that passed since that album, St Mikael seemed to become more secretive and reclusive, but still making home-made music. Some of this music, still stretching out in many different musical directions,has been done freely and spontaneously in an extremely relaxed and happy environment, and has been compiled into the home-made double CD "Mind Evolution", which is not really an official album.In the last few years, Mikael has renewed his lifestyle, has found love in Cheska, an American woman, and has travelled around in Europe, and recently in the USA. He has also taken up studies in English and Playstation 2. Anyhow, he has not stopped doing what he has been doing since a young teenager. He plays in a halfimprovising trio called "Just Beyond" featuring guitar, drums, vocals and bambooflute. The projects of the future includes, besides a brand new album, a Best Of CD, and more comic books.

St. Mikael - 1991 - Claustromania

Otro de sus grandes discos!!
01 Prisoner
02 Vault
03 Claustromania
04 Spirit 1
05 Venus And Beyond
06 Before Your Eyes
07 Time Caravan
08 Spirit 2

09 Polaris
10 Soul Ritual
11 A New Era
12 Androgyno's Song

St. Mikael - 1988 - Visions of a Trespasser

Este es uno de los mejores musicos de tierras escandinavas que haya existido, escuchenlo para que vean por que!!!
proxima reseña!!
01. The Serpent (8:36)
02. Dagon (4:27)
03. Heading For The Sky (3:48)
04. Microworlds (4:53)
05. Bom Bom Mahadev (3:59)
06. The Soul Searcher (3:51)
07. In The Forest (3:35)
08. Calling The Djinn (6:56)
09. Dreams Of Eternity (5:59)

10. The Voice (6:26)
11. Seed Of The Sun (5:50)
12. Universe (5:36)
13. Where Can I Go, Why Can't I Se (6:18)
Total time: 70:14

jueves, 14 de diciembre de 2006

lunes, 11 de diciembre de 2006

Le Orme Contrappunti.

Le Orme Contrappunti

Año: 1974



Frutto acerbo



La fabbricante d'angeli



Le Orme en 1974, saca al Mercado el disco titulado Contrappunti, sin duda uno de los discos más “clásicos”, de esta agrupación italiana que se conforma por Toni Pagliuca Teclados, Aldo Tagliapietra - voz, bajo y guitarra acústica, Michi Dei Rossi – Batería y percusiones y apoyados en esta ocasión por el gran pianista Gian Piero Reverberi, en algunas canciones en la producción de este disco. Considero que es uno de los puntos más álgidos en su discografía, comparable con el Felona e Sorona y Uomo di Pezza, sin embargo, es una obra más abstrusa y difícil de escuchar, en algunas partes asimismo también creo que contiene mucho de los elementos (embrionarios aun), del Le Orme 77-80, sobre todo en las partes acústicas, pero de todas formas en este álbum hay para todos los gustos del Rock Progresivo, desde ataques frontales con el Hammond de Pagliuca (e.g. “Contrappunti”, “Maggio”), baladas acústicas progresivas , con un toque romántico y delicado por parte la magistral voz de Tagliapietra (e.g. “Frutto Acerbo”, “La Fabricante d’ Angeli”), y melodías muy sui generis para el rango leormeniano (e.g. “Aliante”). Independientemente de lo anterior es sin duda el último gran disco de la etapa más Progresiva de Le Orme, y en algunas canciones es simplemente impresionante. Aun así yo creo que el disco tiene una especie de “concepto” aunque no es muy aparente a primera vista, pero a partir de “Aliante” siento que existe una conexión musical con el resto de la obra, ya que las armonías son muy similares en determinados intervalos musicales, asimismo es el ultimo álbum de los 70’s con ese sonido tan característico del teclado de Pagliuca, al estilo de ELP y también en el cual el tecladista lleva la batuta sonora con la prominencia de estos al frente del disco; de todas maneras creo que el disco por si solo es uno de los albumes claves de la discografía de Le Orme, menos sinfónico que “Felona e Sorona”, y en partes parecido, pero no igual a “Uomo di Pezza”, un trabajo impresionante en el departamento de las percusiones por parte de Dei Rossi, y razón por la cual es considerado, uno de los mejores bateristas de Italia. El bajo de Tagliapietra aquí es un poco más discreto, cumplidor en la mayoría del disco, pero efectivo cuando se requiere, los teclados de Pagliuca, simplemente deliciosos, con mucho trabajo en el órgano Hammond y los sintetizadores y de pasada demostrando por que es considerado uno de los grandes de los teclados, la voz de Tagliapietra… bueno esa voz tan características por parte de el y que admiro sobremanera, como siempre de lo mejor, y uno de los elementos por el cual Le Orme es único como grupo.

Aquí también es bueno que se destaque el trabajo de Gian Piero Reverberi como pianista, sin duda demostrando que es uno de los mejores pianistas que haya participado en un álbum de Rock Progresivo , su calidad, velocidad y sentido de la melodía, armonía y timbre, lo caracterizan, así como la integración total al grupo, por que si uno no supiera que esta colaborando en el grupo, fácilmente se pensaría que es el mismo Pagliuca tocando en “overdubbing”, asimismo también este gran pianista participó en la producción de este disco que en términos generales esta bien hecha, destacando todos los instrumentos y muy pulida en algunos aspectos (e.g. el principio de la canción “India”).

Como nota adicional es necesario comentar acerca de la portada que me recuerda al volcán Vesubio, y que en algunas partes de las canciones, sobre todo en “Notturno” y “Maggio” al escucharlas se me imaginaban las horas previas de la erupción de este volcán en Pompeya, debido a lo tenebroso de los temas señalados, sin embargo la canción de “Maggio” habla de otra cosa por lo que este comentario es fruto de mi imaginación, sin embargo los invito a escucharlos y figúrense esas horas previas en la ciudad romana….

En fin creo que este es un disco indispensable de esta gran agrupación, con temas fuertes, difíciles de escuchar, un poco introvertido, con muchos elementos de contrapunto, con ritmos Progresivos muy interesantes, a veces superando lo hecho en “Felona e Sorona” y que, sin duda no debe de faltar en cualquier colección Progresiva que se precie de serla.

Pues pasemos a las canciones:

1.- Contrappunti.- El tema que abre este singular disco de Le Orme, tocado con un tecladista y un pianista, realmente le hacen honor al titulo de la canción, e inmediatamente después empieza un ataque frontal por parte de Pagliuca y Reverberi, alternando notas y contrapunteándose, mientras que Dei Rossi va llevando el ritmo acorde a la intensidad mostrada por parte de estos músicos, Tagliapietra va marcando el ritmo sin mayor relieve, y realmente es la pieza más impresionante del álbum, muy compleja, muy al estilo de Keith Emerson y con mucho órgano Hammond. Se disfruta mucho el contraste entre el piano acústico de Reverberi y los teclados de Pagliuca, acentuados por el ritmo magnifico de Dei Rossi, y considero que es uno de los mejores temas del disco y también uno de las mejores melodías de todo el Rock Progresivo Italiano, tocada con fuerza, ritmo y candencia es algo que nadie debe perderse!. Excelente.

2.- Frutto acerbo.- Una finísima balada por parte de Tagliapietra y Co. Y que considero es uno de los sellos que definen la música de Le Orme, muy buenas letras escritas por parte del celebre bajista, un ejemplo:

“…repeat to my father that the soup is getting cold…silence toward home, his cold hand…” and “…the winter then came behind the sun, great and white…how much, how much love was bursting inside me…”.

y aquí toca la guitarra acústica, con un simple arpegio de notas creando una excelente muestra de cómo el elemento romántico de la música italiana, combinado con el Progresivismo de Le Orme, producen una verdadera obra de arte musical, considero que es la canción “cajona” del disco y los paisajes musicales que producen la entonación de Tagliapietra es simplemente ensoñador. Canción muy pastoral y en ratos melancólica e invernal, y que probablemente serviría de ejemplo para canciones de futuros discos como “Verita Nacoste” o lo hecho en “Storia o Leggenda” , pero con nulas influencias “popperas” . El piano de Pagliuca aquí muy atmosférico , tocando algunos timbres musicales, y notas que se adaptan a la perfección con la atmósfera de la canción. El Mellotron aqui crea también paisajes muy evocadores aunque discretos. Muy buena.

3.- Aliante.- Melodía dispar que el grupo graba en esta obra, creo es el “relleno” en este disco, con un ritmo de 7/8 al estilo de lo hecho por Génesis en “Supper’s Ready” sobre todo en la parte de “Apocalipsis in 9/8”, otra vez Pagliuca resaltando con el trabajo de los teclados y creando una melodía que se escuchara a partir ahora en todas las demás canciones siguientes, creo que aquí empieza esa sensación de “concepto” que muchos sentimos que tiene implícito este álbum , por una continuidad aparente entre canción y canción, la batería de Dei Rossi va siguiendo las pautas señaladas por el teclado y se limita a seguir el intervalo impuesto por los teclados, aun así creo que es el tema menos “brillante” de todo el disco, pero en ratos es disfrutable, lo remarcable es que es algo que Le Orme no había hecho antes buena pero no excepcional. Regular.

4.- India.- Pasamos a otra de las mejores canciones del disco con esta evocadora melodía al país asiático, sin duda se explora con los ritmos orientales que por primera vez hacen su aparición en la discografía del grupo italiano en comento, un exquisito trabajo por parte del bajo eléctrico de Tagliapietra , llevando un ritmo muy extraño pero efectivo y esto acompañado por buenas armonías del sintetizador de Pagliuca, y tratando de imitar el sonido del sitar en los teclados, aunado al ritmo que al ser en una escala diferente de la occidental, deja un sentimiento de misterio y de penumbra… también se crea una atmósfera precaria a lo largo de toda la canción con los elementos que se comentaron líneas arriba, pero lo único que no me gustó es que la duración de la canción sea tan corta, aun así es de lo mejor en esta obra. Muy Buena

5.- La Fabbricante d'Angeli.- A partir de aqui todas las canciones del álbum en comento, son de primerísimo nivel y empezamos con esta magistral composición, sin duda de lo mejor que Le Orme creo en este disco, excelentes letras, que se disfrutan aunque no se sepa el idioma italiano, así como un esplendido trabajo de Pagliuca en los teclados, en verdad la voz excelente de Tagliapietra crea un ambiente celestial que transmite la canción al oyente y la batería aquí en un trabajo muy efectivo, pero discreto, sin duda uno de los mejores momentos del disco, el intro de los pianos monumentales es muy similar a lo hecho por Triumvirat en su disco “Pompeii”, muy sinfónica, muy ensoñadora y muy poética esta es otra de las canciones “cajonas” del disco y siento que es una de las predecesoras del estilo de otra gran agrupación italiana: Loccanda Della Fate. Muy Buena.

6.- Notturno.- Otra instrumental de Le Orme y que pareciera un “outtake” de “Felona e Sorona”, excelente muestra del uso del moog para crear paisajes tétricos y desesperanzadores, una pieza instrumental muy oscura, empezando por una introducción de piano muy solitaria y posteriormente va subiendo en intensidad de oscuridad, insisto que esta melodía me hace sentir como si estuviese en las horas previas de Pompeya antes de ser arrasada por el vesubio, como si se explorara la ciudad a oscuras y al fondo, en el firmamento el vesubio a punto de hacer erupción. Muy Buena.

7.- Maggio.- La canción que cierra el disco y es una de las obras maestras de Le Orme, comparable a Contrappunti, sin duda rivaliza con esta para ser la mejor tonadilla del disco… y de la discografía de Le Orme, excelso trabajo en los teclados de Pagliuca, se escucha elementos de Yes dispersados a lo largo de esta “suite”, sobre todo a partir del minuto 2:30, muy fino realmente el trabajo de los teclados aquí. Una letra que habla sobre la situación política y varios tópicos, típicos de la Italia de los 70’s , muy buen trabajo del bajo eléctrico de Tagliapietra y por supuesto la batería de Michi que es excelente, manteniendo el ritmo por una parte y agregando timbres percusivos que hacen engrandecer la canción, sobre todo en el solo de teclado de Pagliuca a partir del minuto 5:10, el uso increíble del doble bombo de este gran maestro de la batería. Creo que es la canción que muestra la diversidad, el dinamismo y la magia (como la canción) de Le Orme, así como todos los elementos musicales , líricos e intelectuales que tienen como grupo, si quieren hacerse una idea general de cómo es Le Orme y nunca los han escuchado, esta seria la introducción ideal. Como nota anexa es una de las favoritas en vivo del grupo, desgraciadamente no la he escuchado, pero he leído que Tagliapietra se inspiro en la situación política italiana que imperaba en esos años Excelente.

A manera de final de esta reseña, no hay duda que Le Orme hizo con este uno de sus discos más “difíciles” para el oyente, pero una vez que se estudia se descubre que es uno de los mejores discos que grabo este grupo con composiciones muy complejas e imaginativas y que serian las ultimas de este tipo en los 70’s… no se encontraran grandes solos instrumentales, sino que es un esfuerzo más de grupo , dejando en segundo plano sus egos para crear magnifica música y esencial si se quiere conocer a esta gran banda italiana

2006 José Alberto Muñoz Flores.


Le Orme Felona E Sorona.

Le Orme Felona e Sorona.

Año 1973.


Sospesi nell'incredibile
La solitudine di chi protegge il mondo
Attesa inerte
Ritratto di un mattino
All'infuori del tempo
Ritorno al nulla

Para muchos especialistas y aficionados del rock Progresivo, esta obra de 1973, es la quintaesencia de toda la carrera de Le Orme, el punto más álgido de su carrera y el álbum más acabado de cuanto hayan grabado, como se puede observar al buscar información de este disco en Internet. Nadie puede quedar indiferente ante lo hecho por estos excelentes músicos , quienes, conservando la alineación formada por Toni Pagliuca – Teclados, Aldo Tagliapietra - voz, bajo, guitarras y Michi Dei Rossi - batería, percusiones, ofrecen una obra que en verdad se puede resumir como la cristalización de todos los conocimientos musicales, de las influencias adquiridas y de su grandiosa imaginación, una obra donde se expresa el amor y se exalta la gloria y que sin duda esta es música descriptiva, dramática y simbólica. En esta grabación Le Orme utiliza un lenguaje más colorido, mas humano y atormentado, que se enriquece con las formas melódicas o armónicas, con textura y timbre; adicionalmente esta suite tiene un concepto muy interesante, que trata sobre la vida en dos planetas que tienen una estructura idéntica, pero que la diferencia radica en que uno se ve favorecido por el Creador y el otro simplemente se las arregla como puede, las mismas letras reflejan el carácter épico y mitológico que tratan de dar a entender al oyente y así ser transportados a este universo, encantado y sugestivo, obviamente la música contribuye largamente a que se entienda la atmósfera reinante en estos dos mundos que han sido nombrados Felona y Sorona y que son habitados, aparentemente por una forma de vida similar a la humana.

La letra contiene como lo señale elementos que en cualquier mitología o religión de las diferentes civilizaciones han usado cabe aquí el ejemplo bíblico de Caín y Abel, donde Dios benefició y miró con más agrado a lo que hacia Abel que lo que se esforzaba Caín y que finalmente, a diferencia de esta obra, Caín mata a Abel, sin embargo podemos encontrar paralelismos de este asesinato fraticida en Felona e Sorona, ya que el creador al voltearse a atender a Sorona, Felona inicia un decaimiento, lo que a “ grosso modo” podría representar un “crimen”.

Siguiendo esta línea de pensamiento, también se encuentran elementos filosóficos muy enraizados, como la representación de dos momentos durante una jornada, el día (Felona) y la noche (Sorona), y las diferentes formas de vida entre una y otra, así como el cambio de humor en los seres humanos dependiendo cual plano les agrada más. En el plano animal existen organismos que solo salen a buscar actividad de noche y otros que realizan sus labores durante la vigilia. Por lo que debemos entender esta obra de una manera arquetípica, es decir buscando dentro de la historia de las religiones y la filosofía las respuestas, ya que casi todas las teorías gnoseológicas y ontológicas (véase las teorías del filosofo A. Kojeve al respecto), de estas, han tratado de dilucidar esa lucha de un contraste gemelo en sí y que representa la unidad podría decirse “sagrada”, pero esto es “harina de otro costal”.

En fin la historia versa como lo dije, sobre dos planetas en los cuales son idénticos entre si, creados por una unidad divina que solo favoreció a uno de ellos (Felona) y al otro lo descuidó (Sorona), y se supone que en uno la gentes es feliz y esta realizada como seres mientras que en el otro podría ser el mismo infierno, donde solo se vive tristeza y amargura, y solicitando a la unidad divina ayuda, y a lo largo de esta admirable obra , muestra que el creador mantiene un equilibrio precario, a costa de uno de los mundos (Sorona), para poder seguir proporcionando la calidad de vida que tiene el otro (Felona), pero algo sucede que dentro de la melancolía diletante de la unidad divina creadora, y cree que es tiempo de ver hacia el otro lado (Sorona) y entonces se produce algo único en la vida de estos mundos al ser iluminados de manera simultanea y que provocaría la transformación simultanea de los mundos, cambiando lugares y por consiguiente Sorona seria el lugar privilegiado y Felona poco a poco se iría malogrando, para pasar posteriormente a una reformación y a un final apocalíptico, donde todo seria mezclado y regresado a la unidad primaria divina, o sea al Creador . lo que nos hace confirmar las teorías ya señaladas líneas arriba.

La música creada aquí es de una finísima calidad y que ha soportado muy bien el paso del tiempo, coloca a este excelso grupo en las alturas de la música Progresiva y un lugar reservado en el panteón del rock progresivo. La edición para el mercado ingles, que hizo el líder de Van der Graff, Peter Hamill sobre esta obra y un tour por Inglaterra nos confirma la internacionalización de este gran grupo Progresivo.

En cuanto a la música, Tony se afirma una vez más como el gran maestro del teclado que es, dándonos buenas dosis de órgano Hammond, Melotron y sintetizador, y haciendo gala de un estilo variado y cuya sólida escritura manifiestan su grandeza. Por su parte Aldo nos deleita con esa voz prodigiosa que es la delicia de muchos de nosotros y que, aparte de Francesco di Giacomo del grupo Banco del Mutuo Soccorso, es de las más identificables del Progresivo italiano, donde habla un lenguaje coloreado y muestra un verbo inagotable, así como la utilización de la guitarra acústica de una rara y sombría finura y el bajo donde mantiene un soberano e indiscutible equilibrio ante los demás instrumentos y finalmente Michi hace gala del conocimiento y la técnica que ostenta con los instrumentos de percusión, principalmente la batería, y los ritmos con los cuales colma las melodías y que poseen un sello de incontestable grandeza.

Derivado de lo anterior, podemos afirmar que así como la letra de esta obra, nos lleva a este universo animado y suspendido en un tiempo extraño, la música hace lo propio mostrando como la naturaleza de los sentimientos son perfectamente compatibles con las notas musicales que van construyendo una estructura única y continuada y que van pasando de la alegría sencilla (e.g. Felona) a una tristeza y desolación evidentes (e.g. Sorona, Attesa inerte), a la esperanza que da una chispa de vida (e.g. Ritratto di un mattino), y al caos y regreso a la nulidad absoluta (e.g. Ritorno al nulla), no hay duda que la obra se caracteriza por una estructura hábil y prodigiosa donde prima la melodía y donde el grupo se complace en valorizar los diferentes planos sonoros, los juegos y los timbres de sus instrumentos.

Esta obra se compone de 9 piezas musicales que van entrelazadas unas con otras, al estilo de una gran Suite y también utilizan de manera inteligente, unir las canciones de tiempo más largo con intervalos cortos, donde en la mayoría de las canciones, Taglapietra hace uso de su finísima voz y los simples pero efectivos, acordes de su guitarra acústica, para lograr de manera contundente una obra única y magistral, lo que me recuerda un poco en la opera y el teatro de Euripídes, similares aspectos que se utilizaban en esos artes (e.g. la función del coro), estas canciones son de tiempo variable y contienen la rara virtud que también es posible escucharlas individualmente y con ello no demerita en nada a toda la obra ; asimismo es también clara la experiencia asimilada en su anterior disco Uomo di Pezza, y los elementos musicales que allí desarrollaron son utilizados de manera exhaustiva en esta gran obra, pero con la diferencia que aquí el tema es más conciso, concreto y más organizado que en aquella.

Finalmente hay que hacer mención del arte contenido en el disco y que se supone representa a los dos mundos en cuestión, Felona representado por la mujer y Sorona que en este caso es una figura masculina, y que muestra una sorprendente similitud con las obras que realizo su paisano Giorgio de Chirico, a principios del siglo XX, que es de un surrealismo exquisito y misterioso, así como agobiante y enigmático., sin duda un arte muy sombrío, mostrando un pesimismo nostálgico que pocas obras, en las tapas de los discos, han logrado transmitir y ser consistentes con la música contenida en ellos, en este caso es total y absolutamente integrado con la música desarrollada aquí por Le Orme.

Pasemos a las canciones:

1.- Sospesi nell'incredibile.- Al igual que en la anterior obra de este gran grupo, inician con una pieza musical de larga duración y con cambios exquisitos que solo ellos son capaces de realizar, una pieza que sirve de introducción perfecta a lo que será esta Suite; es innegable las influencias “clásicas” y se nota a leguas el uso de Tony de la flexibilidad de la melodía en sus teclados, aunado con el rigurosos contrapunto, que va marcando el bajo de Tagliapietra y el ritmo incesante y frenético de la batería de Michi, para crear un arte superior y envidiable, pero al mismo tiempo majestuoso y glorioso, como música de los Ángeles, sobre todo cuando Aldo comienza a cantar los primeros versos de la letra, sin duda es un momento de sublimación absoluta y quien no sienta eso, definitivamente no debería de escuchar ninguna música, por humilde que esta sea. Es notorio el cambio a un ritmo más dinámico, pero que no deja de ser nostálgico, a partir del minuto 5:30 y que gracias al Hammond de Pagliuca y la línea etérea de la melodía del bajo, hacen sentir ese estado de la conciencia , que es de un abandono o una especie de aflicción difuminada, pero que seria adornada con matices extraordinarios del Moog de Tony y el ritmo decidido de la batería de Michi, haciendo gala de su minuciosidad como percusionista, sin titubeo es un pasaje mucho muy melancólico y finalizado con un mini solo de batería que, sin embargo es una forma poco común de terminar un tema en Le Orme. Excelente.

2.-Felona.-Inmediatamente se pasa a esta placentera canción, tocada por Taglapietra con una extraordinaria soltura y en base a una armonía muy sencilla, refleja el disfrute por la vida y la alegría que se supone viven los habitantes de Felona, adornada con matices pequeños pero efectivos por parte de Tony y la percusión usada por Dei Rossi con una exactitud y cuidado extremos, cual reloj suizo, pero viviente! ésta de hecho fue ofrecida al publico como Single para el mercado italiano con un buen éxito; y con un ritmo sutil y una sensación fresca, contagia por su estructura sencilla, un sonido que parece de flauta aparece casi al final de la pieza musical , para embelesar aun más el carácter festivo que contiene. Excelente.

3.- La solitudine di chi protegge il mondo.- Una de las melodías que denotan la influencia que los músicos “clásicos” como Scarlatti o Chopin ejercen en la forma de tocar de Pagliuca, un piano lleno de majestuosidad, rebosante de notas y que acompañan de manera efectiva la breve pero eficaz línea verbal que realiza Aldo, que con su impresionante voz cargada de un dramatismo discreto y que creo envidiaría cualquier vocalista de rock Progresivo, hacen resaltar esta breve pero sin duda, vistosa creación musical , muy evocadora y fantástica, también se nota un poco de inspiración caterburiana (Mike Ratledge). Excelente.

4.- L'equilibrio.- Canción en donde Pagliuca utiliza la técnica conocida como “Muros de Sonido”, y que utilizó con gran eficacia antes, el saxofonista John Coltrane, y que, aunado al fenomenal uso de la batería de Michi y a la poética voz de Taglapietra, nos ofrecen uno de las mejores piezas del disco, que describe la relación que une a los dos mundos (Felona y Sorona) así como reflejando el uso efectivo de los sintetizadores y aunado a ello el encanto, la fantasía y una serie de versículos de estilo puramente progresivo y de rigurosa polifonía, sobre todo a partir del minuto 1:40 donde se escucha el dominio del Moog por parte de Tony para pasar inmediatamente a la utilización de un piano con notas ascendentes y descendentes, que al escucharla se embarga al oyente de un sentimiento de urgencia y de rapidez equilibrada (no por ello la canción se llama el equilibrio), para finalizar con unas delicadas notas , versos y un uso firme del silencio musical. Excelente.

5.- Sorona.- Sin duda esta es de las canciones más tristes compuestas por Le Orme. Es la descripción descarnada, desoladora , sombría y apabullante de lo que es el mundo de Sorona, (véase por ejemplo lo que ocasiona la contaminación del planeta, o la matanza indiscriminada de algunas especies animales o la hambruna y pobreza extrema en algunas partes de nuestro planeta y no estaremos lejos algún día de esta descripción!!), realmente Taglapietra hace que la fuerza trágica de su interpretación cause que uno palidezca de abatimiento y aflicción por el destino injusto de los habitantes de Sorona, y se puede respirar a través de toda la obra un olor a destrucción, dolor y muerte, y que Tony acompaña con una serie de notas musicales muy parecidas a lo que se transmite con las letras de la pieza musical,( y hacer mención que esas mismas notas servirán de base al ultimo tema del disco, pero tocadas de un modo más rápido), realmente escalofriante!! Pero aqui el grupo se encumbra hasta cotas increíbles que no volverían a hacer. Por lo que la hace seria candidata para ser la mejor canción del disco. Excelente

6.- Attesa inerte.- El sexto tema de esta obra y que con un bajo descriptivo, firme y elegante que ejecuta Aldo, nos va llevando a través de la canción , que vendría a ser la más experimental de todas, con un tiempo atonal y con una serie de disonancias por parte de Pagliuca, que alterna con el sintetizador y el ritmo acompasado de Dei Rossi , van describiendo lo que las letras, a través de la interpretación de Taglapietra , les pasan a los habitantes de Sorona (que por fin ven sus mas caros deseos realizados), y que la urgencia de la composición da a entender que algo va a cambiar… para bien o para mal. Muy Buena.

7.- Ritratto di un mattino.- Una finísima melodía en la cual, Tagliapietra nos deleita con una breve pero efectiva línea vocal que dice así traducida al español: “ la felicidad usted no puede encontrarla en si misma, sino en el amor que a los otros al día usted dará!" Con el uso del sintetizador por parte de Tony de manera muy elocuente y que alterna pasajes de gozo con pasajes de desánimo, y que demuestran que el grupo son artistas de movilidad y talento inigualable, y que tienen composiciones, como esta que son muy profundas, aunadas a una flexibilidad armónica y rítmica señaladas . Muy Buena.

8.- All'infuori del tempo.- Una delicadísima y pastoral melodía basada en dos espontáneos acordes por parte de la guitarra acústica de Taglapietra , muy parecida a Felona, pero más pausada y con un dinamismo distinto, aquí la excelsa voz de Aldo vuelve a brillar en el firmamento con la descripción de la obra que nos comunica el cambio de situación en los mundos, como Sorona empieza a “revivir” y Felona a decaer, Tony crea con el uso de sintetizadores y la maestría distintiva en él , pasajes de increíbles melodías y timbres que dan un lenguaje coloreado y elegante, y Michi tocando lo que parece un ritmo extraño dentro de la estructura musical de la canción, pero que se enlaza de manera categórica en el producto final. No hay duda que estos pasajes cuasi barrocos que crean una riqueza de sonidos, y que en este caso es con base en un ritmo franco sostenido por la guitarra, son uno de los aspectos por los cuales este disco es considerado por muchos el mejor de Le Orme, realmente es una melodía portentosa y de mística inigualable. Excelente.

9.- Ritorno al nulla.- El tema que cierra la Suite presentada por Le Orme y la más vibrante, dinámica y delirante melodía de todo el disco, y que realmente refleja lo que el titulo nos dice, un final de antología, tremendo, pomposo, y que muestran los diferentes planos sonoros , los juegos y los timbres de los instrumentos que usan, con un ritmo dominante, no dando respiro al oyente, Tony luciendo el uso de prácticamente todo su arsenal armónico, melódico y contrapuntístico, que provoca una desenfreno de música y que muestra la calidad virtuosa que siempre ha poseído en el mando de sus teclados, solo escuche usted, el principio de la canción para un ejemplo tajante. Aldo con su bajo obstinado y furioso tomando las riendas del ritmo rabioso y caótico, con sobriedad y maestría y finalmente Michi multiplicando las manos para tocar de una manera soberana, desbordante y con un ritmo machacoso, extático y colosal, (mostrando de pasada como se debe de tocar el doble bombo), que deja al oyente en estado de shock por el final majestuoso y sobrehumano. La pieza musical refleja la vuelta a la nulidad, el estado primigenio en el cual todo es uno y es absoluto (al más puro Hegelianismo), y que finalmente desde allí se vuelve a empezar, me recuerda a un agujero negro cósmico, el cual absorbe y destruye todo de manera inexorable, puntual y terminante y que hasta la misma luz la desvía, dejando todo totalmente aniquilado. Se puede afirmar que es la mejor canción del disco, realmente tremenda y no apta para el que tenga afecciones cardiacas!! Excelente.

Pues hemos analizado 34 minutos del mejor y más altísimo rock Progresivo que cualquier grupo nos ha dado y seria más que decir que esta obra conceptual es uno de los ejemplos más acabados de la música de Le Orme, y que se coloca en primerísimo plano absoluto entre aquellos grupos cuya ciencia de la instrumentación, creatividad, fantasía, genio lírico y musical solo pueden solicitar nuestro asombro y admiración.

2006 José Alberto Muñoz Flores.


Le Orme Uomo di Pezza

Le Orme Uomo di Pezza.

Año: 1972.



Una Dolcezza Nuova
Gioco di Bimba
La Porta Chiusa
Breve Iimmagine
Figure di Cartone
Aspettando l'alba

Sin duda 1972 fue el año donde muchísimos grupos de rock Progresivo se catapultaron hacia lo mas alto de calidad en el genero, muestra son el primer disco de Premiata Forneria Marconi y el Darwin de Banco del Mutuo Socorrso, y también nuestros amigos de Le Orme grabaron el segundo álbum de su discografía titulado Uomo di Pezza, y que es también parte de trilogía “clásica”, y es realmente un disco verdaderamente asombroso, una sublime combinación de tonos progresivos que elevan a esta grabación a ser, para muchos, el disco de referencia de toda la discografía de Le Orme.

En esta obra, llena de hallazgos armónicos de fuerte color, hallamos ya una plena madurez en la forma de componer y se puede afirmar que el dueto Pagliuca/Taglapietra se revelan como maestros de la gracia, del estilo melódico, de la libertad rítmica, del contrapunto flexible pero minucioso y del tono elegante y majestuoso, así como compositores de sorprendente fecundidad. Esta obra los catapulta como maestros del genero no solo en su natal Italia, sino en el mundo entero, llamado la atención hasta al músico líder de Van der Graff Generator, Peter Hamill, quien de inmediato se hace aficionado a su música.

Esta magnifica obra contiene las 7 canciones más representativas de cómo se hace el rock Progresivo en Italia, de ritmos francos y fuertes (e.g Alienazione, La Porta Chiusa) , canciones muy pastorales, sensibles y mucho muy melancólicas ( e.g Aspettando l'alba , Breve Iimmagine ), y hasta un ejemplo de lo que harán después de 1974 con la canción más “popera” del disco, pero que contiene una fundación realmente progresiva e.g.(Gioco di Bimba), la calidad de la producción es prístina y es el primero de los discos de Le Orme en donde se ve como colaborador al maestro del piano Gian Piero Reverberi .

El grupo sigue en su misma alineación con Toni Pagliuca - órgano, sintetizador, piano, órgano eléctrico, mellotron, celesta, Aldo Tagliapietra - voz, bajo guitarra, guitarra acústica y eléctrica de 12 cuerdas y Michi Dei Rossi – batería, campanas y percusiones, acompañados por el ya mencionado Gian Piero Reverberi - piano en Una dolcezza nuova, y aquí sobresalen todos los miembros del grupo ya que independientemente de la labor de equipo que siempre han hecho, es fascinante escuchar a esta obra maestra del genero, catapultando lo que ya habían hecho en Collage y agregando influencias propias de la música italiana, con rasgos canterburianos , obvias influencias de Emerson, lake and Palmer (ELP), e inspiraciones de la música clásica en general, un disco también muy espiritual y nostálgico, y letras que son como obra, lo mejor la lado de Felona e Sorona, que haya escrito la dupla Pagliuca/Tagliapietra; el uso extensivo del Moog y del Sintetizador, hace que se construyan paisajes musicales oníricos de fuerte contrapunto en el cual se hace gala a través de todas las canciones, de esta obra.

Asimismo la portada es una de las más características del rock Progresivo , al revelar parte de lo que las letras y del cuasi concepto del que se trata esta grabación, es una obra de arte, y la relación con las letras que nos hablan de las enfermedades mentales, disturbios psicológicos, de las fragilidades emocionales y en general de la gente que sufre este tipo de afecciones, no por ello es casualidad que la ultima melodía del disco se llame “Alienazione”,y la relación con el arte de la portada del disco es evidente, una persona sentada en un diván y otra pretendiendo escuchar lo que dice y detrás de ellos, imágenes típicamente psicoanalíticas y también la noche y día reflejados en el frente y la contraportada del disco, por ello se puede decir que es una obra muy acabada y monumental de esta gran agrupación, este arte fue diseñado por Walter Mac Mazzieri.

La mayoría de las canciones del disco recrean una atmósfera ensoñadora, melancólica, y con momentos también de intensa rapidez, y que no hay momentos aburridos o bajos, solo de finísimos episodios netamente progresivos, audaces tonos polifónicos de teclado con rapidez dignas de un virtuoso, bajo sin efecto “overdrive”, pero explorando y explotando lo hecho en Collage, guitarras con arpegios exquisitos e ingeniosos, e inmensos ritmos trabajados por la batería, y con patrones contrapuntísticos simplemente geniales y solo logrados por algunos grupos Progresivos en el mundo (e.g. el uso que le da Michi a los platos llamados Hi hat o contras y manteniendo un ritmo frenético y extremadamente difícil en la canción La Porta Chiusa y que sirve como ejemplo del uso de estos en un ritmo claramente característico del Progresivo como estilo), arreglos y timbres barrocos de la más alta clase musical , composiciones de gran elaboración. Pero al mismo tiempo, majestuosas y sublimes con el uso del Mellotron por parte de Tony, un disco inolvidable y considerado una obra maestra del genero Progresivo, cada una de sus piezas musicales es un drama y bajo cada una de sus armonías se descubre una intención nueva y contribuyendo al asentamiento de un genero musical, que en este caso es el rock Progresivo, con un álbum definitorio en esta magnifica agrupación Veneciana.

Este disco es una garantía de excelencia en toda la carrera de Le Orme.

Y ahora el análisis de las canciones:

1.- Una Dolcezza Nuova.- el tema que abre esta obra e instantáneamente se siente uno transportado a arreglos de corte muy clásico, con el piano de Gian Piero mostrando por que fue solicitado a que colaborara con Le Orme y construyendo un alud de notas al lado del bajo de Tagliapietra y el órgano de Pagliuca, mientras que la batería lleva un ritmo frenético, mantenido por Michi hasta que ya se va transformando en una canción pletórica de evocaciones , con un ritmo acompasado, y timbres hechos con el piano y el teclado de Tony, con la gran voz que tiene Tagliapietra y claramente va señalando el sonido que ya se moldeo bajo las fraguas de Collage y la muestra es esta pieza musical, de altos vuelos, una pieza cargada de emociones , en ejemplo de las letras y que precisamente nos habla vagamente de los conflictos de la doble personalidad: :

“…there’s in your eyes an ancient fear, ashes’ dreams now burn in you. When the fears fade away, believe in me…the storm is in your heart, you take refuge in me. In the space shouts the thunder, your voice is now a sigh and you trembles beside me…”.

Acaso es este un interludio romántico? O es el narrador de una de las partes de la doble personalidad que trata de reemplazar a la primera, que no esta dispuesta a enfrentar la crudeza de la realidad nunca más?

Sin duda un empiezo de disco fuera de serie, y que por cierto me recuerda a lo hecho por ELP en la canción Three Fates de su disco homónimo. Excelente.

2.- Gioco di Bimba .- Segunda canción del disco en comento y aquí Le Orme construyo un tema con muchos elementos “pop” , sin embargo es una pieza musical donde las notas e intenciones de la letra se destacan y valorizan con medios sutiles que afectan el ritmo, la armonía y condimentado con el Clavicordio eléctrico de Tony, la dulce voz de Tagliapietra hace que uno sienta esa armonía “feliz” que transmite la pieza musical, como si se estuviera en un tiovivo. Sin embargo la letra trata los temas de la gente que aun no puede salir de algunos episodios de su niñez; asimismo me parece que fue sacada como single en el mercado italiano con éxito suficiente para que la música de Le Orme llegara a un publico más amplio. Una muestra del lado melódico del grupo. Muy Buena.

3.- La Porta Chiusa .- La pieza musical que define a Le Orme como uno de las grandes nombres en el rock Progresivo italiano y lo coloca en una primerisima fila al nombrar a los grandes de ese país, una de las más complejas canciones de la historia del grupo y que rivaliza con mucho de lo hecho en Collage y en Felona e Sorona y por ultimo con la canción Contrappunti del disco homónimo, excelso trabajo de Tony con los teclado y el mini Moog, mostrando pasajes realmente progresivos, notas discordantes y llenas de virtuosismo, y realmente se da la sensación de estar ante la primera composición “épica” del grupo, con su mas de 7 minutos, el trabajo de Aldo en el bajo es extraordinario y pletórico de armonías minuciosas y finas, así como su voz que queda muy bien en las partes tranquilas de la obra, pero el trabajo de la batería de Michi es de los más increíble y demasiado …” enciclopédico” a falta de una palabra apropiada, miles de notas tocadas a través de su hi hat, desarrollando una cadencia de ritmos de los mas diversos matices, rápidos, furiosos, tranquilos o manteniendo una clama intranquila, y un ejemplo para muchos de que sin duda es de los mejores bateristas del mundo, alternando a través de la pieza musical, diferentes poli ritmos y que a veces no puedo creerlo, que solo lo haga con un par de manos y piernas, realmente parece un pulpo tocando la batería!!, en cuanto metro , ritmo y melodía, cualquier aficionado al progresivo de cualquier tendencia, quedara más que satisfecho con lo hecho por este grandioso grupo, y el final es de los más fúricos ,en el sentido musical, que he escuchado de Le Orme. La Letra esta llena de misterio y obviamente relacionada al tema general del disco, considero que es la canción “cajona” misteriosa ,oscura y la mejor del disco. Excelente.

4.- Breve Iimmagine .- Una de las canciones con muchísima fuerza dramática por la voz de Aldo, realmente muy melancólica, onírica, que mueve a compartir ese desolado sentimiento como si lo vivieras, que estuvieras rememorando algún episodio de tu vida en donde las cosas no sucedieron como esperabas y te sientes desquebrajado por dentro. Los teclados de Tony van construyendo una serie de enramados melódicos que van acompañando ese sentimiento desgarrador que trasmite la melodía , y el uso del melotron (que claramente lo diferencia de Keith Emerson, ya que este no gustaba del sonido producido por aquel instrumento musical), y que se escucha como un sonido abrasador que llega realmente hasta la glándula pituitaria!, la batería de Michi mantiene el ritmo y recuerda lo hecho por Michael Giles, con el primer King Crimson, las letras , también muy buenas sobre todo por que no deja la temática de todo el disco, realmente increíble!! Y muestra máxima de lo que son capaces de hacer. Excelente.

5.- Figure di Cartone .- Aquí Le Orme nos ofrece una melodía de giro elegante y que posee una rara finura y un estilo un poco más ligero, pero muy efectivo, siguiendo esa atmósfera ensoñadora, que pasan de la melodía melancólica al virtuosismo descriptivo, cortesía de los teclados de Tony y al alarde de conocimiento en el uso del mini moog . el interés de la pieza reside en el dialogo entre la voz y los teclados, así como el ritmo muy puntual por parte de la batería de dei Rossi las letras son algo realmente maravilloso y que siguen la temática psicoanalítica de la obra: :

“…in your own strange world, made of cartboard’s figures and lots of cloth’s dolls…you live there between those four walls, you don’t remember who’ve leaded there, you only know who’s playing with you. You don’t have anxiety for the future, time for you has no value…you talk with the Angels. In that closed circle of madness you’ve lost your youth…”

Pues no faltaba más que este gran grupo nos diera otra receta de como hacer una excelente melodía con muy buenas letras. Excelente

6.- Aspettando l'alba .- Realmente en este álbum va uno escuchando pequeñas obras maestras, para formar un conjunto poderoso y magistral, y que se puede decir de esta canción?, probablemente rivaliza con La Porta Chiusa y Alienazione para ser considerada como la mejor pieza del disco, pero que difícil es decidir en un disco así!! Otra melodía increíble de Le Orme y también muy melancólica , evocadora e imaginativa una guitarra acústica con unas notas relativamente arpegiadas, que va construyendo a través de la obra un paisaje musical, de tristeza ,enigma y soledad enraizada en el personaje, mientras que la Voz de Aldo brilla en el firmamento, Tony nos da una delicia de uso del sintetizador-moog recreando esta atmósfera con tonos lúgubres y espaciales, además de como dota de poderoso cromatismo el conjunto, “un pensamiento silencioso” como lo dice claramente la letra y la batería de Michi, haciendo uso de pequeños ritmos callados pero que se adaptan como plástilina al molde de la pieza musical, una verdadera muestra de estos maestros finísimos en el ámbito de rock Progresivo italiano. Excelente.

7.- Alienazione.- El tema que cierra esta obra maestra del grupo y otra de las candidatas a ser la mejor canción del disco, una muestra que de los ritmos complejos y contrapuntísticos que son capaces de realizar estos magistrales músicos, la batería de Michi derrochando virtuosismo a cada nota tocada en su batería, el bajo de Taglapietra, creando minuciosos, contrastes de notas y que va tejiendo poco a poco, el entramado musical de toda la canción, y los teclados de Pagliuca que hace gala de su facultad musical al recetarnos dosis de refinamiento polifónico, fuerza, amplitud y elegancia, combinado con una inagotable fuerza en el manejo de la multiplicidad de notas que destila a través de toda la gama de instrumentos basados en el teclado y que domina como el mas consumado de los maestros, un alarde de excelsitud sinfónica, con claras influencias Carterburianas sobre todo a partir del minuto 2:30 , donde se escucha más claramente y que no es muy característico de su sonido, pero igualmente fascinante, y como lo señala Andrea Córtese “ el resultado de todos los estados mentales que lleva hacia la alineación” un tema de tono muy energético y enfadado. Excelente.

Como se darán cuenta, si han leído atentamente, este es uno de las obras más impresionantes que se han hecho en el rock Progresivo y que no deben de dejar pasar oportunidad para disfrutar este disco, es difícil no dejarse seducir por el encanto que se desprende, de sus piezas musicales, escritas diestramente, para desarrollar un episodio en la música que creo difícil se vuelva a repetir.

2006 José Alberto Muñoz Flores.


Banco del Mutuo Soccorso 1972.

Banco del Mutuo Soccorso: Ídem
Año: 1972.

In Volo

R.I.P. (Requiescant in Pace)



Il Giardino del Mago

a) ...passo dopo passo...

b) ...chi ride e chi geme...

c) ...coi capelli sciolti al vento...

d) Compenetrazione


Si existe un grupo italiano que es muy conocido a nivel internacional, después de Premiata Forneria Marconi (PFM), es Banco del Mutuo Soccorso (BMS) uno de los grupos fundamentales del Progresivo. Este grupo proveniente de la ciudad de Roma es de los mejores ejemplos del desarrollo del rock Progresivo italiano y también uno de los mejores grupos que hayan surgido del rock Progresivo mundial, su música es conmovedora y de delicado y fresco misticismo, así como de un cromatismo exacerbado. No hay duda de que la música de Banco tiene desarrollo muy clásico, temas profundos y con matices extraordinarios, y una extremada profesionalidad en los músicos que integran a este gran grupo y que son: Gianni Nocenzi .-clarinete, piano, Teclados, Flauta Piccolo , Vocales, Pier Luigi Calderoni .- Batería, Renato D'Angelo.- Bajo y Guitarra, Francesco Di Giacomo .- Vocales , Vittorio Nocenzi .- Órgano, Clarinete, Teclados, Vocales y Marcello Todaro .- guitarra, vocales, guitarrón.

Banco ha sido siempre un pilar del Progresivo en Italia , prácticamente se encontró presente en todos los festivales de rock Progresivo que se organizaron en principios de los 70’s como el Villa Pamplihi o el Caraccalla y al lado de los grandes grupos italianos de aquellos años como PFM, Osanna, New Trolls, Le Orme y Balleto di Bronzo, solo por nombrar algunos. Su sonido del grupo es muy característicos por el uso de doble teclado, cortesía de los hermanos Nocenzi, quienes estudiaron música clásica y es de notar ya que dominan a la perfección la técnica contrapuntística y los largos desarrollos armónicos, son músicos de espontaneidad fértil y conocimiento enciclopédico y sin duda de los mejores tecladistas que haya dado la música moderna.

Antes de pasar al análisis de la grabación que nos ocupa, quiero hacer mención del vocalista de este grupo Francesco Di Giacomo a quien considero una de las voces más características del rock italiano, su estilo de cantar es de los mejores que haya escuchado en toda mi vida, vocalista poderoso, con una voz privilegiada y que sabe transmitir el sentimiento que contiene la melodía, con ritmos desgarradores y al mismo tiempo melancólicos, un artista en constante evolución y que no sacrifica la arquitectura melódica y se afirma un temperamento tempestuoso y un maestro virtuoso en el arte de las vocalizaciones.

Es este su primer disco titulado del mismo modo que el grupo (BMS) y que es una de las joyas Progresivas del rock hecho en Italia de principios de los años 70’s. y que junto al primer disco de PFM, considero que son de los dos más poderosos discos debuts que hayan salido en ese año por (gran año por cierto para el rock italiano), y fundamentales si se quiere conocer el desarrollo del genero Progresivo en este país. La multiplicidad de ritmos, el color que les imprimen a las composiciones, los armonías difíciles y laboriosas, los ritmos extraños y disonantes, son poemas acabados que valen por su amplio aliento, su noble emoción sus líneas ya planas, ya móviles su expresión generosa aquí y contenida allá, su atmósfera nostálgica y a veces agresiva, creada por la parte de la instrumentación, rica en musicalidad y poderosamente evocadora.

El bajo de Renato es poderoso y sublime, discreto y taciturno a la vez, pero eficaz y sobrio en momentos de gran tensión musical, no hay duda que es de los bajistas menos reconocidos, pero si de los más diestros y con un gran sentido del acompañamiento y la improvisación (escuchen el pasaje de Metamorfosi minuto 4:20 en adelante). Calderoni lo considero de los mejores bateristas que haya dado el Progresivo, con un extraordinario instinto en aplicar los más disonantes ritmos que uno se hubiera imaginado y los aplica con la gracia del maestro y se afirma como un grande en hacer minuciosas pero efectivas tonalidades percutidas, con grandes redobles y con registros de hasta ritmos de 6/8 y con cambios sorprendentes, ritmos colosales y manejo de una melodía expresa.

La guitarra de Marcello es de las mejores que haya escuchado y que realizo una extraordinaria labor tanto en este disco como en el “Darwin!” (segundo disco de BMS) Y una parte del “Io Sono Nato Libero”. Músico preciso, teje grandes acordes y melodiosas líneas en su guitarra, tanto eléctrica como acústica, armonista consumado, (escuchen el delicioso y delicado pasaje de guitarra en Il Giardino del Mago minuto 10:30 ) con un gran sentido por la tonalidad y evitando el uso de los riffs genéricos del rock, opta por tocar a la manera de los grandes madrigalistas y laudistas ingleses, posee la entonación armónica mas sofisticada y con un toque mediterráneo que brinda frescura y gracia, no exenta de pasajes agresivos donde demuestra su potencial.

Antes de pasar a las canciones, quiero resaltar el punto acerca de la producción del disco, a mi me parece una producción muy aceptable en cuanto a sonido, (similar a esos discos del sello Vértigo) si se pudo hacer mejor pero es bastante disfrutable la sonoridad integra del disco, es cierto también que se oyen muy al frente los teclados de los hermanos Nocenzi, y en ocasiones la voz de Francesco se oye muy bajo en la mezcla. Pero creo que estos problemas mínimos se solucionan haciendo una buena ecualización en el aparato donde se este escuchando, para verdaderamente disfrutar esta maravillosa obra de arte que es su primer disco, capital en la discografía italiana de cualquier melómano Progresivo.

1.- In Volo.- El tema que abre este esplendido disco de BMS consiste en un ejercicio polifónico acompañado de efectos de sonido parecidos a lo que supongo sonaría o como una luciérnaga metálica o a un OVNI, y un dialogo entre Francesco y Vittorio, acompañado de flauta, bajo y una muy pero muy discreta batería de Calderoni, y con un sentimiento un poco medieval, por el uso de la flauta y este dialogo esta inspirado en un poeta poco conocido de Italia llamado Ludovico Ariosto (poco conocido aquí en México, claro) es una canción extraña y la voz de Digiacomo parecería de un locutor o narrador de algún programa o libro fantástico, y lo más notorio es ese efecto de “coro” que asemejan a unos niños, pero que es un efecto también de los teclados de Nocenzi, una canción que aparenta no tener un ritmo y que sonaría para muchos como una introducción de lo que viene. Buena (si gustas de los diálogos en italiano).

2.- R.I.P. (Requiescant in Pace).- Una de las canciones icono del grupo y que contiene todos los elementos por los cuales BMS es reconocido, los largos temas, la multiplicidad de notas musicales, los cambios de ritmos, el fraseo virtuoso , el compás energético, la voz poderosa y el teclado sumamente fértil e imaginativo, Gianni nos deleita con esas notas emanadas de su piano y ejecutadas puntillosamente y que no teme las armonías duras combinado con pasajes de belleza incalculable; el ritmo de Calderoni es sostenido de una manera ágil, (6/4) pero sin ser protagonista, con redobles flexibles pero exactos, la guitarra de Todaro es simplemente genial, trazos jazzisticos, pintor tonal de la guitarra, alterándola con un efecto de su guitarra haciendo que se escuche con una especie de urgencia melancólica bien estructurada, el teclado de Vittorio es único combinando el sonido de su órgano Hammond , con un moog discreto y que en partes se escucha misterioso y belicoso, el bajo de Renato es rico en a entonación melódica, sosteniendo el ritmo y hablando un lenguaje pausado, la voz de Francesco es simplemente extraordinaria! Pagina nostálgica y soñadora y con un todo de perfección inigualable. Trasmitiendo todos los sentimientos posibles, y que revela los atrevimientos y las bellezas de la música Progresiva, sobre todo al final de la canción, trasmite un sentimiento de abatimiento que en verdad pone los pelos de punta y atraviesa hasta el corazón más duro, acompañado de un piano sugestivo y una flauta con sonidos diseminados, para pasar inmediatamente a una secuencia de órgano tocado de forma muy fulminante y a un piano que termina la canción de forma fenomenal. No hay duda que esta es verdaderamente una de las canciones más representativas de Banco y de lo mejor en el disco. Excelente.

3.- Passaggio.- Una especie de entreacto tocado por Vittorio con un tema básicamente enraizado en la tradición clásica italiana, muy evocador y bucólico y de paso demostrando el genio que posee en el teclado por parte de Nocenzi. Tocando lo que parece una espineta o un clavicordio y aparentando entrar y salir de un cuarto. Es una pequeña obra de maestría en el arte de la melodía pura y no hay duda que la línea melódica seduce el espíritu, y si se fijan estas notas son similares a lo tocado en el resto del álbum, no reproducida de forma igual, pero si con ciertos elementos semejantes. Es una investigación afligida de un sonido perdido. Muy Buena.

4.- Metamorfosi.- La pieza musical que considero “cajona”, es una obra de inigualable musicalidad y que con una arquitectura sólida , con una instrumentación rica, oculta, de imaginación sorprendente, de sentimiento muy inspirado y con melodías intensamente poéticas, hasta ahora sigue siendo una de las construcciones más perfectas del genero Progresivo, con paletas sonoras amplísimas y riqueza de estilo sorprendente, no hay duda que Banco son músicos de una creatividad realmente prodigiosa, y revela a Vittorio como sabio contrapuntista y siempre cuidadoso del plan de la obra musical, se muestra arquitecto y cree en la primacía de la forma y del fondo y exige incluso una logica de la fantasía. Músico genial el piano de Gianni embellece toda la canción de una manera muy elegante y definida, es un drama punzante donde el Nocenzi afirma su maestría, y su grandeza,. La voz e DiGiacomo es poderosa y dramática al punto operístico y que brilla como la llama chispeante. El bajo de Renato se revela al oyente como un bajista inspirado y que sabe tomar las riendas del ritmo cuando es exacto, músico audaz y buscador de nuevas sonoridades y aunado con el instinto de la forma y del relieve. La batería de Calderoni brilla por su libertad de ritmo y que anima con nuevo aliento la música, percusionista tremendo y colosal. La guitarra de Todaro es poderosa y sublime, contrapunteando al teclado y al piano de los Nocenzi, y sobresaliendo por elaborar notas poderosas y frescas con el uso prudente de un efecto “overdrive” , no hay duda que es un maestro de la guitarra. Con sus casi 11 minutos de largo esta canción empieza con un contrapunteo entre la guitarra de Marcello y el piano de Gianni, acompañados por el bajo de Renato, el teclado de Vittorio y la batería de Calderoni, con un ritmo sincopado (6/5) pero muy enérgico, para pasar a uno de los solos de piano por parte de Gianni más conmovedores que he escuchado, muy idílico y solitario, poseedor de una melancolía implícita en la ejecución me hace recordar a compositores clásicos como Beethoven o Chopin, poema profundo, intimo en los que quizá puso lo mejor de su corazón por medio de una forma siempre en renovación. Uno de mis pasajes favoritos en una canción favorita! Una serie de notas sincopadas de melodía misteriosa del moog de Vittorio irrumpe y una serie de sonidos que suenan caóticos por parte de la guitarra de Todaro, mientras Vittorio y Gianni tocan frenéticamente el teclado y el piano respectivamente, mientras que Calderoni lleva un ritmo rapidísimo, dando una sensación de vértigo al escucha , repentinamente vuelve a la calma en el minuto 3:23, con un discreto solo de teclado de Nocenzi, tocado acompasadamente, no hay duda que es un pintor de la música que aplica una estética refinada y solo escuchen ese bello pasaje del minuto 3:30 al 3:57 , increíble y onírico a la vez. Para después pasar a una parte más energética, Renato tocando en su bajo “oscuro” las notas misteriosas del teclado, mientras que Calderoni nos sorprende con un ritmo inusual y se crean por parte de Todaro y Vittorio un dialogo de sorprendente riqueza melódica. A partir de minuto 5:09 vuelven al dialogo inicial (y principal) por parte de Marcello y Vittorio, no hay duda que la música de Banco del Mutuo Soccorso anima un sentimiento místico a veces y uno dramático.

Después vuelve un cambio de ritmo que se impone con el bajo de Renato y unos solos esparcidos del piano de Gianni y el teclado de Vittorio, creando una especie de transición hacia un ritmo más lento y más suave, la guitarra de Marcello brilla por su tonalidad, por su gracia sentimental y mediterránea, y da paso a la sereña voz de Di Giacomo que nos vuelve a estremecer con sus registros bajos y altos. Afirmando una vez más que es un gran vocalista, que canta las piezas musicales con soltura y con un estilo animado y conmovedor. La canción finaliza con un ritmo apresurado, similar al de RIP, con un excelente ritmo de Calderoni, y Vittorio nos receta unas armonías elaboradas y que se escuchan sumamente Progresivas, unos acordes excelentes y pesados de la guitarra de Todaro, y finaliza la obra con unas vertiginosas melodías al piano de Gianni, en fin una de las mejores y mas acabados ejemplos de un rock Progresivo combinado con mucho clasicismo y demasiado cambios rítmicos considero que es la mejor canción del disco. Excelente.

5.- Il Giardino del Mago a) ...passo dopo passo... b) ...chi ride e chi geme... c) ...coi capelli sciolti al vento... d) Compenetrazione .- La canción más larga del disco y que se encuentra dividida en cuatro partes, una obra a ratos muy abstracta, con largos trabajos de teclado y piano por parte de los hermanos Nocenzi, excelente guitarra de Marcello y un bajo firme, con notas fundadas en la escala cromática por parte de Renato y una batería por parte de Calderoni, que a mis oídos es de lo mejor que he escuchado en mi vida, la voz de Giacomo fluye de una forma fogosa a una forma melancólica o trepidante en cuestión de minutos, demostrando que es un asombroso genio de la forma, el ritmo y la melodía.

La obra que considero “épica”, por su longitud y su concepto, se divide en 4 partes, la primera a) ...passo dopo passo... Empieza con un misterioso órgano tocado por Vittorio y que es como si fuera desvelando un lugar de ensueño y en penumbra, acompañado de un piano ascendente y descendente al fondo y un ritmo acompasado de Calderoni y un bajo que se limita a acompañar el tono de la melodía. Y apareciendo unos coros por parte de los Nocenzi. En el minuto 2:09 aparece la guitarra de Todaro tocando las notas musicales principales de una manera furiosa, con un efecto “overdrive” y en el minuto 2:52 se vuelve a repetir el ciclo musical, pero ya con la presencia vocal de Di Giacomo acompañando la melodía con un tratamiento vocal que simula, al principio, un lamento pero que después va tomando fuerza vocal y con muy buena factura musical. También reluce un clavicordio al fondo y que supongo es tocado por Gianni. “e passo dopo passo con le spine ormai nei piedi tanto stanco stanco.” nos lleva a la segunda parte.

b) ...chi ride e chi geme... Principia esta parte con un ritmo dinámico por parte del grupo, Todaro utiliza de manera muy inteligente la guitarra, evitando usar los genéricos “riffs”, sustituyéndolos con acordes efectivos y melodiosos, la batería de Calderoni lleva un ritmo fundado en 18/8 que este gran maestro de las percusiones domina sin problemas, y resalta el dialogo que se hace entre Di Giacomo y los hermanos Nocenzi, y donde estos demuestran sus dotes vocales, sin embargo palidecen ante la potencia y firmeza de la impresionante voz de Di Giacomo, lo bueno es que lo compensan con su velocidad, empuje y sentido contrapuntístico en los pianos y teclados, el bajo de Renato va construyendo melodías agradables y sosteniendo la estructura primaria de la canción. Después de la parte del dialogo, Vittorio y Gianni nos muestra la capacidad y velocidad que poseen en ambas manos y juntos van tejiendo sendos solos de teclado de manera, casi orgiástica, como si quisieran acabarse el teclado, notables improvisadores y a quien su imaginación creadora parece no tener limites y después de un pequeño pasaje de tipo “Floydiano”, pasan a la tercera parte.

c) ...coi capelli sciolti al vento... Inicia terminando el pasaje “Floydiano” con una notas de Gianni, quien posee una inspiración en las grandes compositores del piano y que va construyendo las líneas principales de esta parte, aparece la voz de Francesco de forma elegante, y va deslizándose de manera gradual en la melodía de la canción y el clarinete de Vittorio acompañando con notas desperdigadas. Un pasaje musical de mucha belleza sugestiva y escucho la música similar a los madrigalistas italianos del siglo XVI. Hace presencia la guitarra acústica de Todaro tocando unos elegantes arpegios, lo que le da todavía una mayor connotación mediterránea, creo que son músicos extraordinarios y de gran maestría polifónica y destaco ese dialogo entre la guitarra de Marcello y la voz de Di Giacomo que es realmente muy melancólico y recrea una atmósfera tornasolada y misteriosa, propio de espíritus elevados y sublimes.

A partir del minuto 11:14 el bajo de Renato nos acelera el ritmo de manera vertiginosa y seguido de la batería de calderoni y la guitarra (eléctrica) de Marcello, comienza un breve solo de clarinete ejecutado por Gianni, e inmediatamente empieza un trepidante solo de teclado Hammond por parte de Vittorio que demuestra su técnica certera, audaz e improvisadora, y que el Clarinete de Gianni va persiguiendo a través de la canción. Eventualmente el grupo va elevando la música a un pathos de sublime hechura y finura, mientras Calderoni va manteniendo un ritmo muy apresurado y constante, alternado percusiones y terminando con un duro redoble de un timbal.

d) Compenetrazione.- La ultima parte de esta gran obra “homérica” de este excelso grupo italiano, empieza por recrear el pasaje tocado con inspiración madrigalesca, en la tercera parte, me parece como una especie de exposición de los opuestos , la gran guitarra de Todaro brilla por su forma su finura y su inspiración sonora, los teclados de los hermanos Nocenzi se sitúan en la cúspide de la melodía y la voz de Di Giacomo navega por las aguas de la inspiración poética., afirmando que es un músico que es capaz de conmover y que esta dotado de una rara intuición del timbre y sensibilidad majestuosa.

En el minuto 15:37, cambia la dinámica musical, apareciendo la sólida guitarra de Marcello y el bajo de Renato, recreando la temática de la primera parte de esta “epopéyica”, obra , con intervenciones muy precisas de Vittorio en los teclados y que le da buena alternancia al tema musical, a partir del minuto 16:55 vuelven al ritmo de 18/8, donde el grupo demuestra que su concepto musical esta enraizado firmemente en las entrañas del rock Progresivo y que el desarrollo clásico y su constante búsqueda de las sonoridades más sutiles crearon esta obra maestra que vale por su desarrollo armónico, su temática compleja y sus pasajes de belleza incontestable.

6.- Traccia.- La ultima pieza musical del grandioso disco de Banco del Mutuo Soccorso y también de las más conocidas por los aficionados al grupo. Es un desarrollo contrapuntístico de nivel muy complejo, sobre todo si se pone especial atención entre el trabajo del teclado y el piano de los Nocenzi, y como la batería de Calderoni va construyendo complejos poli ritmos a través de furiosos redobles y entre los rapidísimos pases del piano y los teclados, el bajo de Renato se ancla en ritmo de 6/8 y que le da a la obra, solidez y estructura amplia. La guitarra de Marcello aparece tardíamente, pero lo hace con un genial fraseo de guitarra e inmediatamente se coloca junto al bajo, dándole una potencia adicional al ritmo que va marcando Renato. Adornada con coros, cortesía de los Nocenzi, y que le da un marcado acento de medievalismo italiano, combinado con un rock progresivo muy energético, finalizando con un órgano al mas puro estilo de J. S. Bach.

Esta es una de las obras más completas y complejas que haya escuchado del rock Progresivo mundial, verdaderamente es impresionante lo que el grupo realizó en este disco y que demuestran una libertad de ritmo, un carácter y un dramatismo que animó con un nuevo aliento al rock Progresivo. Sus grandes emociones, sus líneas, su fuerte evocación, y donde se afirma un temperamento poderoso y una maestría absoluta en la música que dejan como testimonio este gran álbum.

Dedico esta reseña a mi primo y gran amigo Victor M. Castillo Martinez.

2006 José Alberto Muñoz Flores.