HOLA AMIGOS DE ZAFRETH, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Aquí va una opción de auto-regalo para estas Fiestas navideñas del año 2007. Se trata del grupo noruego ONSÉGEN ENSEMBLE, un power-trío cultor de un estilo progresivo potente y contundente, mezclando zheul (según un estilo intermedio entre Happy Family y Kultivator), Anekdoten pre-“Gravity” y space-rock, con algunos elementos de jazz-rock metidos por ahí en ocasiones.

Desde su página web, ubicada en la dirección http://www.uleaborg.com/onsegen/, se pueden descargar los temas de sus dos EPs, “Hiukkavaara Session” del año 2005, y “HottoïzzoH” del año 2007. Esto es todo lo que tienen en el mercado por ahora, un mini con dos temas y otros con tres. Por otro lado, también se los puede ver en Youtube en los siguientes enlaces: ‘Solei’ (http://www.youtube.com/watch?v=ZgI-WfGKGXQ); ‘Hottoïzzoh’ (versión más larga), (http://www.youtube.com/watch?v=Z7iIgFErOB4); ‘Kuuhanka’ (http://www.youtube.com/watch?v=8Je8F-AZxbs).

Aquí va mi apreciación personal del EP “Hiukkavaara Session”.-

‘Vaïno’ comienza con un muscular ejercicio de pulsaciones rockeras que se sitúan en un híbrido entre Anekdoten y Happy Family, aunque sin llegar a ser tan inquietante como estos últimos – hay incluso un manejo de tonalidades pop-rock, gracias a la presencia de la vocalista invitada Alisa Saila. El interludio entre las secciones cantada intermedia y última es un interesante jam pletórico de momentos de tensión aglutinada, pero justamente lo raro de esta canción es que la faceta más aguerrida del grupo es precisamente un complemento dentro del desarrollo de la composición y no la misma esencia de ésta. En fin, las cosas toman un cauce más acorde con el estándar de compleja energía en el segundo tema, ‘Kuuhanka’. Comenzando y terminando con un motivo de tenor rock-funky, donde las líneas de bajo operan creativamente al lado de los riffs y adornos de guitarra, tenemos un espléndido interludio consistente en un jam dinámico de corte típicamente zheul. El guitarreo guarda un aire de familia con Belew y Nicklas Berg (de Anekdoten), mientras que la dupla rítmica sostiene la cadencia básica a través de sus variantes de ambiente. Hay unos cánticos tenores que emulan una especie de evocación religiosa, exhibiendo una semejanza con Ruins en cuanto al tono sarcástico, que no la demencia dadaísta.

Y ahora, mi apreciación sobre “HottoïzzoH”.-

“HottoïzzoH” justamente comienza con la pieza homónima. Tal como se ve en Youtube (http://www.youtube.com/watch?v=Z7iIgFErOB4), este tema puede expandirse hasta un espacio de 9 minutos en las actuaciones en vivo, pero en esta versión de estudio solo llega a una duración de casi 5. Es verdad que esta restricción en la duración conlleva una restricción en las potencialidades de desarrollo de las atmósferas inherentes al motivo central, pero principalmente queda lo positivo – que se trata de una pieza muscular y cósmica a la vez, con unos ambientes sostenidos sólida y coherentemente sobre los hombros de los riffs guitarreros y la dinámica dupla rítmica, con una mención especial para los robustos sonidos que Juujärvi extrae a sus cuatro cuerdas. ‘OUSÍA MI MOSA’ se aparta un poco de la psicodelia stoner y ahonda en tonalidades folk-prog dentro del esquema zheul: esta pieza me suena a un híbrido entre Hoyry-Kone (en su faceta más agresiva) y Pochakaite Malko, debido al ingenioso manejo de cadencias exóticas europeo-orientales dentro de un clima de ritual machacante (que no opresivo). ‘VTG’ cierra este mini-CD con todo el lujo explotado al máximo. Se trata de la pieza con mayor elaboración compositiva, aunque Onségen Ensemble se comporta aún fiel al predominio de la cadencia y la potencia neurótica. En comparación con el primer tema, las partes más fuertes portan una mayor dosis de agilidad; además, hay un magnífico interludio semi-crimsoniano donde las capas de mellotron (o un sintetizador programado para sonar como tal) y las florituras del saxo proporcionan una magia a la vez torturada y cautivante. Es una verdadera pena que ninguna de estas piezas vaya más allá de los 4 minutos y pico de duración, pero esperemos que este sólido muestrario de progresivo vanguardista sea el anticipo de futuros trabajos ojalá más extensos. En todo caso, queda claro que Onségen Ensemble es un nombre a tener en cuenta de parte de los progheads con inclinaciones particulares hacia los rincones más oscuros del género. Un mensaje simple para todos ellos: ¡¡a descargar estos tres temas de la página web del grupo!!

Con este mensaje van también las portadas correspondientes a los dos EPs: lo demás es una simple cuestión de bajárselo de la página web arriba mencionada. Espero que la música sea del agrado de todos ustedes.

César Inca Mendoza Loyola.

SLEEPYTIME GORILLA MUSEUM "Of Natural History" (2004)

HOLA AMIGOS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

En el Internet me he topado con este link http://www.mp3fiesta.com/of_natural_history_album84029/ , para bajar el segundo disco de SLEEPYTIME GORILLA MUSEUM "Of Natural History". Se trata de un disco conceptual (o casi) cuya temática versa sobre una crítica a la sociedad tecnologizada contemporánea. Es en este disco que SGM lleva a la madurez plena su propuesta de combinar el metal experimental, el chamber-rock, el death, la música concreta y el gótico, todo ello integrado bizarramente en una amalgama perturbadora y extrañamente cautivante.

Esto sí tiene sabor a Halloween, con altas dosis de dadaísmo y hospital psiquiátrico.

Seguimos en contacto.

Cup of Wonder

Amigos recomiendo esta pagina de analisis de las letras de Jethro Tull y de los discos solistas de Ian Anderson es una pagina muy completa por lo que les insto a que entren y lean. Seguro cuando escuchen esas canciones de Jethro Tull que a todos nos agradan lo haremos de una forma muy distinta

saludos

Link: http://www.cupofwonder.com/index2.html

The Great Labyrinth Project - reseña del disco

HOLA AMIGOS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Con la presente les hago saber sobre THE GREAT LABYRINTH PROJECT, el proyecto dirigido por el guitarrista peruano radicado en los EE.UU. Ricardo Rodríguez. Asumiendo adicionalmente los roles en el bajo, teclados y programación de ritmos, además de utilizar la guitarra midi, Rodríguez se ha dado abasto para sacar a la venta el CD debut de THE GREAT LABYRINTH PROJECT, el mismo que está a la venta a través de su blog de Myspace: www.myspace.com/thegreatlabyrinthproject Aunque se trata de un proyecto netamente instrumental, este disco ha salido con títulos en español e inglés, respectivamente: “Desde el Centro del Laberinto” y “From the Center of the Labyrinth”. Pueden encontrar cuatro temas del disco en este blog, pero también pueden encontrar otros dos en su blog de Musicazo (www.musicazo.com.gruposlist/gruposlist.php), buscando en la sección de rock progresivo. Lo que se advierte de entrada es que el estilo plasmado en este proyecto se basa en una muestra enérgica y colorida de rock sinfónico con eminentes tintes de rock duro y la psicodelia tipo space-rock; incluso hay algunos coqueteos con el jazz-rock moderno, que no por ser tan recurrentes dejan de hacerse notar. Los referentes principales en las composiciones son RUSH, el sinfonismo estandarizado de raigambre yessera, las atmósferas envolventes del PINK FLOYD de la era 73-75, las oleadas oníricas y exóticas de OZIC TENTACLES en sus faceta más pesada, y el efectismo estilizado de un SATRIANI.

El repertorio consiste en: Intro / Roller Coaster / Fotografía / A.L.G.D.G.A.D.U. / El Despertar del Dragón / Hermoso Amanecer / Aprendiz / Viajero del Tiempo / La Princesa de Eskurtu / Outro

Con ‘Intro’ tenemos una atractiva alternancia de cortinas cósmicas con pasajes fuertes, casi prog-metal, en siete octavos: esta alternancia funciona como manifestación de algo que está a punto de irrumpir. Y la irrupción se cumple, en efecto, con la siguiente pieza, ‘Roller Coaster’, desde sus riffs de entrada y las efervescentes variantes que se van dando en el desarrollo. Sin tratarse de una pieza tremendamente compleja, sí logra transmitir un aura de sofisticación a través de sus sucesivos ambientes, lo que permite redondear la faena de una composición cohesiva y con gancho. ‘Fotografía’ es más compleja en la resolución de las variantes que se van sucediendo, pasando de un pasaje introductorio etéreo a un primer motivo cálido y melancólico, para luego llegar a una sección donde se alternan cadencias de tendencia blueseada con otros más dinámicos; el arribo a un breve reprise del primer motivo marca una conclusión eficaz. Más adelante, ‘El Despertar del Dragón’ lleva un paso más allá la polenta rockera que tan crucial resulta para la visión musical de Rodríguez, con una base rítmica que se apunta más hacia la esfera del jazz-rock funky a fin de darle un aire especial a los riffs de guitarra. Entre la foto y el dragón se ubica ‘A.L.G.D.G.A.D.U.’, un tema donde los aires exóticos de inspiración medio-oriental se plasman con energía y espíritu ceremonioso, como si asistiéramos a un ritual de talante extrovertido y sobrio a la vez. ‘Hermoso Amanecer’ porta una sencillez lírica bien llevada, evitando lo empalagoso gracias al efectivo uso de sonoridades etéreas tanto en los solos de guitarra como en las orquestaciones de teclado. También lírico pero con una mayor extroversión en los ambientes y el ritmo, ‘Aprendiz’ (una de las primeras composiciones que salieron a la luz en la primera etapa de este proyecto) recoge la faceta más estilizada del repertorio precedente; incluso creo notar un ligero tenebrismo en la densidad atmosférica que hace aparición en alguna parte del medio. Los temas 8 y 9 son aquellos donde quizá se refleja de manera más exitosa la ideología de complejidad progresiva. ‘Viajero del Tiempo’ expone un buen híbrido de YES y RUSH, incluyendo pasajes con compases inusuales y dramáticos giros armónicos donde los contrastes se trabajan de manera fluida. ‘La Princesa de Eskurtu’ no resulta tan bien integrada como la pieza anterior, pero también despliega ingenio en su manejo de la ambiciosa lógica de los cambios de ritmo, motivo y ambiente: hay ciertos momentos específicos donde la belleza de un solo o una serie de acordes brilla de manera especial. El minuto y medio que ocupa ‘Outro’ es una retoma de la sección rockera de ‘Intro’, un buen cierre para un disco ingenioso y ameno.

Sinceramente creo que se trata de un muy interesante ítem de la escena progresiva contemporánea, y desde ya recomiendo la adquisición del mismo.

César Inca Mendoza

RUBÉN D'HERS "Todo está en Descanso" - reseña y link

RUBÉN D’HERS “Todo Está en Descanso” (2004)

Temas
1. Porciones Bajas
2. Las Polillas
3. Nube Baja
4. La Vigilia y el Nácar
5. Desenso Sedoso
6. Primer Manual Para lo Inexpresivo
7. Almuerzo
8. Mi Brazo Roto
9. El Verdadero Dios
10. Tres Cosas Incesantes I
11. Tres Cosas Incesantes II
12. Todo Está en Descanso
13. Anna y las Palmas


El aventurero músico caraqueño RUBÉN D’HERS encarna una de las fuerzas creativas más osadas del momento en el rock experimental sudamericano. Aparte de su labor en el alucinado grupo kRé, también tiene mucho que decir como solista. Su primer trabajo solista es “Todo Está en Descanso”, una trama musical seriamente comprometida con el minimalismo, la ambientación electrónica, el post-rock y la musique concrete. Las intensivas manipulaciones de las cintas magnetofónicas operan más como un instrumento que como un mero recurso tecnológico. La serie de imágenes mentales motivadas por el repertorio de este disco alude a paisajes irreales y atmósferas etéreas plagadas de misterio, niebla y magia inescrutable. Todo eso en el lapso de una hora y medio minuto.

‘Porciones Bajas’ comienza con ambientes tétricos armados bajo una aureola distante donde capas irreales y aleatorias escalas disonantes se confunden en un efluvio concreto. ‘Las Polillas’ tiene, por el contrario, una tendencia a la candidez merced a las imágenes aludidas por los solitarios acordes de guitarra, los mismos que sirven para dirigir el desarrollo de las capas sonoras que se van sumando y escondiendo cuales olas en la playa. ‘Nube Baja’ tiene una tendencia más oscura, definitivamente enmarcada bajo (que no absorbida por) la huella del chamber-rock o RIO en su dimensión más recalcitrantemente reconstructiva. La serie de inquietantes retazos de violines múltiples establece una constante bizarra a contrapelo de las inconstantes apariciones de la guitarra, las mismas que emergen y desaparecen cuales traviesos espectros en una mansión abandonada y decadente. Luego surge una brisa opresiva como si se hubiese abierto al ventana a un mundo aun más aterrador: esto es más un paisaje musical que música en el sentido habitual del término. ‘La Vigilia y el Nácar’ es un homenaje a los paisajes oníricos del post-rock en su prototipo más lánguido: los efectos (“naturales” y artificiales) y acordes de guitarra exponen un retrato prodigioso de melancolía contemplativa en un ambiente otoñal, mientras que ‘Desenso Sedoso’ continúa explorando esta veta con incorporados alientos de minimalismo electrónico, para nada ajenos a la influencia de la vertiente más espacialmente onírica de la primera oleada del krautrock (p.e., CLUSTER, KLAUS SCHULZE). Definitivamente, gracias a esos etéreos rasgueos de guitarra acústica, ‘Desenso Sedoso’ es un número bastante cálido en medio de este contexto. Otro tema que más adelante apelará a ambientes similares es el octavo, ‘Mi Brazo Roto’, aunque a mitad de camino se enrumba por matices sonoros más inquietantes, como creando una exaltación de la mente encerrada en su propio cubículo espiritual. ‘Primer Manual de lo Inexpresivo’ es, esencialmente, un mini-catálogo de efectos: pura deconstrucción de las formas habituales, como si se tratara de un homenaje al movimiento multi-artístico Fluxus. ‘Almuerzo ‘sigue el mismo camino pero apunta al señalamiento de una cadencia rítmica concreta, armada con lo que parecen ser efectos de sonido que reciclan sonidos bucales tales como jadeos, absorciones, movimientos de la mandíbula,… Con sus ásperos rasgueos lentos de guitarra y sus atmósferas de desgarradora melancolía manifestadas por la orquestación de violines, ‘El Verdadero Dios’ nos remite más directamente al padrinazgo de SIGUR RÓS. La dupla de los temas ‘Tres Cosas Incesantes’ ofrece sendos collages de ideas que van fluctuando y sucediéndose bajo un arropamiento de capas mínimas sostenidas en el aire como un mismo cielo que contempla las cosas que pasan y pasan en el círculo perpetuo de la vida. La tendencia distante de la producción sonora da un aspecto de raro ensueño al asunto, incluso en las ideas más bizarras. Y de hecho que las hay en buenas dosis, como ese lamento surrealista de violín con el que concluye la segunda pieza de esta dupla. El tema homónimo es, en buena medida, una continuación de los aspectos más recurrentes del díptico precedente, aunque viene adornado por tarareos en falseto (muy semejantes al registro vocal de Jónsi Birgisson, de SIGUR RÓS). Estas alusiones al post-rock sirven para, una vez más, engarzar con la siguiente pieza, ‘Anna y las Palmas’, la misma que cierra el disco. En compás de tres cuartos, los retazos de guitarra, capas sonoras y tarareos en falsete están lejos de suponer un misterio en cuanto a las fuentes de inspiración

“Todo está en Descanso” es un disco muy especial, presto a ser degustado con una disposición particular y a ser disfrutado con nuevos esquemas mentales que el oyente deberá ir armando tentativamente a medida que va fluyendo el repertorio. Éste es un disco variado y coherente por igual, y a pesar del racimo de influencias, también un manifiesto de originalidad creativa. RUBÉN D’HERS es un verdadero visionario de la música contemporánea, y realmente creo que su legado presente resulta lo suficientemente valioso como para que se lo valore y difunda como merece. Este disco puede bajarse desde la misma página web del músico: visitar el enlace http://www.dhersmuzik.com/download.php


César Inca Mendoza

CANVAS SOLARIS: “Cortical Tectonics” (2007)

Temas
1. Berserker Hypothesis

2. Sinusoid Mirage

3. Interface

4. Gamma Knife

5. Rhizome

6. Reticular Consciousness


El alucinado ensamble de metal instrumental experimental CANVAS SOLARIS vuelve a ofrecernos, desde el estado norteamericano de Georgia, un catálogo de música enérgica, potente y versátil. A solo un año de la edición de su “Penumbra Diffuse” (el primer disco que conocí de la banda), el trío de Nathan Sapp, Ben Simpkins y Hunter Grinn resuelve profundizar en su peculiar mezcla de prog-metal, math-rock, jazz-rock, thrash metal, crimsonismo y psicodelia etérea para establecer una línea de trabajo más minuciosa en el manejo de contrastes y el despliegue de virtuosismo técnico, no pocas veces gratuito, pero definitivamente, siempre gratificantemente retador para el melómano amante de los senderos más bizarros de la vanguardia prog-metalera.

El incendiario tema ‘Berserker Hypothesis’ se explaya en un derroche de compleja fiereza expandida a través de riffs entrecortados y tensiones rítmicas que ya rayan lo humanamente imposible, y aun así, resulta que la polenta rockera se expone con una vitalidad bastante fresca. Su lapso de poco menos de cuatro minutos está muy bien aprovechado en lo que se refiere a la capacidad de impresionar al oyente con pericia técnica. Es como una acentuación de las cualidades más efectistas del tema de apertura de su anterior obra “Penumbra Diffuse”. Tras esta apertura de fuego y delirio siguen dos temas más notoriamente reposados (que no exentos de fuerza). ‘Sinusoid Mirage’ comienza con una vibración etérea donde el compás de los platillos y los sonidos semejantes al piano eléctrico parecen flotar en el aire pro un espacio de 2 minutos, antes de que entre la sección principal, marcada por una esencia jazz-rock ornamentada con connotaciones metal. ‘Interface’ ahonda más en la faceta más relajada del ensamble con sus aires decididamente fusionescos en clave crimsoniana, algo muy emparentado con las sonoridades más recurrentes de los discos solistas de TREY GUNN. Este momento de contemplación (con su suave dosis de neurosis) es una prueba de la habilidad que tiene el grupo para crear ambientes evocativos con ideas sencillas, y de paso, resulta muy oportuno dado el tremendo efluvio de energía y pirotecnia que tiene lugar en ‘Gamma Knife’, una de las piezas más fehacientemente llamativas del disco. ‘Gamma Knife’ contiene un viaje musical de 8 minutos donde se retoma en buena medida el frenesí inapelable del primer tema aunque arropado con una mayor sofisticación merced al uso de trucos estilizados muy a lo prog-metal (influencia de FATES WARNING) y a la aparición de ciertos fraseos melódicos bien definidos en medio de los exigentes ejercicios de acordes y síncopas raras. ¿Hay lucimiento por el gusto de lucirse? Sin duda, pero me parece que este ejercicio de exhibicionismo contiene la suficiente agilidad en su ambiente interno como para no perderse en divagaciones innecesarias: cada riff, cada solo, cada cambio de ritmo, cada metralla de doble bombo está en su correcto lugar durante el desarrollo y expansión de los motivos.

‘Rhizome’ comienza con un justo medio entre las aventuras jazz-rockeras del tema 2 y las cadencias hipnóticas del tema 3 en sus pasajes más relajados; luego, cuando surgen abruptamente las secciones más fieras tenemos un nuevo despliegue de la más pura esencia CANVAS SOLARIS. Los últimos 17 minutos del disco están ocupados por ‘Reticular Consciousness’, monumental pieza de cierre. Ésta comienza con un motivo bien definido dentro del prog-metal de resabios math-rock: aquí más que en los anteriores temas potentes logra Hunter Ginn exhibir la ingeniosa mezcla de fuego metalero y swing jazzero que conforma su estilo percusivo. Poco antes de entrar al tercer minuto y medio nos metemos en un segmento medio “spacey” que suena a un intermedio entre OZRIC TENTACLES y DJAM KARET (en su faceta más ensoñadora). Mientras avanza esta sección el aspecto cósmico se hace predominante hasta que llega un motivo de contrapuntos crimsonianos que opera como puente para una sección más relajada, algo así como una versión remodernizada de los climas oníricos floydianos de la era pre-“Dark Side”. Poco después de entrado el noveno minuto irrumpe un riff que en cuestión de segundos nos regresa frontalmente al ambiente inicial de prog-metal con tendencias math, aunque esta vez la guitarra sintetizada casi roba el protagonismo a la guitarra solista en algunos fraseos; con el reprise del motivo cósmico anteriormente mencionado regresamos desde la euforia al misterio nuevamente directo hasta la conclusión. CANVAS SOLARIS demuestra con su “Cortical Tectonics” que tiene ganas de y recursos para seguir siendo una fuerza motriz relevante para el desarrollo de la actual escena prog-metal en su vertiente más aventurera: de lo mejorcito y más filudo que ha dado el metal últimamente.

César Inca Mendoza

Temas
1. Fumarolas del Alma
2. Ciudad de Papel
3. El Llamado del Totoral
4. El Gran Acuerdo
5. Migraciones Eternas
6. La Voz de los Niños
7. Acción Por Los Cisnes
8. Tralcao (Lugar de Truenos)
9. Homínidos (Historia de Seres Nerviosos)
10. Los Trabajadores
11. E-N-E-U-J (Esto No Es un Juego)
12. Boletos Para Ir

Dejándose llevar por la corriente de creatividad e ingenio que se manifestó en su monumental disco precedente “La Isla de los Muertos”, el ensamble chileno LA DESOOORDEN vuelve a la carga con otro magnífico concept-disc – “Ciudad de Papel”. Aunque la temática sigue combativamente comprometida con la cuestión ambiental, esta vez el tema se concentra en la contaminación ambiental a nivel global por causa de los excesos de la galopante industrialización. El sonido grupal se siente más cargado, lo cual quiere decir que pone menos énfasis en las texturas de raigambre mística (completamente apropiada para el disco anterior) y más énfasis en la articulación fluida de diversos matices, adornos y complejidades dentro de su bien definida vertiente rock-fusión. Este disco destila una mayor dosis de aspereza propia del rock dentro de la compleja amalgama estructural creada por la banda; en las partes más serenas salen a relucir las influencias de CONGRESO y, en general, los estándares del rock-fusión en cuanto a densidad rítmica y sensibilidad melódica, mientras que en los momentos más filudos pueden notarse ciertos paralelos con KOIAK y la línea actual de MAR DE ROBLES. La labor del guitarrista Alfonso Banda es más destacada en comparación con “La Isla de los Muertos”, pues se da más abasto para meter solos y fraseos y hacerlos destacar en medio de las orquestaciones de saxos y los consistentemente contundentes aportes de la dupla rítmica (mención especial para el baterista-percusionista Rodrigo González, totalmente magistral en su potencia y versatilidad).

Con una cadencia tribal sincopada al punto de reflejar una especie de reflexión sosegada desde el corazón de la tierra, ‘Fumarolas del Alma’ conforma el inicio del disco: se trata de un tema en el que la energía global del ensamble va transitando fluidamente sobre las cadencias rítmicas, mientras que el violín (a cargo de un recurrente invitado de lujo, Benjamín Ruz) dialoga mágicamente con el saxo de Peter Pfeifer. El tema homónimo sube los decibeles un poco, especialmente en los momentos (como el inicial) donde los riffs guitarreros marcan la pauta, pero pronto nos encontramos con pasajes más contenidos en los que la instrumentación se matiza a fin de dejar que el canto dual de Altamirano y Contreras salga al frente y maneje la energía de las letras. Hay un interludio hermoso que supone el momento más relajado del tema antes del retorno del motivo inicial con un añadido cariz épico. A continuación siguen dos instrumentales, ‘El Llamado del Totoral’ y ‘El Gran Acuerdo’. El primero comienza con retazos sostenidos de didgeridoo contrapunteados por golpes de percusiones exóticas, creando al poco rato una danza ceremonial refrescante. El segundo es un ejercicio de jazz-rock, emparentado con lo que hacen AKINETÓN RETARD (otro gran ítem chileno) en sus momentos menos explosivos: con la presencia de invitados en violín y trompeta el sonido queda lleno de manera muy efectiva. ‘Migraciones Eternas’ me suena, en principio, a una combinación de los espíritus respectivos de las dos primeras canciones, logrando así manejar la continuidad estilística del disco. Pero además contiene una variantes y expansiones en su desarrollo que permiten al ensamble dar rienda suelta a sus ambiciones estilísticas – definitivamente, una de las gemas más sofisticadas de “Ciudad de Papel”. ‘La Voz de los Niños’ tiene una aureola más cinematográfica, destacando el pasaje de piano sobre el que fluye un coro infantil mientras la ocarina y ciertos artilugios percusivos ornamentan sutilmente el ambiente.

’Acción por los Cisnes’ continúa con esta tendencia cinematográfica en el comienzo, donde la voz de una activista y el ruido de consignas nos invitan a tomar conciencia sobre la alarmante urgencia del problema ambiental. Cuando el ensamble entra en acción, las cosas regresan a su caudal musical habitual de complejidad, aunque ciertamente con un aura más marcada hacia lo tenebroso y lo misterioso. ‘Tralcao (Lugar de Truenos)’ mantiene la explícita onda ecológica, transmitiendo esta vez una onda acústica donde se resalta lo percusivo: dicho sea de paso, el solo de saxo soprano es exquisito, realmente. ‘Homínidos’ es un instrumental donde la banda coquetea ligeramente con sonoridades propias del rock vanguardista. ‘Los Trabajadores’ reitera parcialmente la cadencia de la canción 2, con la variante de que aquí se hacen algunos guiños ocasionales al funk. ‘E-N-E-U-J’ pone, en su motivo principal, toda la carne rockera en el asador en un frenesí bien metido en el rock duro y la psicodelia, emanado desde la guitarra y desde la esforzada labor de la batería, generando así un acercamiento con LED ZEPPELIN y RED HOT CHILI PEPPERS. Los parajes donde aparece la trompeta invitada ayudan a crear oasis de variedad en medio de este torrente. El disco termina con los paisajes reflexivos de ‘Boletos Para Ir’, los mismos que son introducidos por delicados arpegios de guitarra sobre los que flotan etéreas líneas de saxo soprano. Los tambores étnicos y los ornamentos delicados de bajo ayudan a mantener un aura de evocación antes de que entren las partes cantadas. Los vuelos ocasionales del violín y los ornamentos adicionales de trompeta ayudan a completar el colorido espiritual de este envolvente mensaje de despedida.

“Ciudad de Papel” supone un nuevo exquisito logro artístico de parte de LA DESOOORDEN: recomendado como un aporte significativo dentro de la vanguardia rockera latinoamericana para este año 2007.

César Inca Mendoza

OUTER LIMITS: “Stromatolite” (2007)

Temas
1. Cosmic Velocity

2. Consensus

3. Lullaby

4. algo_rhythm.c

5. Caprice

6. Spiral Motion
7. Dahlia
8. Pangea
9. Organ Small Works No. 4
10. Constellation

El estromatolito es una arcaica roca laminada con origen microbiano: los fundamentos de su origen forman parte esencial de los cimientos de la vida terrestre. El estromatolito también es aludido en el título del nuevo disco del renacido ensamble japonés OUTER LIMITS – debo añadir que esta obra “Stromatolite” es una de las más excitantes del género progresivo para el presente año 2007. El disco nos muestra a una banda con un cambios relevante en su formación como es la ausencia del expresivo Tomoki Ueno en la voz principal y teclados adicionales, pero aun así firme a su compleja visión artística, la misma que se funda en la confluencia de sinfonismo con fuertes elementos dramáticos, texturas góticas, dinamismo de tendencia neo con alientos sombríos y esquemas de cámara. El bajista Tadashi Sugimoto se hace cargo de la voz principal y añade el stick y el cello a su aporte instrumental. OUTER LIMITS se ve decidido a retomar el sendero que dejaron atrás con su desintegración a inicios de los 90s al crear un puente estilístico con el que fuera hasta ahora su último disco, “The Scene of Pale Blue”. El manejo estilizado de ambientes perturbadores y la magia sombría descargada a través de las atmósferas casi cinematográficas dirigidas por los teclados y cuerdas hacen al oyente conocedor remontarse frontalmente hacia el disco antes mencionado. Debo decir, por mi parte, que “Stromatolite” llega más lejos en esta propuesta, ofreciendo una compacidad mejor lograda y una ilación de ideas incansablemente sugerentes. No sé cuánto de esto que estoy diciendo se debe al impacto psicológico de lo novedoso, pero estoy casi totalmente dispuesto a considerar a este disco como el mejor de OUTER LIMITS en toda su carrera.

‘Cosmic Velocity’ da inicio al disco con un fulgor infinito que parece que no va a cesar nunca. La dupla rítmica genera un motor de precisión para solventarse en su tarea de sostener las excursiones de sus compañeros de viaje: las espirales dibujadas por el violín, el solo de guitarra casi a lo RIO, los sintetizadores que despliegan una garra apabullante en sus líneas espectrales. Toda la instrumentación opera como una maquinaria excelsa de sonido, marcada por efluvios grandilocuentes de esplendor progresivo: la llegada del rotundo final le da al clímax un broche apropiado para la fastuosidad que ha sido desplegada de principio a fin, a través de todos los poros de este tema. ‘Consensus’, la primera pieza cantada del álbum, nos trae una muestra de progresivo misterioso atravesada por sonoridades casi industriales – gancho estilizado y ornamentos inquietantes, dos en uno. ‘Lullaby’ parece un ensueño agridulce emanado desde los jardines de un palacio rococó en horas del crepúsculo: el canto sereno de Sugimoto parece susurrarnos un secreto que había estado escondido por largo tiempo. La cadencia irresistiblemente contemplativa del motivo principal es explotada sabiamente por los excelentes colores dibujados por el violín y el cello, cuyo dueto parece ocupar toda la atmósfera de manera elegante y contundente a la vez. Ahora bien, si hablamos de contundencia en el sentido más literal de la palabra, el instrumental ‘algo_rhythm.c’ nos muestra a la banda elaborando un híbrido de ELP y UK en una electrizante amalgama progresiva, la misma que se erige como uno de los picos máximos del repertorio. ‘Caprice’ es un solo de violín al estilo barroco que por un espacio de un minuto y medio sustenta un preludio para ‘Spiral Motion’. Es por ello que los últimos fraseos del solo de violín enarbolan ciertas disonancias inesperadas, pues la entrada de ‘Spiral Motion’ tiene mucho de nebuloso y misterioso. Cabe destacar en esta pieza las emisiones cuasi-frippianas que surgen en el solo de guitarra (un recurso que aparece más de una vez en la labor de Takashi Aramaki). ‘Dahlia’ tiene un compás menos impetuoso pero sigue apostando por climas inquietantes: aquí la guitarra tiene más espacio para el lucimiento que en los temas anteriores, donde sus solos parecen relegados a los lugares que el violín tiene a bien dejarle. Aunque, a decir verdad, el solo que más me impresiona es el de sintetizador, cósmico al modo de una pesadilla, como si fuera una tormenta de lamentos que brota desde las entrañas del limbo. El canto de Sugimoto, siempre sobrio, aparece cuando la instrumentación baja los decibeles. La coda instrumental que sigue a la última porción cantada es realmente tenebrosa.

Como para ayudar un poco a aliviar la presión ambiental creada hasta el momento, ‘Pangea’ ofrece los motivos melódicos más épicos y menos oscuros del disco, manejados con un control asertivo. Suena a una mezcla de banda sonora de películas de héroes con PENDRAGON (en su mejor sazón). Pero… como la gente de OUTER LIMITS no puede con su genio, siempre tiene que poner algo perturbador como sea: esto sucede en los momentos en los que el violín se explaya en algunos solos sobre algunas pulsaciones de bajo, mas estos momentos son solo puentes entre tomas y retomas de los pasajes más épicos. En estos pasajes el grupo se muestra más afín a los acentos misteriosos a los cuales era tan afecto el ya extinto grupo polaco ABRAXAS. El tema 9 es un solo de órgano de fuelles cuyo espíritu y vibración se emparientan con los pasajes góticos tan recurrentes en los discos de DEVIL DOLL. Con sus casi 10 minutos de duración, ‘Constellation’ es el tema más extenso del disco. Es un tema épico atravesado por una sonoridad a lo PALLAS de los últimos años, inclinándose hacia ambientes cándidos. Se trata de una vuelta de tuerca en lo que se refiere a ambiente, pero la densidad creada por la instrumentación en bloque (densidad especialmente realzada por las suntuosas orquestaciones de teclado, abriendo brechas para la creación y exploración de continuas texturas) le permite tender un puente de continuidad a contrapelo con las variantes ofrecidas. Con este final explícitamente colorido concluye “Stromatolite”, el retorno a lo grande de OUTER LIMITIS. En verdad, este disco es un estromatolito lleno de espledorosa plenitud progresiva.

César Inca Mendoza

OMNI "Sólo Fue un Sueño" (2007)

Temas
1. Sólo Fue un Sueño

2. Ya estamos Aquí

3. Noche en Malandar

4. Telescopio de Papel

5. El Tren de Rota

6. Un Columpio Sobre el Mar

7. Espíritu Libre

8. Salto al Abismo

El ensamble gaditano OMNI acaba de meter otro golazo artístico con ésta, su tercera obra – “Sólo Fue un Sueño” confirma a este sexteto como una banda campeona dentro del género progresivo sinfónico en la Península Ibérica. Encaminándose segura y firmemente por los campos del lirismo y la candidez melódica, el grupo transita por sus ideas melódicas con exquisita elegancia, ideas arregladas de manera ágil a través de las interacciones creadas por los músicos en una constante comunión que se siente plena todo el tiempo. De esta manera, el grupo se decanta por reforzar los elementos más saltantes de su ya casi legendaria segunda obra “El Vals de los Duendes”, igualando la prestancia de ésta a la vez que la supera en cuanto a coherencia estilística. Los teclados de Alberto Márquez obtienen una mayor presencia dentro del bloque sonoro armado por la banda, mientras que la sección rítmica (batería-bajo-guitarra rítmica) adquiere una mayor dosis de potencia. Por su parte, el vientista Pepe Torres sabe entrometerse juguetonamente en medio de los aportes de la primera guitarra y los teclados con total soltura, a veces creando una triangulación con éstos, otras veces escurriéndose para llenar espacios de manera precisa. En líneas generales, se nota que el grupo ha ganado en dinamismo y soltura. Es uno de esos discos que pueden muy bien cautivar al oyente desde una primera escucha por su colorido y elegancia, y también por su energía – ya con escuchas más detenidas uno puede apreciar detalles y esquematizar mentalmente su propia percepción de la manifestación sonora contenida en el repertorio.

El disco comienza con la pieza homónima, la cual es básicamente un preludio etéreo ocupado por ensoñadores acordes de piano y efectos parecidos a silbidos celestiales, todos ellos flotando a través de un viento cadencioso – es como estar inmerso en el proceso de despertar hacia un nuevo día, y ciertamente, la frescura y entusiasmo del nuevo día es lo que nos parece presentar ‘Ya Estamos Aquí’, un tema de 5 minutos de duración con un tenor explícitamente alegre, el cual se anuncia frontalmente el espíritu general de la mayor parte del disco. Aires de CAMEL y GENESIS, tan recurrentes en tanto influencias seminales del sonido OMNI, emergen para que la banda trabaje con ellos según su propia visión. Tras una primera sección reposada y serena, ‘Noche en Malendar’ ofrece una faceta más compleja de su dinamismo intrínseco en la segunda parte, implementando adicionalmente elementos inspirados en CAI e IMÁN (otro referentes esenciales de la banda) y operando con alternancias de compases en 11/8 y 5/4. Con la retoma de la parte inicial se recupera la serenidad ceremoniosa para el final. ‘Telescopio de Papel’ crea algo así como un punto intermedio entre las dos piezas anteriores – esta secuencia que va de los temas 2 al 4 se puede escuchar de corrido desde un estado de empatía, pues el uso inteligente de solos y adornos a la guitarra y a los teclados ayuda a realzar el poder evocativo de las melodías. Pero si queremos llegar a uno de los puntos máximos de evocación, no tendremos que ir más lejos: ‘El Tren de Rota’ nos muestra una inspirada reconstrucción de los cánones del rock andaluz tradicional, creando un paisaje sonoro donde lo sinfónico se enriquece tremendamente con cadencias de corte jazz-rock y matices arábigos envolventes. Si las partes más alegres nos llevan a emociones candorosas y amenas, las más lentas nos transportan a ambientes contemplativos armados con impecable elegancia: en relación con estos últimos, cabe hacer una mención especial a los medidos solos de saxo que Torres exhibe en paralelo a los fraseos (más sueltos, influidos en algo por OLDFIELD) de la guitarra solista de Starry. Hasta ahora, ‘El Tren de Rota’ y ‘Noche en Malandar’ constituyen sendos picos de un repertorio que, de por sí, no tiene desperdicio alguno.

Tras los 10 ½ minutos de ‘El Tren de Rota’ vienen los 9 de ‘Un Columpio Sobre el Mar’, el cual muestra a OMNI acercándose más notoriamente al prog-fusión, y como es natural, ésta es manejada desde el ámbito de lo aflamencado. La base rítmica explora fluidamente su potencialidad jazzera mientras que la guitarra y el teclado se explayan persistentemente en un dueto al desarrollar las líneas melódicas principales. Con la aparición de un interludio más relajado tenemos una nueva oportunidad para apreciar la sensibilidad de Torres para crear texturas propicias, eso antes de que la retoma del motivo inicial, con ornamentos adicionales, conduzca al tema a su clímax definitivo. ‘Espíritu Libre’ tiene una agilidad afín a las imágenes aludidas en su título: mantiene el fulgor que ha caracterizado a las secciones más extrovertidas del repertorio precedente, dando prioridad a los estándares del sinfonismo. ‘Salto al Abismo’ da cierre al disco con un aire de serenidad, tal vez un tanto misteriosa, como si estuviera anticipando el arribo de la oscuridad de la noche. El toque de majestuosidad provisto por el solo de Starry permite al disco terminar con broche de oro. Concluyo diciendo simplemente que “Sólo Fue un Sueño” es una gozada progresiva, ni más ni menos – OMNI se da abasto para seguir siendo un nombre firme dentro del movimiento progresivo español.

César Inca Mendoza

Flotante "En la Agitación"

HOLA AMIGOS, LES SALUDA CÉSAR INCA.

FLOTANTE es un magnífico cuarteto instrumental chileno que encarna una de las propuestas progresivas más contundentemente aguerridas que he descubierto en estos últimos meses. Y ya se nos está haciendo costumbre que el movimiento progresivo chileno, en sus diversas vertientes, ofrezca fuego musical en copiosas llamaradas: ítems tan variados como AKINETÓN RETARD, TRYO, AUTÓMATA, EXSIMIO, JAIME ROSAS CUARTETO, MATRAZ, SARAX, MAR DE ROBLES, KOIAK, AUSTRALIS, etc., ofrecen torrentes musicales cuyos respectivos ingenios se potencian con energía y polenta abundantes.

¿Qué tal si nos concentramos ahora en el caso específico de FLOTANTE? Ellos ya tienen en su haber un disco homónimo debut y un segundo titulado “En la Agitación”, el mismo que fue publicado por Mylodon Records en el año pasado 2006. Éste es el disco al cual me refiero cuando hablo de mi impactante experiencia melómana con el arte sonoro de FLOTANTE. Se puede acceder a material audiovisual suyo en Youtube con dos vídeo-clips: ‘El Desayuno del Oso’ (http://www.youtube.com/watch?v=VyzDfI3nR-A) y ‘Taran Da’ (http://www.youtube.com/watch?v=ku_tKsYQ40Y).

En fin, ahora paso a comentar el disco “En la Agitación”, el mismo que recomiendo a los amantes de los sonidos progresivos donde confluyan lo filudo (math-rock, prog-metal) y lo experimental (la neurosis opresiva del KING CRIMSON contemporáneo, post-rock, ruidismo) sobre una cadencia rítmica sofisticada parcialmente inspirada en el jazz-rock moderno. El disco comienza con ‘El Desayuno del Oso’, un ejercicio sobrio y elegante de cadencias amables y ágiles, un tanto dadas a lo claroscuro pero de una manera muy sutil. Las partes más agresivas emergen como ornamentos especiales dentro del clima mayormente etéreo del motivo central. Con mayor amabilidad se establecen los ambientes de la primera porción del siguiente tema, ‘Pasos Elefantásticos’; ya con la porción conclusiva, más claramente inclinada hacia lo metalero, el grupo se entrega hacia una creación de robusta energía sólidamente sostenida sobre un tempo lento. Es en el tercer tema, llamado ‘Sonar’ (uno de los picos absolutos del disco), donde nos encontramos con el primer desgarro de frenesí neurótico a cargo del ensamble, pero dado que este grupo no es muy dado a la indulgencia en ambientes monolíticos, hallamos una matización de este frenesí a través del desarrollo de un compás de corte funky. La estructura de esta pieza me recuerda a una cruza entre ATTENTION DEFICIT y el PRIMUS pre-“Brown Album”. Lo solos de guitarra emitidos en el jam final elevan la temperatura ambiental de los vuelos instrumentales antes de aterrizar en un perturbador epílogo, elaborado con efectos aleatorios a lo musique concrete (trucos de consola, percusiones industriales, notas de quena). ‘El Beso del Gorila’ nos trae algo de solaz con su particular agilidad, inspirada a medias por el KC del “Three of a Perfect pair” y el TRYO de los momentos más alegres. Este beso primate es, principalmente, un preludio para el tremendo ‘Soy el Peque’, otra joya absoluta de este disco. Siendo tan explosiva como es, la manera en que las dos guitarras interactúan en medio del fuego da buena cuenta de la unidad compacta que opera a través de la asociación de los componentes individuales. Comenzando con el motivo principal, basado en un “crimsonismo jazzeado”, el intermedio nos remite a intensos juegos de monotonías guitarreras hiperbólicamente adornadas por travesuras de batería (al estilo de DON CABALLERO – mención especial para el baterista Felipe Morros): este intermedio permite oxigenar al motivo central, pues su retoma porta un solo de guitarra que arrastra consigo la intensidad del mencionado interludio.

‘La Patá del Zancudo’ guarda una cadencia muy a lo Zeppelín, con solos de guitarra que me suenan un tanto emparentados con Gary Moore y Jeff Beck. Es cuando termina que nos encontramos con un epílogo minimalista etéreo que crea un eficaz golpe de efecto. ‘Fat James’ nos muestra a la banda explorando sonoridades brumosas con bastante ahínco, jugando sesudamente con climas lánguidos a través del primer motivo. Con el arribo del segundo motivo el registro torna hacia un área totalmente diferente, mezclando las obsesivas síncopas del math-rock con la fuerza fulgurante del prog-metal; justamente este último factor se realza en el siguiente motivo aunque el compás no es demasiado acelerado. ‘Bichos’ comienza con recursos de ruidismo que operan como antesala para un jam psicodélico que abriga mayor energía que la que se hace patente. Este tema, al igual que cualquiera de los dos primeros, ejemplifica a la perfección la usual dinámica de interacción que constantemente generan los guitarristas Acevedo y Cortés. ‘Fat James’ y ‘Bichos’ son también otras piezas que destaco personalmente dentro de este impresionante repertorio de “En la Agitación”. El álbum concluye con ‘Tema con el Pez’, un efectivo ejercicio de post-rock en el cual el grupo explora su faceta más misteriosa, tejiendo una niebla musical onírica envuelta en matices casi “irreales”. Invitado especial: el trompetista Patricio Carrasco, quien despliega líneas cruciales para el desarrollo del ambiente general.

Con “En la Agitación” FLOTANTE hace lucir su talento para desarrollar un trabajo complejo y enérgico a través de su solvencia y versatilidad – se trata de un referente importante del progresivo sudamericano de nuestros días.

Defórmica "H"

HOLA AMIGOS, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Uno de mis descubrimientos argentinos más excitantes de los últimos meses ha sido DEFÓRMICA, un quinteto instrumental cuya propuesta musical consiste en un rock experimental denso, ejecutado con mucho nervio, expandido en viajes sonoros que se benefician de arreglos consistentes. Su disco “H” - editado el año pasado 2006 por Viajero Inmóvil - es un catálogo de excelentes piezas cuya perturbadora magia surge de la ágil confluencia de las siguientes influencias principales: crimosnismo moderno, post-rock (en su faceta más aguerrida como por ejemplo KAYO DOT), math-rock (a lo DON CABALLERO), el ANEKDOTEN de “From Within”. La presencia de varias cadencias emparentadas con el jazz-rock e la sección rítmica ayuda crucialmente a capitalizar la polenta inherente a las ideas musicales. La dupla guitarrera establece constantes juegos de coordinación para complementarse - en vez de desafiarse - en sus riffs y armonías, pero claro está, también hay lugar para solos bien armados en los cuales el lucimiento individual cuenta con un espacio razonablemente medido. En fin, la labor del teclista (quien, entre otras cosas, rescata con ahínco los sonidos del piano eléctrico y del órgano Hammond) ayuda a llenar espacios, introducir motivos, complementar la densidad general creada por sus compañeros, aumentar el aura de inquietud surrealista con sus capas y adornos. DEFÓRMICA es un ensamble en el sentido más literal de la palabra: es el bloque el que más se luce en lo que se refiere a la eficacia para crear y desarrollar ideas musicales a la vez complejas y controladas.

Este gran descubrimiento me vino anticipado por los soundclips que hay en su página web (http://www.deformica.com.ar/) y en su blog de Myspace (www.myspace.com/deformica), pero la verdadera revelación se empezó a concretar cuando, a pocos minutos de llegar a mi casa y abrir mi paquete de VI, puse el disco y me tropecé con ‘Final’, el tema de apertura. Esa breve secuencia de arpegios duales de guitarras sostenida de manera tan mecánica y vibrante por la dupla rítmica y ornamentada con teclados sutilmente potentes era un apropiado aviso del vendaval de misterio y energía que se me venía encima. Luego venía ‘Nuevo V’, un pico del disco cuya vena aguerrida viene marcada por las guitarras en su sólido manejo de texturas: el baterista demuestra un gran pulso a la hora de manejar los cambios dramáticos de ambiente. Otro pico es el siguiente tema, ‘Mecafónica’, el cual se revela más tormentoso y complejo que el anterior, con pasajes diversos que transitan esquizofrénicamente entre lo neurótico, lo cortante y lo pulsacional. ‘Arañitas’ y ‘Acalambrase’ ofrecen una menor dosis de oscuridad pero siguen sosteniendo el nivel homogéneo de dinamismo en el repertorio del disco – estas dos piezas que acabo de nombrar conjugan muy bien el delirio arquetípico de KING CRIMSON y las atmósferas misteriosas del post-rock (como siempre, en su faceta más potente), mostrando a DEFÓRMICA en una actitud más compacta y menos deconstructiva. ‘Marionetas’ ostenta una ambientación juguetona que no contradice la naturaleza neurótica del motivo inicial; por el contrario, esta agilidad juguetona permita a los guitarreos explayarse coquetamente sobre los pasajes agresivos (muy a lo math-rock) y los más reposados, con los cuales concluye el tema. ‘Marionetas’ contiene lo que tal vez sea la performance más impresionante de la dupla rítmica. El espíritu de ‘Hidralia’ me recuerda al de ‘Nuevo V’, particularmente por su majestuoso manejo de la polenta psicodélica que emerge constantemente.

Hay interludios entre tema y tema (aunque más parecen ideas adicionales que cierran el tema precedente). Por ejemplo, hay un interludio que consiste en una serie de efectos surrealistas de golpes aleatorios de cuerdas de guitarra slide, mientras que otros interludios se basan en una bucólica sonata de guitarra clásica o un solo de batería muy a lo Canterbury. ‘Sofisma’, el tema de cierre, es un caso peculiar, pues consiste en un motivo lánguido principal que solo dura 2 ½ minutos, el cual es seguido por un lapso silencioso y por un jam surreal y sutilmente opresivo a lo SIGUR ROS – se supone que este jam es el epílogo, si es que debemos seguir aplicando la lógica de los interludios que tuvo lugar con todos los temas precedentes.

La h es una letra estandarizadamente muda, pero esto no vale para esta “H”, la cual tiene una expresividad muy explícita en tanto manifiesto de una manera de hacer música progresiva experimental en nuestros días. DEFÓRMICA es un nombre a ser anotado en un lugar preferente de las agendas de los melómanos progresivos. Para completar nuestra aproximación a esta banda, podemos también ver sus vídeos de Youtube en los siguientes links: http://www.youtube.com/watch?v=mkPaDDGgKyI, http://www.youtube.com/watch?v=Jam8TAc7TEI, http://www.youtube.com/watch?v=VfSuyGVwE8I – el público ya convencido hallará amplio deleite en estos documentos audiovisuales.

Supay "El Viaje"

HOLA AMIGOS, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Otro excelente aporte para el rock progresivo dentro de la escena rockera peruana es el segundo disco de SUPAY “El Viaje”. Lanzado oficialmente al mercado discográfico local a fines de mayo, vino anticipado por un EP de edición limitada titulado igual, el cual contenía cinco de los diez temas contenidos en este CD de larga duración. La línea de trabajo de SUPAY se circunscribe claramente bajo los parámetros del progresivo sinfónico de tendencia psicodélica en comunión con la fusión folclórica de raíz sur-andina. El disco debut “Confusión” (una joya aun por ser descubierta debidamente por el mayor público progresivo) mostraba una amalgama del rock complejo y lo andino compactamente integrada; la tendencia prioritaria del viaje musical contenido en “El Viaje” es la de afilar las aristas específicas de cada una de estas dos fuentes a fin de darle a su comunión una directriz más centrada en los contrastes. Ojo, la armonización de ambos elementos nucleares sigue siendo bien logrado: lo que pasa es que es trabajada con un enfoque un poco distinto. El resultado es igualmente excelente porque, al fin y al cabo, SUPAY es un grupo con las ideas bien claras en sus expansiones instrumentales – el ensamble sabe a qué atenerse tanto en los momentos de improvisación como en los pasajes más marcadamente líricos. En comparación con el disco debut, aquí se nota una exaltación más pronunciada en la guitarra, la cual se enlaza íntimamente con las influencias de Blackmore y Jeff Beck, aparte de David Gilmour y Steve Hackett. Por su parte, los vientos andinos conjugan una inocultable mezcla de magia antigua y la picaresca de JETHRO TULL.

El disco comienza con un bello preludio telúrico titulado ‘Ancestro’ (semejante en cadencia a la apertura del legendario “Alturas de Machu Picchu” de LOS JAIVAS), engarzado casi instantáneamente con ‘Alma’, un tema de tendencia melancólica que pronto incorpora variantes un poco más extrovertidas, aunque sin romper con el clima básico. El guitarrista Luis Proaño saca provecho a su rol protagónico sin resultar absorbente. Hasta aquí, tenemos una continuación con la línea de “Confusión”. Es a partir de ‘Supay’ cuando el ensamble empieza a poner sus nuevas cartas sobre la mesa: los pesados riffs duplicados por la zampoña y la potencia versátil de la dupla rítmica emergen como una explosión de luz desde detrás de las montañas, mientras que los exquisitos ornamentos de teclado se filtran eficazmente bajo los sucesivos solos de guitarra y viento. Más adelante, con ‘Lejanía’ y ‘Resurrección’ tenemos sendos ejemplos de esta misma estrategia, incluso dando más espacio a los jams y potenciando con más tesón la polenta inherente al ensamble. Estos dos temas son los que tal vez contengan las intervenciones más notables del teclista Gustavo Valverde, dada la variedad de recursos sonoros que utiliza en las orquestaciones, armonías y fraseos en fluido diálogo con la guitarra solista y los vientos. Otros momentos específicos que destaco son los traviesos retazos de quena que flotan sobre los pesados guitarreos en el clímax sostenido de ‘Lejanía’ y los colores mayestáticos concentrados en el épico motivo de apertura de ‘Resurrección’.

SUPAY también sabe rendirse cándidamente al suave lirismo de lo andino como en ‘Karnavaloide’, un ligero ejercicio de carnaval andino en clave de world-music, y también en los interludios ‘Ñan Quiska’ (reprise de ‘Ancetro’ con zampoñas) y ‘Guerrero’, sendos solos del vientista Williams León. ‘Avanzando II’ es un interludio blues-rock ornamentado progresivamente hasta aterrizar en el motivo inicial de ‘Avanzando’, tema del disco “Confusión” – más que una secuela es un prólogo. El disco concluye con la pieza que le da título. ‘El Viaje’ tiene dos secciones bien diferenciadas: una inicial etérea con base bosanova, en la cual la quema traversa y la zampoña van flotando como en un ensueño, hasta que emerge la sección final, un torrente de rock duro psicodélico sabiamente adornado por sonidos cósmicos de sintetizador, al modo de algo tenebroso que nos aguarda al final del camino.

SUPAY logra proyectarse nuevamente como una referencia importante dentro del mundillo progresivo con “El Viaje”. Se trata de un disco muy consistente a pesar de la inconsistencia del cronograma que se siguió para grabarlo y producido de a pocos. De hecho, el bajista Renzo Danuser ya no está (siendo el veterano retornado Felipe Asmat un apropiado reemplazo), Gustavo Valverde desertó antes de la edición del EP precedente, y la dupla de vientos se tornó en mónada. Ojalá tenga este grupo la fortuna de servirse de la catapulta que supuso la re-edición de su “Confusión” a través de Mylodon. La verdad que su propuesta merece una mayor atención de parte del público melómano rockero, ya sea progresivo o no, a fin de cuentas.

Flor de Loto "Madre Tierra"

HOLA AMIGOS, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Con la presente quisiera comentar algo sobre el segundo disco de FLOR DE LOTO, actual orgullo progresivo del Perú. Este disco se llama "Madre Tierra" y acaba de ser publicado por Mylodon Records a fines de este último mayo.

Después de haber llamado la atención con su eficaz manejo de expansiones instrumentales en su homónimo disco debut (2005, editado también por Mylodon), el cuarteto conformado por Alonso Herrera [guitarras], Alejandro Jarrín [bajo], Johnny Pérez [flauta, vientos andinos, flauta dulce, percusión] y Jorge Puccini [batería, percusión] logra encuadrar más consistentemente su estilo prog-folk en ideas musicales un poco más concisas la mayor parte de las veces. No han dejado de lado la expansión, como se puede notar en sus actuaciones en directo, donde apuestan por sacar el jugo a sus temas, pero en las versiones de estudio optan por delinear confines más explícitos para sus composiciones. Esta moderada restricción de sus vuelos instrumentales viene a contrapelo de los incrementos de energía y color con que han impregnado su "Madre Tierra". Los dos primeros temas del disco, 'Madre Tierra' y 'El Charango Perdido', los muestra paseándose con igual solvencia por los pasajes andinos y los hard-prog, manejando las variables y constantes con pasmosa fluidez. La cosa es desafiante y vibrante a la vez, con un gancho contagiante que no se contradice con la complejidad para nada. Los momentos más explosivos están concentrados en 'Antares' y 'Medusa'. El primero es un ejercicio de funk-rock y rock duro con alusiones arábigas: me parece que el desarrollo pudo ser más extenso, pero se agradece esa tremenda coda medio thrash que emerge como una tormenta juguetona. El segundo, que cierra el disco, es todo un compendio de los mayores referentes del grupo (JETHRO TULL, IRON MAIDEN, DREAM THEATER y RUSH) - un broche excelente.

Pero éstas no son las únicas piezas particularmente meritorias del disco. Hay temas como 'El Mensajero', 'Luz de Luna' y 'La Ley de la Vida' en los que FDL exhibe su capacidad de elaborar climas más reposados con perfecta fineza. Todos ellos en clave de 3/4, apelan ora a la música palaciega renacentista, ora a las cadencias de la zamba argentina, para inspirarse en s ucreación de atmósferas introspectivas. La sección final de 'La ley de la Vida', en mi opinión, también ameritaba una mayor expansión: es como si la entrada de la guitarra eléctrica en los rasgueos finales no contara con suficiente espacio para completar un mejor clímax (¿por qué a algunos productores les preocupa tanto el exceso?, ¿no sería su peculiar preocupación otro tipo de exceso, a fin de cuentas?... en fin... qué sé yo de estas cosas...).

'Danza Celta' y 'Andaluces' son aventuras en otros folklores a manera de travesuras de turista. Son piezas bien hechas (el candor juglar del primero, la bien armada coda en 5/4 del segundo) con resultado desigual: se nota que el grupo se adapta más naturalmente a lo céltico que a la fusión flamenca.

En suma, mi balance personal de este disco es muy positivo. Es muy posible que a fines de este año 2007 quede como una de las obras progresivas más sobresalientes de nuestro medio lationoamericano. La proyección internacional de FDL ya está encaminada con su participación en festivales de Brasil y México, y teniendo como testimonio reciente este "Madre Tierra", la cosa puede simplemente no parar en su escalonado auge... ¡quién sabe!

Bienvenido Cesar Inca!!!

Doy la más cordial bienvenida a Cesar Inca Loyola Mendoza a este humilde Blog. que seguro aportará su vasto conocimiento progresivo para enriquecer el blog
Saludos Cesar!!!
Alberto

Doy la Bienvenida!!!!

Amigos del Blog les comunico que uno de los integrantes del Blog Zafreth ha creado su Blog: http://rodolp.blogspot.com/ .
Les recomiendo que entren a este blog tambien, ya que como lo señala mi buen amigo Rodolp es un blog que promete ser de lo mejor!!!
Este es el mensaje introductorio.
¡Hola! Este blog es en principio un suplemento de Zafreth para tener más lugar para poner cosas, discutir y comentar libremente sin alterar el cuidadoso orden del otro blog.
Desde getyourfile.4t.com se puede acceder a los archivos que serán posteados y/o comentados por mí en Zafreth, evitando las tediosas descargas desde RapidShare y sitios por el estilo hasta que descubra la manera de zafar las incordiosas limitaciones que imponen.
Todos los comentarios son bienvenidos, incluso los insultos y críticas desmesuradas pero ¡aaaah, prepárense estos últimos! ya que serán duramente replicados.
Ahora a comenzar...
RodolP